El Arte, su momento y su lugar de creación, asociados totalmente

Cualquier creación artística se enmarca en el momento en que nace, en que se crea. Es imposible no impregnar poco o mucho de la realidad del momento de la creación, cuando nos ponemos a crear algo nuevo. Sea una novela, un cuadro, una obra de teatro o una película

Incluso da igual si es una película de la época romana, sin querer y sin darnos cuenta, estaremos casi seguro añadiendo elementos del momento actual, pues lo construimos desde nuestra forma de pensar actual.

Si cogemos un texto de Lope de Vega
, si quisiéramos montar una obra de teatro con su texto, veríamos que le tenemos que añadir casi todo. El texto es la historia, la sustancia, pero falta el plato, los cubiertos, las compañías, el ambiente, las luces, le mesa y el tiempo real junto a su ambiente.

Si analizamos hoy cualquier obra de arte pictórica y no somos capaces de abstraernos al tiempo en que fue creado, la estaremos viendo parcialmente con arreglo a lo que el artista nos quiso mostrar. Y eso que la pintura es la disciplina junto a la fotografía que más se acerca a la realidad. Pero a la realidad de su momento.

Una obra de arte es un momento tiempo, es un ambiente, un lugar. Un ballet ruso del siglo XIX nació allí y lo podemos ver ahora aquí. Pero a la hora de representarlo, de copiarlo para transmitirlo en el momento actual, hay que decidir cuánto del siglo XIX ruso queremos mostrar.

Pues no se trata solo de mostrar a unos bailarines moviéndose maravillosamente. Hay que añadir un espacio, una escenografía, una iluminación y unos colores, un ritmo, una música que podemos volver más o menos alegre o triste, un conjunto que puede ser más o menos numeroso y agrupado o desperdigado. 

Sin contar que hoy le podemos añadir imágenes de fondo estáticas o en movimiento, podemos jugar con guiños al espectador, o a la hora de crear la escenografía debemos ambientarla como deseemos transmitir sensaciones.

Es una pintura de los años 1960 en España es normal que se refleje la falta de libertad, y en los años 2000 que se vea la confusión. Si esta obra no es de un autor español sino chino o ruso, se notará su procedencia espacial y temporal. Y eso es siempre un valor añadido que tiene el ARTE pues refleja notarialmente los tiempos.

La pregunta respuesta es sencilla ¿Por qué necesitaba la iglesia católica tantas obras sacras en el siglo XV mostrando a Cristo sufriendo, a demonios o ángeles? Era mera propaganda que había que explicar a una sociedad analfabeta a base de imágenes.


La obra que podemos ver arriba es una olla del pueblo peruano de Nazca, posiblemente con uno 2.000 años de antigüedad y que nos muestra a un Ser Oculado de cuerpo entero con ojos desorbitados, boca felina y como falsamente alegre que parece cobrar vida para saltar sobre nosotros. Una clásica obra religiosa de aquellos años en aquella zona en concreto.

La Compañía de Rafael Amargo y su Dionisio

Acudí a ver la obra “Dionisio” de Rafael Amargo, o mejor dicho de la Compañía de Rafael Amargo y debo reconocer que me sorprendió doblemente. Por una parte lo flojo del guión, que aunque no afectaba enormemente a la obra pues en realidad iba “de otra cosa” resulta complejo para una obra de ballet y teatro que aspira por el nombre a representar un trabajo clásico.

Pero a su vez me sorprendió por la belleza del espectáculo, su escenografía o el trabajo de la Compañía, excelente y sin poder señalar a ninguno de sus integrantes, estuvieron muy profesionales, muy dignos, muy conscientes de que el ARTE escénico puede tener muchas variables.

Lo de menos, lo recalco, es la excusa de utilizar a Dionisio como el motor de la obra. No lo parece y no encaja bien pues igual podría haber sido una fiesta del sur de España que un amor entre diversos o un planteamiento del norte de Europa. Desenfreno tal vez no suficientemente explicado, sexo y fiesta, dolor y dudas.

Buena escenografía, buena musicalidad e iluminación, mal sonido. La figura de Rafael Amargo a veces sobra. No es necesario estar siempre en el escenario, incluso a veces NO estar supone que al volver si coga con más ganas. No tenía su día o su mes un Rafael Amargo que se cansaba mucho antes que sus compañeros de un trabajo duro, donde se entrega al público sobre todo una composición artística buena, llena de hermosos cuadros y de un ballet contemporáneo que a veces quiere ser clásico y otras histórico.

El conjunto como obra musical de ballet moderno funciona. Como obra clásica que nos quiere contar una historia… ya no tanto. Algunos protagonistas de la Compañía simplemente excelentes, lo mejor de toda la noche.

La Composición es el elemento básico en la creación artística

La COMPOSICIÓN es lo más importante a la hora de crear arte, es lo primero, lo básico, lo fundamental. Es el marco sobre el que se coloca todo lo demás. La composición es lo “que compone” el resultado. La composición es simplemente la ORGANIZACIÓN de los espacios y de los elementos.

Todo lo que seamos capaces de crear hay que enmarcarlo (y no me refiero a ponerle marcos de madera) y seleccionarlo, cortarlo, mostrar lo que deseamos y sobre el espacio que hemos decidido utilizar, al que podemos llamar lienzo, escenario, hoja blanca o espacio tiempo.

Vamos a imaginarnos un paisaje, y lo vamos a fotografiar o a pintar, daría igual. Tenemos que decidir si lo queremos transmitir horizontal o vertical, tenemos que elegir el punto de vista y distribuir los elementos que vemos sobre el espacio elegido.

Sobre todo en pintura tenemos que decidir qué importancia queremos para cada elemento. Qué tamaño deseamos mostrar de las montañas, de esa flor amarilla, del espacio del total que deseamos cubrir del verde hierba. Vamos a decidir si el cielo es simplemente cian con algo de magenta o queremos mostrar un cielo con nubes blancas, de tormenta o de noche.

Si es teatro o literatura tenemos que decidir en qué momento entra un personaje, desde qué lado, vestido cómo, para decir qué. Vamos a componer la historia a base de componer el espacio y el tiempo. Y componer es también dar más o menos tamaño a cada elemento, sea un personaje o una mancha, un sonido o un grito.

La suma de toda la obra es la suma de muchos elementos, pero la Composición determina en qué posición hemos colocado cada uno de ellos, por ejemplo para que entre ellos no se tapen, se contrapeses bien, encajen de colores sin vibrar más de lo que deseas, etc. La suma de todas esas decisiones es la Organización que marca la Composición final de la obra.

¿Cambiamos la mirada del personaje? ¿Quitamos verde y añadimos negro? ¿Movemos hacia el centro esa mancha roja, haciéndola algo más pequeña? ¿Dejamos la percusión que entre unos segundos antes? ¿Acercamos más al actor hacia los espectadores para que le vean mejor la cara rota de sus dolores?

La obra que vemos arriba es del artista holandés Karel Appel y se titula “Figuras” pintada en el año 1952 al óleo.

Una pieza de arte textil llamada "Mola" de Colombia

En la imagen vemos un ejemplar de "Mola" una técnica de arte textil que se realiza en algunas zonas de Colombia y Panamá, generalmente realizado por los Guna (o Kunas), un pueblo amerindio con ancestrales formas sociales de vida y de organización laboral, familiar y económica. 

Una mola es una pieza textil compleja, con diversos diseños artísticos que va configurando con diversas piezas terminadas una blusa o un vestido para su uso festivo.

En realidad es un ropa que imita con dibujos geométricos los mismos tipos de pinturas que se pintaban en el cuerpo, técnica textil confeccionada totalmente a mano, donde reflejan el mantenimiento de sus culturas aunque en los últimos años van añadiendo a sus diseños aves, flores y animales de las zonas de influencia. ya no son solo dibujos geométricos. 

La técnica se basa en unir varias capas de tejidos de distinto color, entre dos y siete capas, que una vez cosidas, se cortan trozos de las diferentes capas para ir dejando ver los colores de las capas inferiores, o se rajan y se abren capas para la misma sensación visual, cosiendo las aperturas con hilos muy finos.  

Todo el conjunto final con su aperturas y trozos retirados se cosen con agujas muy finas para que casi no se noten las puntadas y de la sensación de ser todo una sola pieza de tela, entresacando las partes de las diferentes capas para que el conjunto quede en apariencia como una tela de una sola capa o a lo sumo de dos. Cuantas más capas tenga la tela y más finas las puntadas, más cara es la obra de arte.


¿Cómo trabajaba Hergé para crear a Tintín?

Este que vemos arriba es un primer boceto de un álbum del dibujante Hergé (Georges Prosper Remi), el creador belga de Tintín, recogiendo su primera idea en un cuadernos de bocetos específico para esas primeras escenas donde ya marcaba los paisajes que iban acompañar a los personajes, las posturas de ellas, la posición de la “cámara” que los iba a representar en el cómic final. 

Pero no era todo improvisación. Antes Hergé se documentaba y tenía a su alcance libros y revistas de donde sacaba esos paisajes y la información que necesitaba para reflejar el escenario o los personajes nuevos que iban a acompañar a los fijos y muy conocidos.

Alrededor de sus escenas ya iba colocando los diálogos o los textos explicativos de la acción para plantear el tamaño de los bocadillos finales, aunque luego eran finalmente modificados los textos cuando pasaban a la mesa de dibujo final, y allí eran definitivamente dibujadas las viñetas sin excesivo detalle en hojas A3 y con lápiz. 

Y se hacen por primera vez los bocadillos pues ya se conoce los textos que van acompañar cada viñeta.

Tras revisar toda la hoja ya dibujada casi definitivamente a lápiz se pasa al siguiente paso que es dibujar definitivamente la hoja de cómic a tinta, terminando los detalles y convirtiendo a los personajes en sus figuras habituales con sus detalles bien reconocidos. 

Se completan los bocadillos adaptando los espacios vacíos pero sin escribir textos y se pasa a la sección de colorear, donde los colaboradores de Hergé se dedican a dar el color a los dibujos con aguadas y acuarelas y con arreglo a la información que tienen de cada escena.

Finalmente los textos se incorporan al dibujo con diversas técnicas. Actualmente parte de estas secuencias de trabajo que hemos visto se realizan de forma digital. El coloreado y la incorporación de los textos son las funciones que ya (casi) todos los dibujantes realizan de forma digital.

Las 3 ó 4 patas de la creación artística

Cualquier obra de arte se sujeta sobre dos columnas claras. La IDEA y los MEDIOS. Lo que queremos decir y las herramientas que utilizamos. Luego está como tercera columna nuestra experiencia, personalidad, mochila…, el ARTISTA.

Si falla cualquiera de las tres patas de la banqueta todo se cae. ¿O tiene cuatro?

Una idea se puede representar de miles de formas, dependiendo de las herramientas o del artista.



 Con las mismas herramientas se puede realizar miles de obras o ideas diferentes.


 Cada artista utilizando las mismas herramientas puede transmitirnos la misma idea de formas muy diferentes entre unos y otros.

Una fotografía puede refleja la soledad, pero también una escultura, una obra de teatro, un relato corto o un cuadro en acuarela. E incluso esa misma soledad reflejada a través de una fotografía será tremendamente diferente de un fotógrafo a otro.

El tema, la idea, es el fundamento, la sustancia. El sentido de la obra. Pero va unido claramente a las herramientas, a los medios. Si no se dominan los medios que utilizamos para “contar” será imposible lograr lo que se pretende. 


Un pintor no puede reflejar la soledad en una novela con la misma calidad que lo haría con una obra en lienzo. Y al revés. Si no se domina la herramienta, no seremos capaces de transmitir lo que queremos decir.

La unión de las tres patas (mínimas) del taburete son imprescindibles para que la banqueta no cojee. La idea, la herramienta y el creador de la obra, del contenido. Efectivamente, hay infinidad de tipos de banquetas, de alturas, de calidad, de belleza. Pero todas necesitan tener tres patas similares en altura.

Pero podríamos decir que hay una cuarta pata en ese vehículo de expresión artística y que podríamos llamar el MOMENTO o el LUGAR. El espacio tiempo en donde se realiza la obra. 


No es posible crear lo mismo en un país asiático que en Portugal, no es lo mismo 1945 que 2018 por poner ejemplos sencillos. Algunos artistas logran abstraerse de la influencia del lugar o del tiempo, pero no todos y no siempre. Y en cualquier caso siempre llevan encima de su obra la influencia de un lugar y de un tiempo.

Esta obra de arriba es del artista marroquí español José Hernández Muñoz titulada “Mesa Malaya” y creada en el año 1987. Decía José Hernández Muñoz: “La Pintura es silencio. Un silencio esencial de imágenes”.



El arte que observamos está escrito en un alfabeto que no conocemos

Al ARTE que observamos, el de cualquier artista que quiera ser considerado como tal, es el producto de un complejo proceso donde intervienen muy diversos aspectos que ellos van sumando a su proyecto artístico. 

Si el resultado final merece la pena, si se nota el trabajo realizado o si se queda vacío de fondo es la muestra más clara de que lo hemos comprendido, entendido o si en cambio el autor no ha sabido transmitirnos lo que pretendía.

El ARTE es muchas veces una escritura con formas, texturas, colores, movimientos, sonidos, voces. Y es posible que al igual que ya sabemos leer en nuestro idioma familiar desde muy pequeños, el arte en un idioma que utiliza signos distintos, y que por eso no siempre somos capaces de entenderlo, de leer lo que se nos dice.

El artista elige materiales, formas, modos de mostrar el conjunto, espacios, marcos mentales, para atrapar nuestra atención pues los presuntos alfabetos (abecedarios) que utiliza el arte sin innumerables.

Si se nos escribe un poema en chino o árabe no seremos capaces de entender lo que nos dice más allá de la posible belleza de sus signos, pero no entenderemos el mensaje o su enunciado. Hay que explorar sobre lo complejo para desentrañarlo. Y el arte algunas veces está en ese mismo dilema. Estás escrito con signos que no siempre entendemos.

Un ARTISTA tiende a mantener su “idioma” artístico durante toda su obra para simplificar el entendimiento de sus seguidores. Miró, Picasso o Millares por poner tres ejemplos al azar mantuvieron unas “formas” gráficas durante muchos años de su producción para reconocer sus mensajes, para familiarizarnos con sus signos, sus lenguajes de trabajo.

Todo eso es un trabajo del artista que va sumando ideas similares dentro de sus proyectos de autor y sin salirse de su “idioma” artístico, mientras va avanzando desde el mismo proceso, buscando nuevos caminos, diferentes zonas de actuación.

La obra que he dejado arriba es de Luis Feito del año 1960. Si observamos su producción artística veremos una clara evolución sin salirse mucho de su propio idioma. Una vez alcanzado un punto de trabajo, de expresión con manchas y formas determinadas, sigue evolucionando desde ellas, cambiando colores o simplificando los espacios, pero ya no vuelve a los años anteriores, donde las líneas parecían marcar más sus formas de dialogar con el espectador. 

Su cambio más profundo en estos últimos 50 años puede ser la inundación de color en sus obras, manteniendo sus formas y sus distribuciones.

En el ARTE hay que insistir con series temáticas

Se nos dice muchas veces en la vida que hay que insistir, que hay que volver a los mismos sitios hasta dominarlos, que hay que especializarse. Y sí, es una buena manera de crecer sobre algo en concreto, de que cada vez sea mejor lo que hagamos en esa especialidad pues se van sumando experiencias. 

En el ARTE sucede lo mismo. 

Hay que insistir con SERIES similares, con temas elegidos a los que les vamos exigiendo cada vez más y más. Hay artistas que (casi) toda su vida la han dedicado a un tema muy concreto.

Aprendemos de todo lo que nos va rodeando en nuestra vida, y vamos aprendiendo de ese “algo” elegido por nosotros a base de insistir, de repetir, de mirar y remirar lo mismo siempre, desde muy diversas ópticas, puntos de vista, añadidos o restados, hasta dejar pulido y abrillantado el tema.

Los artistas que logran salir de su zona de confort se instalan en otra zona de confort más compleja que les permite ampliar sus conocimientos sobre ella. Eligen una temática, la exploran hasta casi agotar sus posibilidades, le dan la vuelta, la miran desde distintos puntos de vista. 

De esa exploración repetitiva, de ese insistir en la temática van saliendo cada vez aspectos y puntos de vista que al principio ni tan siquiera imaginábamos.

Pongamos un ejemplo muy sencillo. Vamos a crear series de fotografías de ventanas.

En un principio nos gustarán todas las ventanas que se salgan de lo habitual. Y le añadiremos nuestro punto de vista y el tratamiento que nuestra formación crea más conveniente. 

Pero poco a poco iremos explorando el mundo de la ventana hasta convertirlo casi en una obsesión. 

¿Ventanas rotas? 
¿Ventanas vestidas? 
¿Ventanas con personas? 
¿Ventanas con gran colorido? 
¿Ventanas rurales? 
¿Ventanas distorsionadas? 
¿Trozos de ventanas? 
¿Paredes junto a las ventanas? 
¿Clavos o enganches de las ventanas?

Nos hemos ido moviendo desde un trabajo “con” ventanas a un trabajo “de” ventanas para terminar con un trabajo “contra” las ventanas. 

De la primera obra a la última veremos que ya no parece un trabajo sobre ventanas, aunque sea un trabajo con ventanas. Y de ese camino saldrá algo "diferente" y sin duda más pulido y válido.

Necesita la música para seguir caminando más lejos

Desde la ciudad de Bali en Indonesia me llega esta imagen efímera de la artista Julia Volchkova, reconocida artista rusa que domina sobre todo el arte urbano muralista con imágenes ácidas y en (casi) blanco y negro donde retrata a personas realizando siempre acciones potentes. Este músico callejero nos grita que él… necesita la música para seguir caminando cada vez más lejos. Fue pintada en el año 2018.


Mi arte es algo sin lo cual no puedo vivir, por eso intento pintar o dibujar todos los días”, Julia Volchkova

La importancia de aprender a dibujar antes de pintar

Cuando estudias Arte o simplemente Pintura (si quieres ir rápido simplificando las enseñanzas) es muy normal que te canses enseguida de algo que no llegas a entender bien. Hay que aprender a DIBUJAR. Y las primeras clases, los primeros meses son de DIBUJO. Quieres tocar color, tocar pinceles, pero los profesores se empeñan en enseñarte a dibujar.

No te rebeles, es muy importante aprender a DIBUJAR y es muy necesario que dediques tiempo a ello. Dibujar es lograr aprender y/o dominar tus manos y dedos a transmitir a un papel lo que piensas.

En principio aprender a transmitir lo que ves, lo que ven todos. Unas escayolas, unos bodegones, unas sombras y unas luces. Nada más que eso.

Tienes que enseñar a TU herramienta el trabajar, para que sea capaz de realizar lo mismo que estás pensando, lo mismo que tu ves en tu imaginación. Tienes que aprender a representar lo que estás viendo, para que sea lo más parecido posible a lo que te imaginas que ves. De momento, escayolas, flores o jarrones, luces y sombras como decíamos antes.

Y para ello nada más barato que el papel y nada más fácil de corregir, quitar y sobre todo añadir como el carboncillo. En realidad se aprende con carboncillo y papel por lo rápido y barato que resulta aprender a dibujar con esos elementos. Pero recuerda que lo importante es tu mano, la conexión entre lo que deseas hacer con tu cerebro y lo que realmente hace tu mano.

Pero además debes aprender a mirar y a ver. Una escayola es un objeto inerte que está iluminada de una forma determinada. ¿Tu ves todas sus sombras y luces para convertir algo blanco y soso en una completa gama de grises que le dan forma y volumen?

Cuando intentas dibujar una escayola observas que te queda “muerta”, como sosa, sin vida o sin volumen. Simplemente es porque no has “pillado” todas sus sombras y luces. No las estás viendo. Le falta a tu obra detectar cuales son más importantes que otras para lograr que logre vida. 

Es decir… falta aprender a ver, no sabes todavía detectar las partes de luz y de sombra que convierten a tu obra en más real. Lo estás mirando y lo notas, pero todavía no lo sabes ver bien.

Tenemos con el DIBUJO que aprender a pensar con la mirada para luego hablar con las manos empleando utensilios muy diversos. 

Se empieza dibujando del natural para aprender a controlar nuestras herramientas naturales (la vista y las manos). Y de esa forma estamos aprendiendo a transmitir a un papel y luego a un lienzo lo que nos imaginamos. 

Aunque luego sean imágenes abstractas, geométricas, montajes o collages. Eso al final son técnicas ajenas al aprendizaje, al saber mirar y saber transmitir lo que vemos.

Os he puesto arriba un dibujo de Joan Miró, una obra que en apariencia no necesita el autor ser un reconocido dibujante capaz de transmitir a un papel un dibujo reconocible. Joan Miró tienes obras de juventud donde el dibujo es perfecto, demostrando un gran dominio del dibujo que podríamos llamar academicista. 

Para pintar como Joan Miró antes el aprendido a dibujar y con ello a dominar sus manos y sus formas de ver. Esta obra es del año 1953, cuando Miró tenía ya 60 años, y se titula "La sonrisa de alas flameantes". Es propiedad de Caja Madrid.

Cualquier cosa puede ser una Obra de Arte. O no

Dicen, y creo que es verdad, que cualquier cosa puede ser una Obra de Arte, lo cual no quiere decir que una Obra de Arte sea cualquier cosa, ni que cualquier cosa es una Obra de Arte. Depende todo. Del contexto, de la forma, del marco, del lugar en donde se encuentre, del mensaje que nos manda con arreglo al espacio. Incluso depende del encuadre, de la luz, del envoltorio, del momento.

Alguien —Duchamp— logró convertir una taza de urinario en una obra de arte simplemente dándole la vuelta 180 grados. Pero le añadió algo. La firma. Y la osadía de presentarlo en una magna exposición de obras de arte.

Una tortilla deconstruida en un restaurante de lujo y nombre puede ser un buen plato de 60 euros. Esa misma tortilla en el bar de abajo es un día de mierda del camarero. Depende. Al de abajo no le piensas pagar, al de los 60 euros le dejas propina y sales encantado de que te haya hecho un hueco para poderte atender.

Yo creo que al ARTE le damos a veces mucha más importancia de la que el propio arte nos reclama. Yo prefiero quedarme en la parte baja de importancia y así poder disfrutar más de casi todo lo que me parece arte. Me conformo con poco. Por ejemplo con que simplemente provoque.

Un plátano pegado a una pared de una conocida sala de arte es una Obra de Arte. Pegado en la pared de un mercado de barrio es una gamberrada. Puede ser incluso el mismo plátano. En realidad no es el plátano la Obra de Arte sino la acción de poner el plátano pegado en un sitio determinado.

Cuando Mauricio Cattelan puso su obra “Comedian” pegado en la pared del Miami Art Basel no pensó en vender un plátano pegado con cinta americana, sino en provocar al propio arte que lo había separado durante 15 años y del que se quería reír a costa de hacernos reflexionar si cualquier cosa puede ser considerada Arte. Pues depende.

¿Valía los 120.000 dólare que alguien dijo que pensaba pagar por la obra de arte del plátano, antes de comérsela otro artista? Pues sin duda no. Incluso su precio servía para poner en valor artístico a la pieza en su conjunto. Sin precio alto es posible que nadie considerase aquello como una obra de arte. 


No es que seamos tontos, que también, es que simplemente nos movemos en parámetros que no siempre son lógicos. ¿Puede ser lógico el arte surrealista?

Mujer sentada, obra en papel de Pablo Picasso

Esta obra en papel es de Pablo Picasso que trabajó en muchas ocasiones muy diversas obras en papel dando valor a una base, un soporte, que no siempre valoramos en su justa medida. El título es "Mujer sentada" y lo realizó en el año 1938. Con este mismo título, Picasso realizó muchas otras obras.

Diorama de Nápoles del siglo XVIII. Arte en cera

Hubo un tiempo que algunos artistas hacían pequeños dioramas de siluetas de ciudades en sus momentos clave de su historia, como una forma artística de crear en relieve lo que a veces también se trabajaba en pintura, pero con técnicas que recordaban más a la escultura en miniatura o al actual modelismo.

Se hacían relieves en cera enmarcados luego dentro de unas urnas de cristal, para decorar salas de estar o de comedor. En esta caso podemos ver una Vista de Nápoles de Nicolás Englebert Cetto de mitad del siglo XVIII.

Los ángeles llevan entre sus brazos unos carteles indicando el nombre de los edificios más importantes de la ciudad, como si fuera una postal turística de entonces. En la zona más cercana vemos las aguas casi moverse, intentando zarandear a barcos con unas olas de gran tamaño que mueven los barcos como si no tuvieran peso. Eran obras muy fotográficas mucho antes de inventarse el procedimiento, donde se buscaba sobre todo impresionar al espectador.

Los niños sí, los adultos… no. Está prohibido asomarse a la vida

Desde Indonesia nos remite esta preciosa imagen urbana de la ciudad de Bali la corresponsal compartida entre Luis Iribarren y todos nosotros, lectores y miradores de ese arte efímero que es el sencilla arte urbano con doble intención.

El niño quiere salir, o quiere entrar, o quiere mirar. Todo es posible. El niño se está aupando para llegar a la libertad que supone poder saber “qué hay detrás” y con ello se comporta como cualquier otro niño. Algo que los adultos ya hemos sido domesticados para no hacer. No hay que intentar saber qué hay detrás, no vaya a ser que nos guste y nos volvamos atrevidos queriendo alcanzarlo.

Los niños sí, los adultos… NO. Tenemos que aprender que está prohibido.

Un dibujo de Diego Velázquez, de los pocos que existen

El dibujo es mucho más que un arte menor, es sobre todo un procedimiento de boceto para grandes pinturas y un método de arte con mayúsculas para reflejar ideas terminadas donde las formas imperan sobre el color o sobre las grandes muestras artísticas. Sin dibujo no hay arte, aunque sea en algunos casos incluso dibujo poco expresionista y en apariencia poco trabajado.

Este dibujo es de Velázquez, uno de los pocos que se han conservado de este importantísimo artista. Sirvió de boceto para retratar al Cardenal Gaspar de Borja y Velasco entre los años 1643 y 1645. Diego Velázquez ya tenía más de 40 años, era maduro y seguía utilizando aunque no se hayan conservado, dibujos para preparar sus obras.

En aquellos años un pintor era un contratado como lo puede ser ahora un fotógrafo de estudio, al que los grandes personajes no estaban dispuestos a dedicar mucho tiempo para posar. Así que había que tomar bocetos rápidos dibujando el rostro y las facciones, para luego en el cuadro terminar de esbozar los parecidos con visitas rápidas en muchos casos, fueras Goya o Velázquez.

Se empieza con la mancha, para lograr volver a la mancha

Manchar es también crear. Es formar y edificar escenas, es llenar vacíos o cambiarlos de aspecto. Es intentar dar vida nueva a espacios vacíos. Se empieza manchando cuando eres niño, y puedes terminar como Goya, volviendo a manchar como con ls Pinturas Negras. 

En el camino entre las primeras manchas y las últimas puede quedar un inmenso espacio para mostrar su pensamiento, tus ideas. Se empieza con las manchas, para lograr volver a las manchas.

Aníbal vencedor visualizando Italia desde los Alpes, de Goya

Es muy posible que el primer cuadro que se atribuye a Francisco de Goya: “Aníbal vencedor visualizando Italia desde los Alpes” sea subastado en la sala Sotheby’s de New York por una cantidad inicial de 800.000 dólares lo que podría suponer una venta final al menos sobre el millón de euros. Es un cuadro de propiedad privada que se encuentra en New York y que tiene un tamaño pequeño de 41 de ancho por 32 centímetros de alto y que sirvió de boceto para el cuadro definitivo que se encuentra en la actualidad en el Museo del Prado.

Esta obra ya ha estado expuesta en el Museo de Zaragoza en el año 2008 dentro de la Exposición “Goya e Italia” y existe otra obra similar pues fueron dos los bocetos que realizó Goya para la obra final del mismo nombre.

¿Habrá terminado sus estudios Kanwaljeet Kumr?

Hoy nadie duda de que los fotógrafos deben estar en todos los Museos del mundo, deben figurar en exposiciones de Arte Contemporáneo y deben ser tenidos como artistas globales, incluidos los fotógrafos periodistas o reporteros, que además de informar trasmiten (o lo intentan dentro de sus enormes dificultades) mostrarnos su particular punto de vista en estética y con valores artísticos.

Abel Ruíz de León es uno de ellos con con poco mas de 20 años decidió irse a Afganistán con una cámara fotográfica a buscar la experiencia de la vida y de la muerte. A partir de ese momentos sus constantes viajes por zonas en conflicto le han enseñado que debe enseñarnos.

Por que enseñar es mostrar, es abrir los ojos, es incidir en la zona de confort de todos nosotros para que no se nos olvide que hay muchas otras sociedades y que algunas de ellas además de pasarlo muy mal, no tienen quien las quiera mirar. 

Esta imagen nos muestra a una joven de la India que con 21 años está estudiando a la luz de una vela pues no hay más comodidades en su casa. Tras 8 años viviendo con su familia en tiendas de campaña sabe que la vida no es fácil en los campos de concentración, pero ella quiere dejar atrás la pobreza por la falta de estudios y sabe que su esfuerzo es muy necesario para toda la familia. Esta imagen es del año 2008, tomada en la ciudad de Jammu. ¿Habrá terminado sus estudios Kanwaljeet Kumr?

Historia de España de Bartolomé Seguí

Hermoso dibujo ilustrado del mallorquín Bartolomé Seguí para su libro Mi primera historia de España de Editorial Molino realizado en el año 2009 a lápiz y posteriormente coloreado de forma digital. No debo añadir nada que no sea daros acceso a una entrevista suya pinchando aquí, realizada en Just Down. ARTE ilustrado de los de gran calidad.

Fotografía de un agujero negro, que es casi rojo

En abril de 2017 un equipo de unos 200 científicos lograron fotografiar por primera vez un agujero negro, en el centro de la galaxia Messier 87 que se encuentra a unos 55 millones de años luz de nosotros. Una distancia imposible ni de imaginar. 

Como imposible parece explicar la forma en que se ha tomado esta imagen teórica más bien, que parece ser está compuesta de la suma de cuatro millones de gigas hasta combinar los datos de diferentes telescopios que en diferentes días fueron explorando una zona concreta del espacio.

Ahora y tras más de dos años de traducción de los datos, en la primavera de 2019 se logró obtener realmente la imagen que vemos arriba que ahora el MoMA de New York a a colgar en sus salas.

Una imagen imposible de ver, que posiblemente exista, que sin duda tiene un componente artístico con arreglo a los cánones actuales, y que bien merece ser contemplada en un museo.

Escaparatismo en Gerona. Arte Efímero urbano

El escaparatismo, la decoración de interiores o exteriores, el simple buen gusto y el diseño de todo tipo, no siempre está considera arte pero es cuestión de tiempo que se le reconozca un valor que tiene pero no se quiere admitir en su valoración justa. 

Si nos hace más bella la vida, las calles, nuestras casas, el paseo, debe ser ARTE e incluso arte efímero en el caso del escaparatismo. Es teatro y decoración, es performance constante aunque no se quiera poner en valor. Es construcción de ambientes para agradar.

Estas dos cajas sencillas estaban en la ciudad de Gerona facilitando el reparto de folletos a ambos lados de una tienda. Pero de esto ya hace año y medio y ahora casi seguro ya no estará esto en las paredes pues muchas veces ser efímero le otorga más valor al trabajo decorativo. Siempre tenemos el recuerdo y la fotografía para volver a poner ante las sensaciones los trabajos bien realizados.


Boceto de Las Mujeres de Argel, de Pablo Picasso

Pablo Picasso con pluma y tinta china pintó sobre el reverso de una invitación para la venta de libros del Comité Nacional de Escritores realizó este dibujo que era un estudio para la obra "Las mujeres de Argel" en enero del año 1955. La tarjeta invitación era del año 1953.

Un cuchillo del artista noruego Geir Tore Holm

Esta obra es del artista y profesor noruego Geir Tore Holm realizada en el año 1996 y titulada Niibi (cuchillo) donde vemos una muestra de su trabajo como artista sami, donde mezcla los aspectos prácticos de sus obras mezclando productos naturales con los usos diarios de las necesidades de la propia vida. 

El cuchillo como herramienta común se junta con uno asta de reno formando una relación entre ornamental y cultural, entre naturaleza muerta y cultura propia. Naturaleza y Cultura. Herramienta, arma, objeto decorativo. Intenta que los objetos hablen por sí mismos, se relaciones con las personas a través de sus funciones, de sus usos.