¿En el Arte se puede hablar con / desde la suciedad?


La suciedad es una manera de catalogar lo habitual. En Arte se juega muchas veces con la suciedad para reforzar mensajes o para acercarnos a lo que muchas personas no quieren ver. El artista bien dentro del movimiento de Arte Poveda o del Arte Brut (por poner dos tipos de Escuelas artísticas pero hay más que tocan la suciedad) intenta jugar con los materiales habituales, y se muestran reconstruidos o deformados o seleccionados desde esas ópticas que no siempre queremos ver. 

El Arte de la Suciedad, el Arte de los Desechos forma parte de nosotros mismos. Es la utilización de lo que ya existe y tras "cogerlo" y atraparlo, mostrarlo encuadrado, embellecido un poco a través del espacio expositivo. Se trata de lo mostrar lo asqueroso de la vida habitual, de la que pisamos, conocemos, creamos.

No toda la suciedad es realmente suciedad, no toda es desechable. Depende de los modos y los tiempos. Pero en realidad lo que es basura es porque en ese momento de calificarlo basura, es simplemente basura. Aunque no todo es basura en los mismos sitios a la vez.

Yo recuerdo que en mi primera visita a New York observé detalles de suciedad que en mi ciudad, Zaragoza, no se consentirían. Los vecinos armarían tales quejas que sería imposible que existieran. Hablo de suciedades tremendas en barandillas de la calle, del Metro, que llevaban años sin limpiar o que se limpiaban con el paso de las manos de los viandantes. Los habitantes de New York no la ven así, incluso no la ven pues forma parte de lo habitual.

Un sofá destruido y roto, abandonado en la calle es basura sin ninguna duda. Seis sofás idénticos, todos desvencijados, puestos uno detrás de otro en una exposición museística, puede parecernos otra cosa. Son ya objetos que configuran un nuevo espacio, una nueva mirada, incluso una forma de expresión distinta pues es posible que ya se quiera decir algo con ellos.


Rafael Zabaleta y un "Campesino andaluz"



Del artista andaluz Rafael Zabaleta podemos ver una obra titulada "Campesino andaluz" del año 1951, una obra mezcla de expresionismo duro y los inicios de un postcubismo en donde podemos observar algunas influencias de Picasso con el que tuvo relación en París en los años posteriores a la Guerra Civil en España. Rafael Zabaleta estuvo encarcelado y pasó por un campo de concentración de la provincia de Jaén, por haber hecho unos dibujos de la Guerra en Andalucía.




Un Ecce Homo de Caravaggio?


Un cuadro del que se supone que fue pintado por Caravaggio y titulado "Ecce Homo" lleva unas semanas generando dudas, estudios, polémicas por muy diversos motivos, por ser una obra no claramente atribuida a Caravaggio en una fecha en principio de la primera década del siglo XVII. Lo curioso es que esta obra en principio atribuida a la Escuela de Ribera salía en Madrid a la venta en 1.500 euros hasta que un anticuario italiano sospechó que ni el precio correspondía con la realidad ni aquel era una obra de la Escuela de Ribera, sino que cabía la posibilidad de que fuera un Caravaggio.

La noticia llegó al director del Museo del Prado que llamó al Ministerio de Cultura para que declarasen inmediatamente el cuadro inexportable, con lo cual se paralizaba la venta al mercado internacional y devaluaba el cuadro a un tercio de su valor real.

Hoy este cuadro está retirado de la venta por su dueño, se está estudiando su autoría y la mala conservación con excesiva suciedad y malos barnices hace que la obra no está a la vista como estará cuando finalmente se restaure si definitivamente es un Caravaggio. Pero de momento y con métodos informáticos, he logrado reconstruir lo que podría ser digitalmente una obra única y que no debería salir de España. Iremos viendo en qué se van convirtiendo sus historias.

La sonrisa de las alas llameantes. Joan Miró


Del año 1953 es esta obra de Joan Miró titulada "La sonrisa de las alas llameantes" de sus series realizadas en tela de arpillera, hoy propiedad del Museo de Arte Reina Sofía en Madrid




El zaragozano Ramón Bayeu y Subías y su obra "La Cocina"


El artista Ramón Bayeu y Subías es el menos conocidos de los tres hermanos Bayeu, junto a Francisco Bayeu y Manuel Bayeu. Tal vez por dedicarse más a la pintura de cartones para tapices y grabados que a la pintura, lo que en años posteriores fue menos valorado, o por ser el menos de los tres hermanos y crecer artísticamente a su sombra.

En Zaragoza, en el año 1780 aceptó el encargo de pintar las tres bóvedas de la catedral del Pilar, para las que interpretará los temas Regina Virginum, Regina Patriarcharum y Regina ­Confesorum. Cuatro años antes le habían denegado ser Pintor del Rey. Ramón Bayeu es considerado el mejor cartonista de su tiempo, después de su propio cuñado Francisco de Goya.

En la imagen podemos ver una obra al óleo titulada "La cocina" del año 1780, cuadro que sirvió como modelo o «cartón» para el tapiz que se encuentra en Patrimonio Nacional, Palacio de la Granja de San Ildefonso.

Joan Miró y sus poemas en Madrid, verano 2021


Madrid nos presenta  de la mano de Fundación Mapfre y Fundación Joan Miró una exposición que han titulado "Miró Poema" cuya muestra se cierra con "Poème III", una fantástica y deliciosa obra que supone un broche de oro a una exposición que demuestra argumental y plásticamente que Miró PINTÓ POESÍA a lo largo de su trayectoria artística, haciendo convivir la literatura y la pintura.

Este verano 2021 tenemos la oportunidad de contemplar lo cercanas que están ambas disciplinas artísticas, la poesía y literatura de la pintura, y tal vez de esta forma entender un poco más la obra de Joan Miró llena de trazos que son letras nuevas creadas por el artista para hablarnos de sus ideas y pensamientos con formas y colores.

Eduardo y Chilllida y un consejo para artistas

 

"El artista tiene que enfrentarse a lo desconocido con un talante positivo y meterle el diente sin miedo" Eduardo Chillida





George Grosz y su "El Agitador" del año 1928


Del artista alemán George Grosz (Georg Ehrenfried Groß) os dejo una obra titulada: Der Agitator o El Agitador realizada en el año 1928. en óleo sobre tela de un poco más de un metro de altura y que pertenece al Stedelijk Museum Amsterdam que es el museo más importante de arte moderno y contemporáneo y de diseño de los Países Bajos.

Espacio para comunicar a nivel de reflexión libre


¿Y si utilizamos esta espacio como base para una función comunicativa a nivel de…?.:

Reflexión

Encuentro

Relación

Actividad

Libertad de Expresión

Discusión

¿…tratando que desaparezcan las connotaciones artísticas aportadas por el mismo lugar y por la motivaciones perceptivas que suele aportar cada artista en sus obras?

¿Y si no hacemos ni puto caso al cartel y seguimos caminando como nos venga en gana y riéndonos de medio mundo, aceptando que del otro medio mundo no nos podemos reír pues son mas fuertes que nosotros y nos pueden dar cuatro hostias?

El artista Manuel Rivera y una "Estructura espacial"


Del granadino Manuel Rivera os dejo una "Estructura espacial" del año 1958, creada con tela metálica modificada y sujeta con alambre a un bastidor de madera, conformando un juego de luces, sombras y estructuras que según la iluminación y la posición del espectador se ve de una manera o de otra.

Un cuadro visto en el Rastro de Madrid


Muchas veces el Arte tiene un papel puramente decorativo, inspirados, tranquilizador incluso. El Arte se abre a muchas contemplaciones y puede entrarte por la vista y entablar con la obra una relación duradera. Y podría ser el ejemplo de este cuadro que ya colgará en alguna sala de alguna vivienda de Madrid o de algún turista que estuvo por Madrid hace siete años. 

No es posible tener un Goya colgado en tu salón, e igual que un libro se compra y se lee y tras ese ejercicio de entrega hacia sus páginas se deja en una librería, con un cuadro puede suceder lo mismo. Nos gusta hasta que ya no nos gusta. Y se crea para eso, para entretener, divertir, decorar, motivas, gustar.

Este cuadro de tamaño mediano lo encontré en el Rastro de Madrid y me gustó. No lo compré por varios motivos, incluido el precio. Pero es una obra que se merece una buena mirada, una atención aunque se haya hecho de forma rápida. Eso no tiene nada que ver. Así que en su honor, le damos un poco de vida, sin saber en qué lugar está ahora colgado o conservado.

Pierce Brosnan empezó a pintar cuadros como terapia


El conocido actor Pierce Brosnan además de trabajar en el arte cinematográfico con gran dedicación se ha dedicado en los últimos años a pintar cuadros, a utilizar la pintura como terapia, tras la muerte de su primera esposa. Lleva desde 1987 pintando obras siempre muy coloristas y vivas, desde la pérdida de su esposa, como una terapia creativa para superar el duelo y la tristeza. Cuando a su esposa le diagnosticaron cáncer el mundo se les hundió y tuvieron que hacer frente a una nueva forma de ver la vida que se les ofrecía por delante, hasta que en 1991 falleció la esposa, Cassandra Harris.

Pierce Brosnan llegó a decir en un momento de su vida que el dolor personal se manifiesta a veces a base de color, de construir color. Pierce Brosnan encontró en su actividad artística una forma de ayudar a transitar el dolor personal, a superarlo y a convivir con el Arte visual y lo que comenzó casi como un pasatiempo terapéutico fue adquiriendo cada vez más importancia, hasta armar su propia exposición en las próximas semanas para poder disfrutar más personas de su experiencia como creador de Arte pictórico.

Angela Hao y sus ilustraciones digitales japonesas


La artista americana Angela Hao ha creado unas ilustraciones coloristas y muy amables de pequeñas tiendas y escaparates japoneses, dibujados digitalmente. Lo curioso es que no se ha desplazado a Japón sino que ha utilizado Google Street View para observar estas tiendas, para luego con su iPad va creando los dibujos digitalmente

Observa las fachadas o las puertas de entrada a las tiendas de Japón y luego ella las recrea añadiendo elementos que según el tipo de comercio le parecen resultar más reales. La realidad la utiliza como boceto para crear otras realidades arquitectónicas y de diseño que son paralelas a lo real.

Nada es real en estas ilustraciones de Angela Hao, pero todo parte de la realidad que ella transforma para hacerla más hermosa, más a su gusto personal.



La escultora polaca Alina Szapocznikow y su "Pedro"


La escultora polaca Alina Szapocznikow es un ejemplo del surrealismo fuera de la pintura, tocando en este caso la escultura que no siempre es puramente surrealista o no solo es surrealista, acercándose al Nuevo Realismo. Esta obra del año 1972 la tituló "Piotr - Pedro" fue uno de sus últimos trabajo pues falleció en marzo de 1972. Es una obra en donde con resinas intenta hablarnos de la importancia o no del cuerpo humano, una vez que ya sabemos que se va a escapar hacia la muerte, que va a desaparecer.

A los 16 años de edad fue deportada a Auschwitz en compañía de su madre, de donde logran salir con vida. Con 42 años le diagnosticaron cáncer y lo que no lograron los nazis lo consiguió la enfermedad.

Alina Szapocznikow era también una escultora reconocida por haber trabajado con diversos materiales, desde el poliéster y el poliuretano, hasta el bronce y la piedra, sobre todo para mostrarnos con sus obras la debilidad de la carne humana y sus gestos de normalidad a veces dura.

Todo en el Arte está vacío hasta que llega el Artista. Alicia Herrera y su obra "Guía de Viajes"


Esta obra es de la artista Alicia Herrera hecha con rotulador en el año 2012 y que ha titulado "Guía de Viajes". ¿Qué vemos aquí? Alicia Herrera forma parte de de las artistas pertenecientes a DEBAJO DEL SOMBRERO. Una plataforma de creación, investigación, producción, y difusión de arte para personas con discapacidad intelectual

Sus dibujos ofrecen una imagen multiplicada fruto de un juego de espejos mental. Un trabajo gestual y lleno de movimiento donde el espacio y el tiempo desaparecen. Multiplica ideas, y en ese trabajo de hacer crecer sobre sí mismas sus propias ideas y proyectos sobre el papel va formando construcciones que son otra forma más dentro de cada obra.

Pero no me quería referir a eso. No. Quería que se viera que crear Arte, pintar o dibujar NO ES DIFÍCIL, lo complicado, lo tremendamente complejo es tener las ideas, saber qué quieres plasmar en una hoja o lienzo o barro que esta ese momento está vacío.

Todo en el Arte está vacío hasta que llega el Artista. 

Sea un teatro, la página de una novela, una danza clásica o moderna, una composición musical. Antes de realizar la obra lo que hay es "un vacío". 

Lo complicado no es llenar ese vacío, sino saber con qué lo queremos llenar, para que podamos decir lo que queremos decir. Para que tenga un principio y un final, para que todas sus partes se sujeten entre sí. 

¿Qué pinta Picasso en el Museo del Prado, en pleno siglo XXI? ¿Es una buena decisión?


La duda abierta con la incorporación de una obra de Picasso al Museo del Prado tiene su punto y sin duda va a producir una cambio notable en el medio plazo, tanto en el Museo del Prado como en el Museo Reina Sofía. Es inevitable.

El Museo del Prado ha aceptado —a través de la fundación American Friends of the Prado Museum— el depósito durante cinco años y después se convertirá en una Donación previsiblemente permanente, de esta obra de Pablo Picasso titulada "Buste de Femme 43", obra pintada en el año 1943 y perteneciente a la familia Arango Montull, que ahora colgará en la sala de retratos del Greco.

No es la primera vez que obras de Picasso cuelgan en el Prado, pues en algunas exposiciones temporales ya lo había hecho, pero nunca en lo que denominaríamos Colección Permanente. Hay que recordar que Pablo Picasso fue director del Museo del Prado en los tiempos de la II República Española, no es pues un artista ajeno a este maravilloso Museo.

Pero un real decreto del año 1995 establecía que el nacimiento de Pablo Picasso en el año 1881 delimitaba el final del arte clásico y el inicio del arte contemporáneo al menos en España, actuando así como frontera entre las colecciones del Museo Reina Sofía y las del Museo del Prado.

¿Y a partir de ahora? ¿Veremos en el Reina Sofía ejercicios de comparación entre obras clásicas y trabajo contemporáneo? ¿Aumentará el tipo de obras que se pueden ver en el Museo del Prado, sin atender a una fecha muy cerrada? ¿Encajaría bien algunas obras de Francisco de Goya en el Reina Sofía? Yo creo que las Pinturas Negras por poner un ejemplo son un modelo maravilloso de obra para el Reina Sofía. Todo lo iremos viendo poco a poco.

El Arte tiene derecho a ser malo!, faltaría más


"El Arte tiene derecho a ser malo!"

Parece una frase innecesaria, absurda, pero es que siempre hay que justificarse con el Arte. Es como si se exigiera al Arte más contundencia que a la Sanidad que no es capaz de dominar un bicho tras 18 meses peleando miles de científicos. Somos incapaces, somos medio tontos, nos equivocamos y la pifiamos. Seamos médicos, fotomecánicos o artistas.

Todos tenemos derecho a no ser todo lo bueno que se espera de nosotros, y el Arte, generalmente, sirve para muy poco. Quitemos importancia al Arte y así recobrará su función maravillosa. La de expresar sensaciones y sentimientos. 

¿Qué es realmente pintar, crear una obra de arte?


Pintar es como escribir. Y tal vez si entendemos esto, entenderemos mejor la pintura de todo tipo.

Pintar es escribir con los dedos, con pinceles, con color. Y es también crear un lenguaje propio con el que te pones a escribir historias.

Hablamos con lo que pintamos, sobre una superficie limpia, vacía. Y escribimos con formas y colores lo que nos está sucediendo, utilizando unas palabras que no siempre son fáciles de reconocer.

Podemos escribir con pintura de forma frenética, loca, absurda, vaciando nuestras sensaciones.

O podemos escribir con pincel fino los detalles de un rostro o de un paisaje, para explicar con formas y líneas lo mismo que haríamos en un relato.

En todos los casos son huellas personales del autor. Son historias que salen de dentro como una novela o un cuento. Y no hay que entenderlo siempre.

La obra de arriba representa una sección de una obra del artista chino Zeng Fanzhi


Un grabado que me llamó la atención en Madrid


Me pareció un grabado muy formativo por su sencillez, por su capacidad con pocos elementos y formas de resultar muy atractivo, muy personal. Era un grabado de escaparate en Madrid, dispuesto para ser vendido a quien apareciera por allí y se encaprichara de este bello ejemplo sencillo de lo fácil que es crear un impreso de calidad con una buena idea y un grafismo excelente, muy bien elegidos los colores. No ha podido saber el autor, pero no pude entrar tampoco a saber el precio pues era la hora de la siesta, la hora apagada en muchas ciudades.

Una pequeña obra de Francisco de Goya, un dibujo a lápiz


Francisco de Goya
no deja de sorprendernos este año de su celebración y ahora se nos informa de un retrato nuevo de Goya, hecho a lápiz, que refleja un bello retrato de su consuegra, Juana Galarza de Goicoechea que pertenecía a un coleccionista de Arte. La Universidad de Lérida ha informado de esta pequeña obras hecha sobre papel y a lápiz de unos 70 mm de ancho donde vemos a su consuegra de perfil, posiblemente dibujada entre los años 1805 y 1808.

El papel de de la década antes citada y no es habitual que una mujer de aquella época fuera dibujada tan finamente por alguien, excepto que tuviera en su familia a un artista como es el caso de Goya. Esta miniatura lleva escrito en un lateral el nombre de Goya, pero no como firma sino como señal de que en algún momento alguien cercano al coleccionista lo apuntó como obra de Goya hace de ello muchas décadas.

El Coloso de Francisco de Goya, vuelve a ser atribuido al de Fuendetodos


La obra del año 1812 "El Coloso" de Francisco de Goya, vuelve a ser atribuido al de Fuendetodos desde el Museo del Prado, desde que hace 13 años se descatalogara como obra de Goya para pasar según los expertos a ser una obra de algún alumno suyo, incluso se daba el nombre de Asensio Juliá como el autor de esta obra. Ahora con la remodelación del catálogo de obras expuestas en el Museo del Prado, casi de tapadillo, se asegura en la cartela de la obra que es (otra vez) una obra atribuida a Francisco de Goya.

El coloso, El gigante, El pánico o La tormenta, que así se ha ido conociendo según los tiempos muestra a un gigante que emerge detrás de unas montañas de forma amenazante, casi en una pintura "negra" desde donde y rodeado de nubes parece amenazar a una multitud de personas y animales que huyen despavoridas. 

Hay teorías que nos dicen que en realidad el Gigante es el pueblo español, que se alza desde los Pirineos como un coloso que hace huir a los franceses que en ese momento ocupaban España. Otras hablan de alegorías contra le guerra asemejando al Coloso como al Rey soberbio e inmóvil, incapaz de resolver los problemas de España que hace huir a sus compatriotas, etc.

No está Francisco de Goya para explicar la auténtica verdad y aunque sabemos que en pocas semanas volverá a salir otro estudio sobre esta obra para delimitar fechas y modos de trabajo en busca del autor no concluyente, de momento es buena noticia que se vuelva a colocar como "atribuido" en esta obra de Goya,  que si no fuese pintado en su momento por el genial Goya, sin duda bebió claramente del modo de trabajar de Goya, y eso supone en aquellos tiempos que estuve my cerca de la mirada de Goya, como poco.


El 'Guernica Gernikara' de Agustín Ibarrola se expondrá definitivamente al público


Una de las obras más reconocidas e importantes de este ARCO 2021 es el 'Guernica Gernikara', de Agustín Ibarrola, un mural de 10 metros de ancho y dos de altura que salía a la venta tras muchos años en paradero desconocido. Al final y a un precio claramente pactado, lo ha comprado el Museo de Bellas Artes de Bilbao en un ejercicio de responsabilidad clara de todas las partes, pues es una obra que complemente muy bien el conjunto de obras del Museo de Bilbao, en pleno crecimiento y reordenación.

El 'Guernica Gernikara' de Ibarrola es un homenaje a la obra original de Picasso pero también una reinterpretación del dolor, de la violencia, del sentimiento vasco de sangre, lágrimas y Arte social. Obra de 1977 intentaba en su creación que el Guernica de Picasso volviera desde el MoMA a España y se estableciera en el País Vasco. Se logró lo primero y no se logró lo segundo, por lo que esta obra de Ibarrola va a suponer sin duda, un intento de valorar lo mismo pero desde otra perspectiva.

Era propiedad de la familia del artista, y no me cabe duda de que su deseo era de que la pieza no saliera del País Vasco y se pudiera exponer a la vista de todo el que deseara poderla ver y repensar.

Logroño y su Arte Urbano efímero. Asione


El Arte Urbano tiene a veces pequeñas sorpresas agradables, obras de Arte que bien merecen mucho mejor destino que ser efímeras con el paso del tiempo y la intemperie. Pero nacen para morir. Esta obra entre puertas es de Logroño, de la artista Asione y es del año 2016. Se titula (o titulaba) "El Viaje de Helbert" y es una delicia contemplarlo. Incluso admitiendo que no siempre las delicias tienen que ser agradables de admitir.

Dagoberto Rodríguez y su "Yo perreo sola" en ARCO 2021


Esta obra titulada "Yo perreo sola" de Dagoberto Rodríguez es una de las obras de ARCO 2021 más emblemáticas, y por ello tal vez haya que explicar algo. Se basa en la canción del reguetonero Bad Bunny que en su disco YHLQMDLG es una de las más escuchadas. Es un grito a la libertad, a la lucha feminista y un apoyo a la música de nuevos artistas cubanos y a la música caribeña. 

El perreo es un baile muy sensual, imitando los gestos sexuales, y el grito es la reivindicación de perrear ella sola, sin necesidad de nadie que le acompañe, libre de ataduras.

Es una obra en mármol y con las letras diradas hechas con arena a presión y como dice el autor Dagoberto Rodríguez "He querido inmortalizarlo en mármol porque es un título y una expresión que dice que no necesitas a nadie para ser feliz. Es una expresión de autosuficiencia desde la feminidad, es un reclamo importante". La obra se vende por 30.000 euros. 

Concha Pérez y su: "Que nos roban la memoria"


La artista fotógrafa Concha Pérez expuso en el MUSAC de León en el año 2014 una extensa exposición con el título "Interferencias en los Medios" de la que dejo una muestra. Su trabajo en esa exposición era amplísimo pues reflejaba desde muy diversas ópticas y técnicas la mirada de la manipulación de la realidad hasta cocinarla, masticarla y servida ya masticada y medio engullida para alimentar a los espectadores del mundo.

En la puerta el cartel es contundente: "Que nos roban la memoria" pues muchas veces en la manipulación de imágenes se intenta reflejar una realidad distinta, maquillada, y que a veces es la que queda para la mayoría.

Y admitiendo además, que tan malo es rayar las imágenes de la realidad como omitir aquellas que no interesa mostrar, que no quedan reflejadas y se pierden.

Si no hay compradores de Arte… se muere el Arte?

 

El Roto en El País, cada día, nos escribe un buen editorial siempre contundente. Hoy además de ser él mismo un artista nos habla del Arte en segunda persona. ¿No se estará apoderando del mundo del Arte esa capacidad tan fácil para el que tiene dinero de sobra de ser mercantilizado, de convertirse en refugio de "cosas" como si de un Banco anómalo fuera?

Eso puede suponer —como apunta El Roto— a que si faltan los inversores que compran para tener guardados sus activos, se hundiría todo el Arte que simplemente vive de eso.Y que es mucho. La duda sería saber si eso sería bueno o malo para el Arte.

No es que los artistas tengan que ser pobres y no vender hasta que se mueran, sino preguntarnos, tal vez, si no nos estarán robando el Arte para convertirlo en billetes con forma de pinceladas.

San Miguel Arcángel de Otal (Huesca)


Las figuras de San Miguel Arcángel son de mis preferidas por su forma icónica de mostrarnos el Juicio Final, el monstruo del demonio atravesado por lanzas y vencido a los pies del Bien, la Justicia divina que muestra a seres pequeños comparados con el Demonio y con San Miguel, en una escena de teatro clásico maravilloso. Daría igual el siglo y la localidad, hay pocos cambios en este teatro.

Este San Miguel Arcángel es de la iglesia parroquial de Otal (pueblo abandona de Huesca, cerca de Broto), hecho sobre tabla al óleo, y está datado entre 1510 y 1520.

Marie Čermínová (Toyen) y el surrealismo checo


Marie Čermínová (Toyen) fue una pintora surrealista nacida en Praga y una persona muy influyente en los ambientes artísticos europeos de la zona central del siglo XX. Desde un cubismo claro paso a un surrealismo contundente para intentar explicar todo lo que no le gustaba de una sociedad muy machista, patriarcal y en donde la figura de la mujer no existía dentro de muchos ambientes de la cultura y el arte.

Muy celosa de su intimidad quiso demostrarse y mostrarse que se puede vivir sin tener que explicar qué eres, y que sus trabajos fueran los que hablaran por ella. La compleja vida de los años 30 y 40 en Europa marcó su trayectoria artística y su forma de explicar lo que sentía.

Tuvo que huir a París al quedar Checoslovaquia bajo el régimen comunista y allí siguió explorando el surrealismo con tintes políticos y de denuncia social, trabajando más si caba la temática sexual.


Karel Appel y su mural censurado sobre "Niños haciendo preguntas"



El pinto holandés (Países Bajos) Karel Appel y fundador del famoso Grupo CoBrA (Copenhague/Bruselas/Amsterdam) con otros dos artistas europeos procedentes de esas ciudades, expresionista abstracto, supo crear a golpes de pinceladas de mucho color y certeras una forma de expresarse que todavía hoy, más de medio siglo después, sigue creando mezcla de admiración y rechazo. Karel Appel supo crear una pintura espontánea, rápida, casi violenta pero muy colorista y fácil de hacer, pero que solo él realizaba con esa contundencia.

Primitivista abstracto trabaja el Art Brut posiblemente sin admitirlo, empleando modos de crear que resultan tan potentes al espectador que lo molestan a veces. ¿Tanto color? ¿Formas tan duras, tan cercanas, tan impresionadoras con sus expresiones?

Años antes de formar CoBrA y tras la II Guerra Mundial junto a otros artistas forma el grupo Nederlandse Experimentele (Holandeses experimentales) con los que quieren trabajar el Arte Experimental en varias facetas artísticas, en donde la espontaneidad fuera el vehículo de expresión, acercándose a ese Art Brut de niños y personas sin formación artística, de locos o enfermos.

En el año 1949 realizó el mural "Questing Children" o "Niños haciendo preguntas" en la cafetería del Ayuntamiento de Amsterdam que produjo fuerte rechazo por su temática y sus formas duras de niños débiles, censurándolo durante 10 años de la vista de los visitantes. Sin duda era el Karel Appel más provocador e impulsivo, capaz de mostrarnos lo duro que puede ser mirar lo que no queremos ver.

Vragende Kinderen (Questioning Childeren) es un relieve pintado hecho de trozos de madera. Karel Appel clavó bloques de madera en una superficie de tablones y luego pintó caras en ellos con puntos y líneas. Esta obra forma parte de una serie que Karel Appel creó después de un viaje en tren por Alemania, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial, cuando vio a niños en las estaciones pidiendo dinero y comida.

En 1948-1949, representó su destino en una serie de obras con el título Vragende Kinderen. Este trabajo se centra tanto en el impulso de los niños de sobrevivir como en el impulso del artista de crear. En su búsqueda por encontrar una forma elemental de expresión, Karel Appel utilizó colores intensos, formas simples e infantiles y materiales robustos que evocan asociaciones intuitivas dentro del espectador.

El poder de estas asociaciones se hizo evidente cuando Karel Appel creó un mural de Vragende Kinderen para el restaurante de lo que entonces era el ayuntamiento de Ámsterdam. Los funcionarios públicos se rebelaron y los grandes y suplicantes ojos de los niños se taparon detrás de un muro y no se volvieron a mostrar al público hasta el año 1959. 
Dejo arriba dos ejemplos del trabajo de esta temática de Karel Appel


En el teatro hay decena de forma diferente de ver la obra según la colocación de los elementos


Esta pequeña obra es un diseño de unos danzantes o de una escena de danza creado por Carlos Blanco para explicar la importancia de la iluminación frontal o lateral en la modelación de los personajes, de los objetos. Según el tipo de iluminación, de su mezcla y suma y desde la posición en que se encuentre el espectador, se verá una cosa u otra. En los detalles está el Arte.

El teatro es crear historias de forma completa ante un público expectante, y todo de forma natural y en directo. TODO se crea allí, sobre el escenario. La distribución de los elementos, la luz, los contrastes, del sonido, la voz, los movimientos.

Pero además en el teatro cada espectador lo está viendo todo desde un punto de vista diferente. No ve lo mismo un primera fila lateral que una persona que está en grada o en el gallinero, o una tercera fila centrada que un anfiteatro. Pero para todos ellos hay que construir el ambiente, las luces y la sombras, los espacios vacíos y los amontonados si los hubiera.

Daniel Zuloaga sigue vivo 100 años después de morir


El artista Daniel Zuloaga, pintor y ceramista de Segovia nos deja una reflexión sobre el Arte. Palabras de sensaciones. Habla de la vida y la muerte, de crear y del apego a la vida, de vivir eternamente incluso tras morir, admitiendo que en algún momento sus facultades creativas se acabarán. Murió en 1921, así que puede estar contento de su trayectoria, pues 100 años después en Zaragoza siguen recordándolo con una exposición muy completa en el Museo Pablo Gargallo.

Participó en la Exposición Hispano Francesa de Zaragoza del año 1908 donde impartió una conferencia sobre Goya muy reconocida en aquel momento, por el que lo nombraron Académico de la Academia de Bellas Artes de Zaragoza.

Boceto de un dibujo de Pablo Gargallo para El Juicio Final


Este dibujo es un boceto para un estudio de los personajes arrodillados de "El Juicio Final" de Pablo Gargallo realizado en el año 1903. Está hecho con tinta de color sepia sobre papel impreso reutilizado. Eran tiempos en los que reutilizar telas o papeles era lo habitual, pues el valor de las obras solo era cuando estaban terminadas y ni eso sucedía siempre.

Miranda D'amigo y un cubo de bronce con el que hace poesía


De la artista italiana Miranda D'amigo dejo esta escultura no muy grande titulada "Intervención sobre el cubo" del año 1979 busca la autora con un trazo delicado mostrarnos casi poéticamente e íntimo las formas de expresión que puede alcanzar el bronce modelado como si fueran cuerdas que han ido evolucionando y parecen cobrar vida propia. Todo es silencio, calma, suavidad, casi como queriendo que se termine de expresar lo que ya ha comenzado a suceder. Claramente es poesía escultórica, es hablar con formas.




Huida a Egipto, del siglo XVII de A. W. en el Museo de Segovia


Este cuadro del siglo XVII de óleo sobre cobre viene firmado por A.W. y hay dudas sobre su autoría, entre Abraham Willemsen o Adriaen Willemhoudt. Es una clásica obra titulada Huída a Egipto en donde vemos a la familia de Jesucristo tener que huir hacia Egipto como nos relata la Biblia, acompañado de un ángel pero con la custodia de varios más que sobrevuelan sobre sus cabezas, con el burro y la vaca del pesebre. Incluso puestos a pensar se podría intuir que también les acompaña el Espíritu Santo, sobrevolando los campos.

Tiene la obra 78 centímetros de ancha, es una obra de tamaño mediano, y se encuentra en el Museo de Segovia.