26.10.22

Berto Fojo recordando el cine de terror slasher


Los carteles saben anunciar, y cuando son carteles de cine, para el cine, más todavía. Son una fotografía dibujada para llamar la atención. Este cartel simulando el Cine Slasher está realizado por Berto Fojo anunciando el cine de terror, de "miedo" que sobre todo a finales del siglo XX tanto éxito juvenil tuvo. 

El artista gráfico, diseñador y dibujante Berto Fojo deja aquí sus detalles maravillosos tópicos de ese cine de aquellos años, de un terror fácil, suficiente para escapar de unas décadas flojas y a la vez miedosas en lo político y social.

25.10.22

Cuestión de ventanas de hollín sobre blanco


No sé en donde se esconden las ventanas que guardo en mi recuerdo. Deben ser ventanas de hollín para esconder y no reflejar, para que solo sean capaces de contener silencios. Nadie se volverá a asomar desde esta ventana, y si lo hacen alguna vez, yo ya no estaré enfrente.

Mosaico romano del Siglo III, de la ciudad de Roma


Un mosaico romano del siglo III con una escena de paseo en una cuadriga, encontrado en la ciudad de Roma y que pertenece al Museo Arqueológico de Madrid. Está hecho con diferentes piedras calizas de colores y trozos de mármol.

Ventanas sobre ventanas o al revés


Las ventanas se superponen cuando ellas quieren. 

En el cielo hay muchos huecos para todos, ventanas sobre ventanas y espacios para entrar y salir. 

Hay ventanas enfrente y arriba, hay ventanas negras y de color. 

Cosas que nos suceden a poco que queramos mirar.



En el Arte hay que esquematizar y mostrar poco


Una de las funciones del Arte es esquematizar, decir mucho con poco, mostrar e insinuar, sin dar todas las explicaciones necesarias. El espectador, del contemplador de una obra de Arte debe imaginar, inventar incluso lo que ve, lo que lee, lo que escucha. 

El espectador es protagonista y no puede recibir todo ya masticado, debe participar en el desarrollo de la obra, debe adivinar o incluso inventar y crear su propia obra a través de lo que le muestran otros artistas. 

Se tiene que acabar el papel del espectador pasivo, debemos trabajar cada vez más hacia espectadores activos que interactúen, imaginen, formen parte de la obra, o incluso por qué no, intervengan en ella, complementando lo que se muestra.

Este dibujo se titula "Mendigo" realizado por la artista alemana Andrea Büttner en el año 2016, en una xilografía impresa luego sobre papel. Nos tenemos que imaginar qué vemos, y si mezclamos lo simple que se observa con el título y la posición de las manos, ya no nos queda duda. Es una persona pidiendo ayuda.


23.10.22

Claude Monet y sus Meules o montones de paja y grano


El número de tontos no para de crecer y se equivocan utilizando el Arte como una herramienta contra el Sistema que sin duda, está dejando mucho que desear en este inicio del siglo XXI. Atacar obras históricas de Arte es un error, pero también es cierto que logran de esta manera que sus reivindicaciones se escuchan. Son gritos que esperamos todos se calmen. Ahora le ha tocado a Claude Monet en el Museo alemán de Barberini en la ciudad de Potsdam.

Claude Monet hizo hasta 25 obras sobre los campos de grano y paja cercanos a su casa de Giverny, en la Normandía francesa. Esta obra se titula "
Grainstacks"Pilas de Grano, del año 1890 de un poco menos de un metro de anchura, realizada al óleo sobre lienzo con sus característicos brochazos (casi) puntillistas, o puntillistas pero con arreglo a su manera de trabajar esos brochazos.

Las pinturas de esta serie de Claude Monet llevan el título francés genérico de "Meules", una palabra que se puede traducir como "pilas o montones" y no como muelas o como pajar, pues los objetos de las pinturas de Monet son en realidad monturas de grano

En la agricultura de la Normandía del siglo XIX, las pilas cónicas de grano sin rebanjar estaban cubiertas con paja o heno para proteger la valiosa cosecha de la humedad y la podredumbre.

Monet, que tenía una buena sensibilidad por la estructura del paisaje, debe haber estado fascinado por estos objetos que eran como esculturas de tamaño considerable que aparecían cada año en los campos que rodeaban su casa, cubriendo los prados en una especie de instalación temporal.

El motivo también tenía un carácter simbólico para la comunidad predominantemente agrícola de Giverny, y al mismo tiempo permitió a Monet, por medio de su enfoque en serie, explorar la transformación cíclica de la naturaleza en el cambio de las estaciones, y con ella el paso del tiempo.

Lo peor no es el calor, sino sus consecuencias


Lo malo de respirar, es que no te puedes olvidar de hacerlo… constantemente. 

Aunque haya mucho calor a tu alrededor.





21.10.22

Escaleras para bajar…, subiendo


Todas las escaleras sirven para subir, pero no todas suben hacia arriba. 

¿Qué es bajar? 

A veces no es lo contrario de subir, podría ser algo atrevido. 

¿Y si nos atreviéramos a subir hacia abajo? 

¿Quién nos asegura que eso sea bajar o descender?

Susan Te Kahurangi King y sus obras dibujadas


Vemos arriba un dibujo de la artista de Nueva Zelanda: Susan Te Kahurangi King, una persona que dejó de hablar con 4 años de edad por problemas de autismo y que se expresa con sus obras de Arte.

Dibujo en grafito sobre papel más pequeño que un A3 en donde nos muestra un espacio visual de su mundo silencioso, de su adolescencia pues fue creado a finales de los años 70 del siglo XX. Ella nació en 1951. Sus trabajos los realiza con bolígrafos y lápices de colores o negros.

Su trabajo artístico fue abandonado durante dos décadas y retomado en el año 2008 con mucho más color pero manteniendo sus trazos y modos de componer. Ha expuesto en numerosos países y tiene obra en algunos de los museos más importantes de EEUU. Hay un programa de becas artísticas llamado Susan Te Kahurangi King.

Corrida de toros en Eibar. De Ignacio Zuloaga y una bandera


Del año 1899 es esta obra de Ignacio Zuloaga titulada "Corrida de toros en Eibar" y que se encuentra en el Museo Carmen Thyssen de Málaga. Una estampa de un Zuloaga casi juvenil que pocos años antes había intentado ser torero y que incluso había actuado en Sevilla.

Esta obra es casi un sin sentido pues la comenzó en Eibar y la terminó en Segovia, y entre esos impasses temporales se casó y se cambió de domicilio. El caso es que para acabar la obra llenó de personajes castellanos y mujeres con los trajes madrileños lo que en principio era una estampa taurina vasca. 

Es una fotografía de un momento, con un cierto encanto y profesionalidad en la composición, pero si nos fijamos bien, con cierta dejadez también, pues los personajes de primer plano están más atentos a cualquier cosa que a observar la escena de la corrida de toros llena de sangre.

Curiosamente podemos observar a la izquierda una bandera tricolor (no es que se haya descolorido) que podría parecer una bandera republicana en unos años en donde había monarquía. Posiblemente sea otro detalle que demuestre que al final Zuloaga quiso que la escena fuera segoviana o castellana más que vasca como indica el título. 

En aquellos años algunos ayuntamientos utilizaban la bandera tricolor como señal propia, no por ser republicanos sino por querer demostrar que eran castellanos, pues decían que la franja roja de abajo junto a la amarilla de en medio venía de la Corona de Aragón y que el color castellano era el morado y debía estar representado en las banderas locales.


20.10.22

Arte y Publicidad. La mariposa de obsidiana


El Arte en los carteles son los intentos casi escondidos de creación efímera moderna, del siglo XX y XXI, que muchas veces pasan desapercibidos, excepto en los días en los que cumplen su función para lo que fueron creados. Pero la Cartelería es un componente más del Arte funcional de una sociedad que consume lo que se crea, y en Carteles y Diseño Gráfico, hay auténticas obras de Arte de gran calidad que se van perdiendo poco a poco.

Este cartel efectista, capaz de llamar la atención desde lejos y a su vez con un contenido fotográfico tratado de forma artística, es de una obra de teatro. La Mariposa de Obsidiana.

¿En rojo y no en negro, para hacer honor a su título? Pues sí, pero es que el rojo se ve mucho mejor, a más distancia y llama mucho más la atención de los transeúntes, y el gran cartel se ha creado para eso. Publicidad y Arte se dan la mano muchas veces.

Las Viejas, de Francisco de Goya


Escribió Benito Pérez Galdós en su novela de los Episodios Nacionales:Trafalgar: Doña Flora de Cisniega era una vieja que se empeñaba en permanecer joven: tenía más de cincuenta años; pero ponía en práctica todos los artificios imaginables para engañar al mundo, aparentando la mitad de aquella cifra aterradora. Decir cuánto inventaba la ciencia y el arte en armónico consorcio para conseguir tal objeto, no es empresa que corresponde a mis escasas fuerzas. Enumerar los rizos, moñas, lazos, trapos, adobos, bermellones, aguas y demás extraños cuerpos que concurrían a la grande obra de su monumental restauración, fatigaría la más diestra fantasía: quédese esto, pues, para las plumas de los novelistas, si es que la historia, buscadora de las grandes cosas, no se apropia tan hermoso asunto. Respecto a su físico, lo más presente que tengo es el conjunto de su rostro, en que parecían haber puesto su rosicler todos los pinceles de las academias presentes y pretéritas. También recuerdo que al hablar hacía con los labios un mohín, un repliegue, un mimo, cuyo objeto era o achicar con gracia la descomunal boca, o tapar el estrago de la dentadura, de cuyas filas desertaban todos los años un par de dientes; pero aquella supina estratagema de la presunción era tan poco afortunada, que antes la afeaba que la embellecía.

Posiblemente Francisco de Goya se inspiró en este personaje para crear esta obra titulada "Las Viejas" o "¿Qué tal?" que pintó entre 1810 y 1812. Es posible que esta obra formara parte de un grupo concebido por el propio Goya como un tríptico de tres obras sueltas tituladas: Maja y celestina en el balcón, y Majas en el balcón. 

Esta serie pertenecía a Goya, y todas aparecen en su inventario de 1812, de modo que parece lógico que fueran realizadas para su uso, sin ser encargo de nadie.

Para más información y muy interesante además, consultar en esta dirección que os dejo de la Fundación de Goya en Aragón.



Nada es anciano, todo depende del tiempo


Poner en valor lo antiguo es muy sencillo. Convertir en antiguo lo nuevo es cuestión de tiempo. Querer ver como antiguo lo nuevo es una idiotez. Creer que lo nuevo es mejor simplemente por ser nuevo es una tontería escasa de reflexión. Creer que lo viejo es mejor por llevar más años entre nosotros es otro error de ancianos mentales.

19.10.22

Para mí… son simples sensaciones de un día de otoño


Explicar las sensaciones es imposible. Ante lo mismo vemos diferente cada uno. Sentimos todavía con más diferencia según nuestras mochilas. 

¿Manchas? Sí, trazos, formas. ¿Y? Para mí… son simples sensaciones un punto abstractas de un día gris de otoño, lleno de nuevas posibilidades con color.

Pintura rupestre levantina y unos ciervos


El arqueólogo aragonés Juan Cabré además de ser el descubridor de lo que denominamos Pinturas Rupestres Levantinas, nos dejó un gran legado fotográfico y documental de aquellas primeras décadas del siglo XX, realizadas sobre abrigos y cuevas en la zona del Teruel más cercano al más, con figuras de caza y de animales en blanco, rojo y negro.

Todavía hoy seguimos sin saber claramente quién las hizo, cuándo, a qué cultura exactamente pertenecen pues su ubicación no había logrado hasta la fecha hacer análisis científicos de su composición. 

Tras la caída accidental de unas piezas de roca de la pared del abrigo de Hoces del Cabriel en Cuenca, se podrá determinar su fecha aproximada, según nos informa hoy El País, quien publica también la imagen que vemos. 

¿Era un espacio religioso, era un abrigo para cazadores, un espacio de defensa de su territorio, un lugar para reguardarse ante las inclemencias del tiempo? ¿Eran cazadores, agricultores, pastores que estaban horas allí resguardados?

En la imagen vemos claramente los trazos de dos ciervos rojos, de dos ciervos blancos, y algunos detalles que parecen indicar ciervos negros.

18.10.22

El rostro de la Maja Desnuda y Vestida de Goya


La maja Vestida de Goya fue pintada una década después de haber pintado la Maja Desnuda, la segunda, la Maja Vestida se cree que fue realzada entre 1800 y 1808 mientras que la Maja Desnuda fue creada en la última década del siglo XVIII. Su primer propietario fue Manuel Godoy y en sus inventarios figuraban como Mujeres Gitanas, y posteriormente se cambió el nombre al de Mujer Vestida de Maja.

También al primer cuadro se le conoció durante muchos años como Venus de Goya y estuvo en una sala con otros cuadros de la Diosa Venus, pasando durante unos años tachada por la Inquisición como dos obras obscenas. 

La Maya Desnuda tiene unos rasgos pictóricos menos finos que la maya Vestida, pues en esa década Goya fue cambiando sus formas de pintar, hacia más detalle suave, detalle fino, difuminados más naturales. La Maja Desnuda es dos centímetros mas larga y más ancha.

Dejo aquí un primer plano del rostro de la mujer de ambos cuadros, de la "Maja" para ver sus rasgos de cerca.

Cabeza de toro, de Pablo Picasso, 1942


Hoy vamos a dejar para la contemplación del día una obra de Pablo PicassoCabeza de toro, pintada en el año 1942 por  Picasso, y que se encuentra en la Pinacoteca di Brera en Milán (Italia)

Una clásica obra picassiana en donde la sangre impacta junto al motivo elegido, que nos recuerda a los todos del Guernica. Los dientes del animal cobran un protagonismo de muerte con dolor, casi desesperantes.

14.10.22

Los Girasoles de Vincent van Gogh han sido atacados


El número de tontos que confunden el valor de la sostenibilidad o de los movimientos de la sociedad actual, y se rebelan contra lo establecido pensando que atacar la historia, el Arte o aquello que creen representar a las generaciones anteriores, el número de torpes digo, va en aumento. Hoy le ha tocado el turno a intentar cargarse el cuadro de Los Girasoles de Vincent van Gogh, y tras lanzar botes de salsa de tomate se han rociado sus manos con pegamento y se han sujetado a las paredes.

Los gritos de estos jóvenes activistas son curiosos mientras atacaban a una obra de Arte.: "¿Qué vale más? ¿El arte o la vida?, ¿Vale más el arte que la comida?, ¿Más que la justicia?, ¿Os preocupa más la protección de un cuadro o la protección de nuestro planeta y la población?".

El ataque se ha producido sobre una de las siete obras del mismo tema que pintó Van Gogh, la que se encuentra en la National Gallery de Londres. De la serie hay tres cuadros similares con catorce girasoles en un jarrón, dos con doce girasoles, uno con tres y otro con cinco.

La imagen que vemos arriba no es la que ha sido atacada, aunque es la que más se parece a ella. Esta se encuentra en el Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation) y es la única que se conserva en Países Bajos.

Las pinturas de Girasoles de Van Gogh se encuentran entre las obras más famosas de este artista. Los hizo en Arles, en el sur de Francia, en 1888 y 1889. Vincent van Gogh pintó un total de cinco grandes lienzos con girasoles en un jarrón, con tres tonos de amarillo… ‘y nada más’.

Demostró así que era posible crear una imagen con numerosas variaciones de un mismo color, sin pérdida alguna de elocuencia, de mensaje, de forma y sensación.

Las pinturas de girasoles tenían un significado especial para Van Gogh: comunicaban "gratitud" según dijo escrito el propio artista.

Los dos primeros cuadros los colgó en la habitación de su amigo, el pintor Paul Gauguin, que vino a vivir con él una temporada en la Casa Amarilla. Gauguin quedó impresionado por los girasoles, que pensó que eran "completamente Vincent".

Van Gogh ya había pintado una nueva versión durante la estancia de su amigo y Gauguin más tarde le pidió uno como regalo, que Vincent se mostró reacio a dárselo. Sin embargo, más tarde produjo dos copias sueltas, una de las cuales se encuentra ahora en el Museo Van Gogh.

Vincent van Gogh y un Paseo de dos hermanos


Vincent van Gogh pintó esta escena de una calle en medio del animado barrio de Montmartre de París en el año 1887. La tituló "Paseo de dos hermanos" o "Impasse des Deux Frères".


La calle sin pavimentar que vemos en la obra tiene zonas de piedra para pasar, representadas por franjas azules. El molino sobre ruedas en el centro probablemente era una valla publicitaria móvil. Había varios molinos reales en la colina de Montmartre en París, y uno es visible al fondo (el Moulin à Poivre).

En la época de Van Gogh, estos molinos ya no estaban en funcionamiento, pero servían como lugar de entretenimiento y atracción turística. Las entradas estaban decoradas con banderas.

Es una obra al óleo de 65 centímetro de ancha, que se encuentra en el Van Gogh Museum de Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation).

Libros Gratuitos de Arte desde los Museos

Uno de los trabajos que deberían explorar mucho más los Museos Públicos, en España o en Europa, en Iberoamérica o en EEUU, es facilitar los catálogos de sus exposiciones, en PDF y de forma gratuita. Y Ahora me intentaré explicar. 

La cultura y el Arte, en todas sus variables, debe y puede ser compartido de muchas maneras y aquí deben entrar los Museos públicos a ofrecer servicios añadidos para ponerse en valor, para demostrar que no son solo almacenes de obras de Arte o de obras históricas.

No estoy pidiendo que se compartan "ya" de forma gratuita los catálogos de las exposiciones temporales, muchos de ellos maravillosamente impresos y realizados, sino cuando el tiempo ya ha pasado y esa Exposición Temporal ya no está abierta al público. En ese momento el catálogo pierde una parte importante de su sentido del momento.

Pero a su vez sigue siendo un documento de gran valor para analizar el Arte, la historia, el momento, las tendencias, el trabajo complementario (o no tan complementario) de los Museos con las sociedades.

Y a la vez se abre ese documento hacia una distancia increíble, hacia todo el mundo ya globalizado.

Ahora recibía desde el Museo Reina Sofía de Madrid el documento del que dejo la portada, gratuito como ya sucede con otros museos públicos o con algunas instituciones como la Diputación Provincial de Zaragoza a través de su Institución Fernando el Católico. 

Hay un tiempo para todo, también para venderse. Yo de la propia IFC tengo libros en papel comprados y a su vez la copia en digital. Pero volvamos a los Museos.

Recopilar en formato revista artículos de sus obras, análisis o estudios de la temática de su Museo es una forma de abrirlo al mundo, y ya se está haciendo en algunos de ellos. 

Revisemos estas opciones, pues es potenciar la Cultura y el Arte, de forma gratuita y sin Bonos que ayuden a los jóvenes a consumir Cultura, sino a través de ofrecer alternativas que siendo gratuitas pueden abrir ventanas.


13.10.22

Ángel Duerto Oteo y su mundo soñado


Del artista fotógrafo aragonés ya fallecido, Ángel Duerto Oteo os dejo uno de sus trabajos clásicos, ese mundo onírico que imaginaba y reflejaba perfectamente en imágenes que lograba con profesionalidad largamente reconocida.

Pablo Gargallo y un David de 1934


Del artista aragonés Pablo Gargallo, os dejo un David del año 1934 hecho en bronce, movimiento y espacio, en una escultura pequeña y del estilo de Gargallo que se encuentra en el Museo de Pablo Gargallo en Zaragoza.

11.10.22

Como decorar una cafetería. El Arte Decorativo


No todas las consideras Artes tienen la misma importancia, así que cada uno de nosotros podemos entender qué es o no Arte lo que otros llaman artesanía o incluso Artes Escénicas o Artes Gráficas, por poner dos ejemplos con duda. Esto que vemos es decoración, casi escaparatismo.

En una cafetería puedes crean ambientes simplemente pintando las paredes de blanco o decorando los espacios para que simulen zonas acogedoras. Depende de lo que se desee hacer. 

Luego serán tus clientes los que valorarán mejor o peor esa decoración, volviendo o no volviendo al local, pues dependes de lo que haga la competencia.

En un espacio como el que vemos, grande, se necesita que haya clientes y que estén un tiempo para que no de sensación de vacío.

Esta cafetería, bien decorada en su conjunto, tiene este frontal interior que resulta muy anglosajón. Para mi gusto tiene un exceso de armonía, nada de desorden que le podría ir bien. Pero es al menos un detalle decorativo de calidad y calor de espacio. La luz en decoración es la mitad del éxito.



10.10.22

Liu Bolin, el artista escondido en sus obras


El artista Liu Bolin tras perder en 2005 parte de su obra y su estudio de artista en la ciudad china de Suo Jia Cun por motivos políticos al ser considerada por los gobernantes una ciudad de artistas depravados, decidió esconderse en sus obras, como elemento de queja artística, de grito por la desprotección que tiene los artistas en algunos países, en algunas sociedades.

En esta fotografía lo podemos adivinar en el matadero de la ciudad de parís en el año 2013. Sus imágenes disfrazado del entorno en donde se posa, son muy conocidas, pues desea en silencio disfrazarse de su entorno, para no ser encontrado. una manera de huir, sin moverse del sitio.

Es un artista chino "escondido" dentro de sus obras, a veces de una manera casi imposible de reconocer dentro de ellas. Se vuelve invisible él, pero no así sus obras.


6.10.22

Tienda en Suiza de ropa deportiva y juvenil


En esa decoración urbana que enseñamos a veces para un urbanismo más amable, y que con sinceridad alegra las calles e invita a seguir paseando y a veces a quedarte parado en un escaparate de un tienda de ropa similar a la que ha pintado esta facha en Suiza, entran muchos temas en el juego de atrapar nuestra atención. 

Uno de ellos es el Arte Urbano.

Contra los colores potentes de una tienda de ropa divertida, deportiva y joven, nada mejor que rodearla de paredes en blanco y negro que atrapan al paseante y lo enfrentan con el color de lo que se vende. Esta decoración exterior es el marco para que observes lo que venden. Y es eficaz. 


Arte relajado en un mueble oriental


A veces un pequeño mueble oriental nos da pistas de artesanías o ya casi artes en madera y otros elementos, que reflejan ese mundo tan distante al nuestro, casi tan lejano, donde la capacidad de agradar con elementos de la naturaleza, de la calma, es tan significativo. Este ejemplo de todo y de nada, es simplemente calma y relajación, introducida en la puerta de un pequeño armario, y coloreada para reflejar esos mundo tranquilos.

5.10.22

Publicidad de Converse. Un ejemplo de Arte publicitario


La publicidad es un excelente campo para utilizar el Arte en casi todas sus variables. Y lo hace y lo saben bien los creativos de publicidad pues la belleza y la provocación, unidas o no, venden y agradan. O al menso motivan.

En este caso vemos una obra titulada "Los cordones unen" o "Cordones de unidad" para la marca Converse. No hay mucho que entender ante la contemplación de esta obra que tiene varias copias con distintos cordones. 

Un trabajo creado entre el fotógrafo Esosa Osagiede y el creador de contenidos publicitarios Leo Burnett Lagos.

4.10.22

Osos en Chueca (Madrid) del Grupo Nevercrew


El grupo de Arte Urbano Nevercrew es el nombre del dúo de artistas suizos formado por Christian Rebecchi y Pablo Togni y que tienen obras por medio mundo. En este caso, este hermoso grupo de osos, lo podemos ver en Madrid, en el barrio de Chueca.

Sus obras hablan de personas y la integración con sus entornos, y lo que Nevercrew busca es un impacto directo en el espectador urbano, así como una reacción lenta pero poco a poco profunda, para estimular una interacción empática y emocional con la realidad, nueva o vieja y con el entorno en donde colocan sus obras. 

La explicación de esta obra por parte de sus autore es la sigueinte.: «Para el concepto de este muro en Madrid arrancamos del emblema local de la ciudad, ‘El oso y el madroño’. Creamos una pirámide de osos pardos que van haciéndose más pequeños a medida que crece hasta llegar al más pequeño arriba que tiene una hoja de madroño en su nariz. Con esta composición queríamos hacer una llamada a la relación del ser humano con la naturaleza y de cómo esta se va reduciendo a favor del progreso humano».



Arte en el Mercado de Chueca en Madrid


El Arte Urbano se compone también de elementos públicos, estáticos a veces, que además de informar alegran el urbanismo de la zona y lo posicionan en la amabilidad con el uso de la decoración o del mobiliario urbano. 

En este caso es un toldo a la entrada del Mercado de San Antón en el barrio de Chueca en Madrid, mostrando la diversidad, apostando precisamente por eso, por las diferencias que siempre deben estar presenten en las convivencias.

Madrid está cuidando y muy bien sus mercados de barrio, no solo los céntricos que también. Algunos ejemplos nos deberían servir en otras ciudades para explorar todos el servicio que ofrecen los mercadillos, que no es solo el de vender productos frescos, sino incluso el dotar de seguridad pasiva a sus zonas de influencia.

3.10.22

El Arte sirve para hablar sin pronunciar palabras


Lo que decimos por debajo, en voz baja, escondidos casi, tiene solo una cierta importancia. Depende del interlocutor que escucha. A veces lo mejor es pensar que lo que no se dice alto y claro lo mejor es obviarlo. En el Arte esto es muy sencillo de realizar.

Estamos en tiempos de hablar, expresarnos o escribir mucho, pero no dar la cara abierta, no decirlo todo de forma clara tal vez por miedo, por no saben incluso lo que realmente decimos. En el Arte, escribir por debajo y muchas veces sin escribir palabras, es una buena opción.

Tan válido es la expresión de unos grafismos en el Arte como de unas palabras en una Red social. No más, pero tampoco menos. Y que cada lector interprete lo que ve con la misma capacidad de asombrarse de lo que decimos o no decimos.

Con la ventaja en el Arte, de que podemos trabajar los blancos, los vacíos, los silencios. Incluso los colores que distorsionan formas y espacios, utilizando sombras o luces con más facilidad. El Arte puede ser una manera de hablar, sin decir ni una palabra.

¿Qué hay de "El Falsificador" en el mundo real del Arte?


La película documental "El Falsificador" nos cuenta la vida del artista Oswald Aulestia, un catalán al que se considera el mayor falsificador conocido de obras de arte contemporáneas. Una película muy entretenida, muy clarificadora de un mundo mercantil dentro del Arte que se ha ido apoderando del sentido real de esta disciplina de la sociedad, para convertir al Arte en una fábrica de mover dinero.

En realidad no se ceba tanto con el Arte Moderno (que también) como con el uso mercantilista de gentes alejadas del Arte, que manipulan todo lo que se mueve alrededor del Arte para llevarlo al mundo de la inversión, de los negocios, de la tontería o incluso de la manipulación o el delito. Y no solo el de falsificar obras de otros artistas.

Es verdad como vemos en la escena de un Oswald Aulestia creando un presunto Tapies en la calle, que la copia o la falsificación no es tanto crear una obra similar a la de un artista conocido, como firmarla como si fueras ese artista famoso. Lo de menos sería la calidad, el sentido, o quién la ha realizado. Lo que importa y le da valor es la firma y los certificados.

La inmensa mayoría de los artistas trabajamos y creamos por otros conceptos. Y eso sucede en muchos órdenes de la vida, sean deporte o fabricantes de camisetas. El volumen o el tamaño de lo que vendes marca tu futuro e incluso el sentido de tu obra.

Las imágenes que vemos acompañando al texto son obras del propio artista Oswald Aulestia, suyas y sin falsificar. Creo.



2.10.22

Un dibujo rebanado las tres cabezas de un dragón


No tengo mucha información de este dibujo del siglo XIX, impreso en tipografía y realizado por un dibujante que se llamaba Ángel (¿Ángel Díaz Huertas?) para ilustrar algunos cuentos de Saturnino Calleja, quien empleó a más de un centenar de dibujantes diferentes de la época, para ilustrar sus obras. Este dibujo lo tituló.: "…y rebanó las tres cabezas del dragón".

El diseñador es el que sabe dirigir nuestras miradas


La estética, la composición, los encuadres y contrapesos de las formas también se utilizan en la arquitectura. Este es el interior de La Almudena de Madrid, parece un dibujo con sus proporciones, un elemento de diseño gráfico enorme en donde conjugan las formas, los colores, las luces, en donde se juega con los blancos y el color para obligar al espectador a elevar la mirada al "cielo" que es el techo de la nave o a fijarse en el lugar desde donde emana la música, por decirlo de alguna manera casi poética.

Nadie puede entrar a esta Catedral de Madrid con la libertad de elegir qué mira, pues todos los elementos están diseñados para que tu mirada sea dirigida por el arquitecto. Nos guste o no nos guste, veremos lo que de antemano han querido que veamos.

Jesucristo, San Pablo y la fuerza de un alto relieve en La Almudena


Este es un relieve (de dos) en piedra caliza de unos ocho metros de larga, y que podemos contemplar en el exterior de la Catedral de La Almudena de Madrid, del escultor José Luis Parés Parra junto a Jesús Arévalo Jiménez, realizadas entre los años 2010 y 2011.

José Luis Parés es catedrático de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, y catedrático de modelado del Natural en el área de Escultura desde 2000. Es académico de la Real Academia de Historia y Arte de San Quirce de Segovia.

Un ejemplo de alto relieve vivo, reflejando claramente los gestos de sorpresa de todos los presentes al aparecerse Jesucristo al que sería San Pablo, excepto en el rostro sereno y serio de Jesús que se dirige al todavía Saúl para reprocharle sus luchas contra los cristianos. La belleza de las cabelleras de todos los presentes, incluidos los caballos, otorgan gran fuerza al conjunto.

1.10.22

Detalle de El Jardín de las Delicias de El Bosco


Las nuevas técnicas de reproducción podrían permitir que algunas obras muy importantes, se mostraran en los museos de una manera muy diferente. Hay obras que soportarían muy bien ser reproducidas a tamaño grande y en secciones, para poder ver los detalles de algunas de sus zonas, y por ejemplo estoy pensando en El Jardín de las Delicias, de El Bosco. Pero como esta obra hay cientos.

Es imposible poder observar con detalle algunos de los personajes de esa obra, sino es acercándote mucho al cuadro, lo que imposibilita que sea contemplado por más visitantes. E incluso así, siempre hay matices que se pueden perder pues tienes que estar escasos segundos.

Si en una Sala además de poder ver la obra en su conjunto (por cierto en el Museo del Prado se observa maravillosamente) pudiéramos ver secciones a tamaño 70 x 100 y en donde poder contemplar personajes, escenas, incluso detalles de algunos personajes, la visita sería todavía más impactante. 

Y sí, hoy todo eso es posible, mostrando con un detalle sorprendente, zonas de una obra y ampliadas 10 ó incluso 20 veces.

Por cierto.: ¿Esto de principios del siglo XVI no es surrealismo?


El artista canario Óscar Domínguez y un pájaro


Lo que vemos arriba es un detalle de una obra de Óscar Domínguez, realizada en óleo en el año 1950 y titulada "Pájaros". Un cuadro muy estilizado con dos pájaros dibujados dentro de un surrealismo esquematizado, identificable y formando con ellos una serie de líneas y espacios que además de llamativos resultan muy bellos.

El artista Óscar Domínguez, de la Generación del 27, era canario, y falleció joven en París tras dejar una carrera llena de esculturas, cuadros y fotografías e incluso un intenso trabajo como diseñador gráfico en años de penurias económicas. Y esa formación laboral como diseñador se traduce a veces en sus obras que  muestras el lado más esquematizado, de dibujante moderno, picassiano a veces, para impactar con pocos trazos.


Eduardo Chillida en papel. Encantador con muy poco


En el Arte todos tenemos nuestros gustos, artistas casi fetiches, modos de trabajar que desearíamos copiar,  formas de expresión que nos encantan incluso en el mejor sentido del "encanto". Cada uno de nosotros elegimos a uno o varios artistas (generalmente a muchos) que nos encajan en nuestras preferencias. Tampoco sabemos el motivo con absoluta certeza. Nada es absoluto.

En mi caso empecé con Joan Miró y tras pasar por algunos abstractos como Manuel Viola, en los últimos tiempos estoy prendado de Eduardo Chillida, de la sencillez de sus formas, sobre todo de sus trabajos en papel, de sus dibujos en blanco y negro, de su casi abecedario simple, sencillo, inamovible.

Esa capacidad fácil de crear espacios recortando el lienzo, el soporte, logra crear con un solo color, el negro puro, hasta tres tonos diferentes. El vacío de las zonas recortadas, el blanco del papel y el negro de sus trazos. 

El diseño de sus obras buscando jugar con los espacios, colocando simples trazos ya muy conocidos, a mi personalmente me atrapa. Me da igual qué quiere decir con todas sus obras, muchas de ellas dicen más que algunos presentadores de noticiarios, y se repite mucho menos.

La obra que vemos arriba creo que es propiedad de Telefónica y se hizo en el año 1986.