13.5.24

¿Qué tipo de Arte Moderno está más considerado?


Los artistas jóvenes al menos relativamente, a la hora de valorar qué tipo de Arte Pictórico les interesa más tienen claro qué buscan, qué admirar, qué desean comprar y crear. Vamos a ver los resultados de una encuesta.

Abstracto 

Expresivo Figurativo 

Realista figurativo 

Surrealista contemporáneo 

Paisaje 

Conceptual 

Minimalista 

Calle 

Expresionismo neo abstracto

No hay duda de que el expresionismo y la abstracción se llevan la mayoría de las respuestas afirmativas. Cada artista crea lo que le gusta, lo que le sale de dentro, lo que sabe, lo que admira. No vamos a cambiar por este tipo de encuestas de las que tampoco sabemos bien qué sesgo pueden tener. pero son eso sí una radiografía de los inicios de este siglo XXI ya avanzado.

¿Por qué compramos arte contemporáneo?


Este gráfico que vemos se refiere a una encuesta hecha fuera de España y entre jóvenes compradores de Arte Contemporáneo. Personas que con menos de 30 años deciden comprar obras de Arte Moderno no de un gran precio.

Pero son cifras y motivaciones posiblemente muy extrapolables entre los jóvenes compradores de Arte del mundo occidental. Suelen ser personas muy bien informadas obre el Arte Moderno, y sobre tendencias y motivaciones artísticas.

El 64% lo hacen para ir construyendo su propia colección de arte.

Un 62% lo hace para decorar su espacio personal, su casa, su despacho, etc.

Un 52% lo hacen para apoyar a los artistas emergentes.

Un 50% lo realizar para inspirarse, para aprender, para copiar.

Un 38% lo compran como inversión.

Son datos esperados, pero de alguna manera confirmados también. Y eso nos puede servir a todos para comprender mejor las motivaciones de los compradores y de los creadores. 

12.5.24

¿Qué es el arte moderno o contemporáneo?

Los que disfrutamos del arte, incluido como es lógico del arte contemporáneo o del arte moderno, sabemos que a veces nos lo están metiendo por los ojos pero sin valor suficiente. 

Lo cierto es que nosotros no compramos y por ello no nos debemos sentirnos muy engañados. Porque sobre todo, lo que no guarda relación muchas veces, es la obra con su precio de venta. Valor y precio no es lo mismo. Pero no es sencillo aclararlo.

Si entendemos que una obra de cualquier tipo debe tener un precio con arreglo a lo que cuesta hacerla, o a lo que cuesta pensarse, o a lo que ha costado saber hacerla, efectivamente el arte moderno o contemporáneo a veces nos engaña. 

Si tenemos en cuenta factores tan curiosos como la posible revalorización, el factor inversión, el agrado de poseer, el de tener algo de autores muy bien tratados por críticos; entonces los valores y los precios cambian totalmente.

Vamos a ser amables. 

Hay muchas obras de arte moderno que posiblemente NUNCA nos podríamos en nuestro salón o en nuestro WC.

Incluso hay muchas obras de arte moderno o contemporáneo que son muy fáciles de falsificar y de hacer nosotros mismos en nuestro taller de arte. 

Incluso vemos obras que algunos llaman de arte contemporáneos y que simplemente son recortes, archivos, descartes, objetos que remarcamos o pulimos para ofrecer una visión simplemente algo diferente.

No estoy hablando de arte diferente, moderno por ser hecho ahora, sino de obras que una vez expuestas y si no se venden, simplemente se tiran o se guardan en un almacén lleno de trastos. 

El artista sabe que no debe conservar aquellas obras que no han gustado pues devalúan el resto de obras suyas. Se crea arte en apariencia como una forma de vivir, de valorar más lo que efectivamente se logra vender.

Una obra de arte debe durar en el tiempo. 

Las que son efímeras también pueden ser obras de arte, sin duda, pero lo curioso es que muchas de las que presuntamente han venido para quedarse no lo deberían hacer. 

La pregunta sería: ¿Qué observarán nuestros tataranietos del arte moderno o contemporáneo que se está haciendo hoy en día? Pues eso es realmente arte. 

Lo demás es trabajo artístico en el mejor de los casos, arte decorativo para un momento de nuestra sociedad.

Matar civiles en las guerras es muy caro para la paz

No sabríamos explicar por qué, pero todas las guerras terminan ensañándose con los civiles que sufren. Son los más fáciles de matar, pero son la vergüenza de los ejércitos. 

Hacer la carrera militar para matar civiles es muy sencillo de aprobar como materia educativa. Se elije una casa habitada y se bombardea. No hay peligro, no se defienden, no tienen armas para atacarte, es un objetivo grande y no es fácil fallar el disparo y además es muy efectivo, levanta humo y hace ruido.

Si uno hace la carrera militar para terminar bombardeando ciudades, casas, matando civiles y a ser posible niños para salir en los medios, con una hora de cursillito valdría para salir aprobado. 

Uno pensaba que la carrera militar era para aprender a defender un país, un territorio, pero entre otros militares contra militares, no entre unos militares contra civiles. 

Así cualquiera. 

Unos tienen las armas más poderosas compradas con el dinero de todos, los otros solo tienen las lágrimas y el barro, el dolor y los ladrillos rotos, las muertes y la sangre. 

Unos disparan desde un despacho o desde una silla dentro de una herramienta cara que sirve para matar. Los otros simplemente esperan a ser asesinados por los artilugios caros de la guerra.

Pero matar civiles tiene un gran problema. Acrecienta los odios, los dolores intentos e internos, la rabia y las irresolubles posibilidades de lograr la paz.  

Matar civiles es lo más caro en el largo plazo, es lo que hace que las guerras nunca terminen en paz. Matar civiles con armas tan caras es una pérdida de efectividad, para eso está el terrorismo canalla.

La fotografía es de Mohammed Salem en Gaza

Cocina de una aldea de China, con mujer fumando

Es la fotografía de una cocina de un pueblo de China en el año 2014 donde una mujer está asando y ahumando unas mazorcas de maíz en el hogar de la cocina, mientras ella fuma encendiendo el largo cigarro con una tea del fuego. 

Si no fuera por el hecho de fumar podría ser una imagen de cualquier cocina española de hace un siglo o incluso varias décadas menos. 

A veces las diferencias entre sociedades son solo de décadas de diferencia, entre sus avances y cambios. 

El fotógrafo es: Kyaw Kyaw Winn, de Yangon, Myanmar (Burma).

¿Qué se compra y se vende en el Arte Contemporaneo?


Es posible que la excesiva mercantilización del mundo del Arte Contemporáneo esté tocando fondo por varios motivos. No es ajeno al abuso que se ha ido realizando en forma de precios excesivos en subastas cuando menos curiosas. 

No se sabe, es imposible, el montante total de las grandes compras y ventas en subasta o similares que se producen a lo largo de un año, si acaso comparar con años anteriores las cifras que se hacen oficiales. Y en esa comparación e nota una leve desaceleración.

Si analizamos las 10 firmas de artistas que han copado los 10 obras más caras subastadas en 2023, vemos los siguiente artistas or orden de valor de su obra subastada:

Pablo Picasso

Gustav Klimt

Claude Monet

Jean Michel Basquiat

Gustav Klimt

Francis Bacon

Richard Diebenkorm, 

Mark Rothko, 

Wassily Kandinsky 

Henri Rousseau.

Todas estas 10 obras de estos 9 artistas se realizaron en el siglo XX, desde 1901 a 1976. Cinco de ellas antes de 1930. Y sus precios se movieron entre los 139 millones de dólares y los 43,5 millones de dólares. Son las 10 obras con valor de venta más reconocido en el año 2023.

Pero en realidad el número de ventas reconocido, casi llegó a los 40 millones de obras. ¿Y quien compra tal número de obras de Arte Contemporáneo?

Pues preferentemente dos tipos de personas o entidades totalmente diferentes. Con motivaciones distintas y hacia precios con claras diferencias también

Los coleccionistas que lo hacen por amor al Arte, por inversión, por demostrarse y demostrar a sus compañeros de vida que el Arte les apasiona. Compran obras en donde el artista sea un marchamo de calidad por su nombre.

Y por otra parte comprar inversores que compran y vender obras de Arte como quien compra y vende acciones, viviendas o empresas. Quieren conocer más el mundo del arte, buscan inversiones en jóvenes artistas, sobre los que creen puede ascender por sus cualidades y compran más cantidad pero por menos dinero.

¿Y los jóvenes qué y a quien compran? 

Los jóvenes entre 25 y 35 años tienen comportamientos diferentes a la hora de acercarse al arte como inversión, a la compra de arte contemporáneo. Prefieren la compra directa al artista o comprar arte online, que hacerlo en galerías físicas o en subastas. Apoyan más a los artistas emergentes y nuevos que les gusta al comprador su obra y trayectoria. Les importa muy poco el ser considerados coleccionistas de arte, pues compran por gusto.

La imagen que vemos en la entrada es el cuadro de Pablo Picasso "Mujer con Reloj" del año 1932.

Julio Puente

9.5.24

La conversión de San Pablo, de Laurent de la Hyde


Esta obra que vemos se titula "La conversión de San Pablo", del pintor Laurent de la Hyde un artista grabador de París que hizo esta obra en el año 1637 y que se encontraba depositada en la catedral de París cuando se incendió.

Ha sido restaurada y ahora se procederá a mostrarla en una exposición con numerosas obras del interior de Notre Dame de París, como preludio de su apertura.

En la obra se nos muestra un episodio de la vida de San Pablo (Saúl de Tarso, soldado de Turquía) que siendo un soldado romano que perseguía a los cristianos, se ve apoderado de la visión de Cristo en el camino a Damasco que le pregunta qué es lo que hace persiguiendo a cristianos. 

Saúl había pedido a su sumo sacerdote permisos por escrito para cazar y luego presentaren las sinagogas de Damasco a los nuevos cristianos, con el fin de encarcelar a los seguidores de Jesús y llevarlos de vuelta a Jerusalén. Saúl se convierte al cristianismo tras esta aparición de Jesucristo y se cambia el nombre por el de Pablo.

Para interpretar la repentina conversión de Saúl, el pintor Laurent de la Hyre ilustra el momento en que Cristo le aparece en el cielo y le dice: “Saúl, Saúl, ¿por qué me persigues?". 

En el cuadro vemos a Cristo representado en el cielo, en la parte superior izquierda. Y derribado en el suelo, vemos a Pablo que lleva el traje de legionario romano mirando a Cristo, deslumbrado. Un soldado busca levantarlo mientras la fuerte luz ciega lo escolta.

7.5.24

Ecce Homo de Caravaggio, subastado para exponerlo en el Museo del Prado


Esta semana se ha vendido con unas condiciones expresas, un cuadro de Michelangelo Merisi da Caravaggio que era de propiedad particular pero que no se podía sacar fuera de España sin permiso, tras una importante restauración y la confirmación de que efectivamente es una obra de Caravaggio.

La obra se titula "Ecce Homo" y se había dado por perdida, pintada sobre el año 1605 fue un cuadro de la colección privada del rey Felipe V y mide 111 centímetros de altura, es una obra no muy grande. 

Curiosamente esta obra apareció en el año 2021 para una subasta como un cuadro atribuido a la escuela de José de Ribera a ser una obra del muy buscado Caravaggio

Y por ello ha pasado desde aquellos 1.500 euros de una primera subasta que se suspendió, a los 30 millones de a la actual, sabiendo que si fuera un cuadro libre de movimientos podría estar cotizado en más de 100 millones.

Desde mayo de este 2024 hasta octubre estará expuesto en el Museo del Prado, aunque sea de propiedad particular. 

3.5.24

La misma cara de odio, el mismo color gris


Podría ser una obra actual, de ahora mismo. Podría ser un acrílico sobre lienzo del 2024 en los EEUU. Pero no, es del artista gallego Carmelo Caneiro. Podría ser una obra de Arte Urbano, pero tampoco, es una obra relativamente pequeña.

Carmelo Caneiro hizo esta obra en el año 1976, casi hace 50 años, y sigue siendo muy actual. ¿Qué hemos hecho mal en esta sociedad para no mejorar las percepciones?

Es un Grito Autoritario de una persona sin humanidad. Su boca habla más que si le viéramos la mirada de odio. Y nos diría que está cumpliendo con su trabajo. Con su oficio.

Sería esta obra lo más cercana a poder fotografiar los rostros de los que reprimen. Representa un icono que muchas personas mayores tenemos en nuestra memoria, incluido el color gris, y que desgraciadamente ahora algunos jóvenes también las están volviendo a ver.

La obra se titula "Realidad II" y está en el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza.

2.5.24

Natalio Bayo y su: Libertad que se usa


El artista aragonés Natalio Bayo nos planteo en el año 1975 una serie de trabajos sobre la libertad en las que representaba palomas muchas veces improvistas de libertad, como ejemplos representativos de aquellos años.

De alguna manera Natalio Bayo expresa su dolor contra la represión y denuncia la falta de opciones para poder volar, para simplemente ser lo que se debe ser, un ave que desea volar. 

Este cuadro lo tituló: Libertad que se usa, pintado al óleo sobre lienzo.

26.4.24

Dibujo para colorear. Ejercicios de color


A los niños les encantan los colores, jugar con ellos y darse cuenta que todo cambia según los van eligiendo. El dibujo libre o la pintura colorista libre es un ejercicio para ellos que les incita a entender el valor de la página en blanco y su capacidad propia para plasmar "cosas".

Pero también los dibujos ya realizados y listos para colorear son un buen ejercicio de práctica para jugar con los colores. 

Aquí dejo un ejemplo que muestra la iglesia más reconocida de Pontevedra, la Peregrina. Hay dos maneras de pedirle a los niños qué deben hacer, según sus edades.

La primera y sencilla es simplemente solicitarles que coloreen el dibujo, que llenen de color las formas que vemos ya marcadas.

La segunda es más entretenida. Se trata de indicarles que pinten no con colores reales sino imaginativos, rellenando los espacios en blanco. Una cara no tiene que ser de color carne, sino de lo que al niño se le ocurra. Una iglesia no tiene que ser color ladrillo o gris. Un árbol no tiene que ser verde. 

Este segundo ejercicio depende de la edad del niño, y es más indicado para niños algo más grandes.

Nota.: Tristemente desconozco el autor de esta obra, que seguramente será de Pontevedra.

Retrato de la señorita Lieser, de Gustav Klimt


La obra que vemos arriba es del artista austriaco Gustav Klimt y se ha subastado esta semana por 30 millones de euros. Se titula "Retrato de la señorita Lieser" pintado en el año 1917, un año antes de fallecer.

Considerado un pintor modernista simbólico, trabajaba mucho los retratos casi oníricos de mujeres en medio cuerpo, que iban acompañadas de ambientes fantásticos y detalles.

Esta obra ha estado un siglo en paradero casi desconocido, posiblemente por miedo de su propietario a que fuera incluida como obra saqueada en la II Guerra Mundial.

No es un cuadro terminado, aunque en lo fundamental sí lo está. No lo pudo terminar posiblemente por su muerte temprana y está sin firmar.

23.4.24

Carteles del 23 de abril en Aragón


El 23 de Abril además de ser el Día de Aragón, lo es de Castilla y León y el Día del Libro. Un día no festivo en España, excepto en las dos comunidades antes citadas.

Os dejo los carteles que se han realizado en Aragón. El institucional del Gobierno de Aragón, uno que ha publicado Heraldo de Aragón y otro del Ayuntamiento de Huesca.





21.4.24

El extraño caso del buzón azul que se movía levemente

Cualquier sitio es bueno para colocar el buzón que nos recoja las esperanzas, las misivas que nos contactan, las cartas de regalo o las de castigo. 

Este buzón estaba suelto y mucho me temí que según avanzara el invierno iría bajando de altura. 

Pero los buzones también están vivos y se mueven. Incluso para sujetarse y así no caerse al suelo.

Daniel Zuloaga: Lo que más quiero es el Arte


Unas palabras del pintor y ceramista Daniel Zuloaga, sobre el Arte:

"Lo que más quiero es el Arte; lo que me infunde apego a la vida es el afán de hacer obras bellas; pudiendo crear, anhelaría vivir eternamente siempre, y antes de perder mis facultades creadoras, ansío la paz de la muerte".

En realidad todos los artistas pensamos my parecido. Crear es mucho más que trascender, o que disfrutar observando lo que finalmente has creado. Crear es sobre todo sacar desde dentro algo, y entregarlo. Y una vez ya desprovisto de ello, seguir pensado en lo siguiente.

El Sacrificio a Pan, posible obra de Goya


En otra entrada anterior hablaba de la obra de Goya titulada "El Sacrificio a Vesta" y ahora vamos a ver "El Sacrificio a Pan", cuadros similares de la época de Italia de Francisco de Goya.

Aquí vemos a una sacerdotisa en un bosque ofreciendo un cuenco de oro con vino, a una estatua que representa al dios Pan, el dios de la fertilidad masculina. En realidad es una mezcla de Dios Pan y Dios Príapo que representaría la fecundidad de la tierra, de los campos.

Como en la obra "El Sacrificio a Vesta" hay dudas sobre su autenticidad, pero en ambos casos hay que saber que fueron obras rápidas, hechas para ganarse el sustento, e incluso esta se agrandó con posterioridad para que ambas tuvieran el mismo tamaño.

20.4.24

El sacrificio a Vesta, posible nuevo cuadro de Goya


En el año 2013 se descubrió en la Universidad de Barcelona y tras aplicar en la obra radiación con terahercios (THz) (una técnica "no invasiva"), una firma hasta ahora inédita del cuadro “El sacrificio a Vesta” que se escondía bajo la pintura, un cuadro realizado en el año 1771 y que se podrá atribuir a partir de ahora a Goya tras detectar en el margen inferior derecho una firma muy parecida a las del pintor aragonés Francisco de Goya. Ya se sospechaba que era obra de Goya.

El trabajo, que publica la revista 'Optics Express', ha sido liderado por el catedrático de Física Fundamental del centro barcelonés, Javier Tejada, quien ha indicado que se trata de la primera vez que se utilizan los terahercios para ver una firma escondida en una obra pictórica. 

Por ello, ha destacado el potencial de esta técnica para mostrar características no observables a simple vista y completar los datos observados hasta ahora con técnicas de rayos X o infrarrojos, lo que puede aportar nuevas evidencias de la autenticidad de las obras.

La imagen THz se forma tras unir imágenes de un milímetro cuadrado, y sus ondas llegan a diferentes capas de pintura, lo que proporcionan una representación tridimensional de la obra, incluso reflejándose de manera diferente según el tipo de pigmento y material. 

De este modo, los investigadores han hallado una marca de lápiz de carbón bajo una capa de barniz oscurecido por el tiempo y, aunque evitan confirmar si se trata de la firma de Goya, apuntan a que se parece lo suficiente como para reforzar la idea de que la obra es del pintor zaragozano, realizada en su estancia en Italia y siendo muy similar a su pareja "Sacrificio a Pan".

En el caso de 'El sacrificio a Vesta', propiedad de la colección privada del mecenas artístico Félix Palacios, muestra a un sacerdote celebrando el ritual del fuego para invocar a Vesta, la diosa protector de la familia y el hogar.

Es un cuadro pequeño, poco mayor a un A4 y posiblemente formaría parte de algunas obras de Goya realizadas para vender como forma de lograr ingresos para vivir en Italia, pues no había ido allí con Becas de Formación.

Autorretrato de Goya, ajeno a lo que sucede


Si quieres conocer al Goya que trabajó en Madrid debes ver esta obra. Nada más entrar en San Francisco el Grande de Madrid, la primera capilla de la izquierda nos deparará a los zaragozanos dos sorpresas. Una pequeña imagen de la Virgen del Pilar y en el altar de la capilla un gran cuadro pintado por Francisco de Goya de casi cinco metros de altura.

El 20 de julio de 1781 Francisco de Goya y otros pintores de la Corte recibieron del conde de Floridablanca el encargo de llevar a cabo la decoración de la basílica de San Francisco el Grande.

El cuadro “San Bernardino de Siena predicando ante el Rey” es un lienzo realizado por Francisco de Goya para la Basílica de San Francisco el Grande de Madrid, donde aún se conserva colgado al culto religioso, y que fue pintado entre los años 1780 y 1784, entre bocetos y obra final.

Francisco de Goya era, en esa época, un joven pintor de cartones para tapices muy reconocido; pero la crisis de Gibraltar, producida al inicio del decenio, provoca la escasez de encargos públicos y hace que el interés del artista se traslade a obras de índole más privada y a obras religiosas. Había salido de Zaragoza bastante enfadado y quería asentarse en Madrid como pintor religioso y de la Corte.

En la actualidad hay dudas sobre si Goya quiso representar al monarca aragonés Alfonso V el Magnánimo o al Rey Renato I de Nápoles recibiendo las bendiciones de San Bernardino de Siena. O si tras decidir pintar a un Rey, recibió indicaciones de que era mejor que fuera otro el monarca representado. Dejó de ser Renato para ser Alfonso.

El artista emprendió esta obra con el fin de ganarse el favor del rey Carlos III, amoldando su forma de pintar al gusto neoclásico que tanto agradaba al Rey. Esto es patente en la ordenación geométrica de la composición, en forma piramidal, con casi todos los personajes mirando al cielo como extasiados.

Se considera que es una de las obras religiosas más logradas de Goya, quedándose él mismo autorretratado en la figura del joven más a la derecha con chaleco amarillo.

El violento escorzo, con una vista de abajo hacia arriba, donde se sitúa el santo iluminado desde el cielo, lo utilizará posteriormente en las pinturas al fresco de San Antonio de la Florida.

El variado y luminoso colorido recuerda las pinturas de cartones para tapices pero detalla el rostro de los personajes, dotándoles de miradas propias y personalidad.

Curiosamente el propio Goya se pinta en la obra totalmente ajeno a lo que en la escena sucede y mirando a los espectadores en vez de a San Bernardino.



Retrato o autorretrato de Francisco de Goya


No hay duda de que quien vemos en este retrato es Francisco de Goya, que durante muchas décadas fue atribuido como autorretrato del propio Goya. Ahora hay algunas dudas propiciadas por el Museo de Arte de Boston, que es el propietario de la obra, sobre la autoría real.

Este dibujo de 11 centímetros de altura y realizado entre 1780 y 1783 con grafito y lápiz negro sobre papel verjurado y retocado con difuminos, cuando tenía entre 34 y 37 años, es la obra de un Goya asentado ya en Madrid tras haber realizado numerosas obras en Zaragoza y viajado a Italia, y empezar a ser valorado en su justa medida.

Este dibujo miniatura, guardado por Francisco de Goya entre sus propias pertenencias, pasó a su hijo Javier y luego a su nieto Mariano, hasta que lo compró Valentín Carderera y Solano. A partir de los hijos y nietos de este, la obra se escapó a los EEUU en donde permanece.

En aquellos años, Goya empezaba a trabajar para la Corte en Madrid, era académico de mérito en la Real Academia de San Fernando y pintaba en San Francisco el Grande. 

En esta iglesia, en la obra Predicación de San Bernardino de Siena, realiza un autorretrato pintado y muy similar a este dibujo. La mayoría de expertos siempre se han pronunciado sobre la procedencia de Goya como autor de este dibujo, pero es cierto que las dudas sobre los materiales utilizados obliga a tener que seguir estudiando el trabajo.


18.4.24

¿Vosotros os hubierais llevado este cuadro a casa?


Este cuadro cambió de dueño ayer. Alguien lo tiró a la calle, lo despidió de su casa y lo dejó apoyado por si salían voluntarios. Estuvo en el centro de Zaragoza hasta poco después de verlo.

Lo he cortado para que no se vea, pero en mi imagen original se observa a la izquierda un señor cuarentón que tras mirarlo repetidas veces se lo llevó. Pero hay una duda. Una gran duda.

¿Se lo llevó por el lienzo del mar rompiendo con unas olas potentes, o simplemente prefería llevarse el marco que estaba adosado a las olas?

Yo me lo hubiera llevado por todo menos por el marco, que le sienta como poner unas pistolas a un santo. pero tenía un día lleno de viajes y reuniones.

En muchas ciudades de los EEUU,o es muy habitual que los vecinos dejen lo que ya no quieren, en días muy determinados, en las puertas de sus casas para que otros vecinos los aprovechen, los usen.

Igual es que el primer dueño era americano, y quiere poner de moda esa buena costumbre.

¿Qué os parece la obra? ¿Estará viva en alguna pared?

MPA

Bicho bellamente asqueroso en el centro de Pontevedra

Los monstruos se multiplican ellos solos, incluso llegan a calles de ciudades alejadas de los circuitos del terror, como Pontevedra, donde ya quieren ocupar sus espacios propios. No hay que fiarse de los bichos azules.

Nos miran con sus varios ojos y nos intentan poseer. Pero ya no engañan a nadie, sean azules o amarillos, rojos o violetas, sobre todo son planos y no parecen moverse. Aunque aun así, hay que mirarlos. 

Es simplemente arte urbano, arte efímero, es sobre todo arte agradable para mirar mientras se pasea. 

También lo feo puede ser agradable y simpático.


El dolor y la muerte en el World Press Photo 2024


La imagen que vemos en la siguiente página ha ganado el World Press Photo 2024. La fotografía muestra a una mujer palestina, Inas Abu Maamar, que abraza el cuerpo sin vida de su sobrina de cinco años, Saly, envuelto en un sudario, en el hospital de Nasser, en 
Gaza.

Esta imagen realizada por Mohammed Salem para la Agencia Reuters, fue tomada el 17 de octubre de 2023, y se publicó por primera vez en noviembre de ese año. 
Nos muestra a una mujer adulta de 35 años y a una niña envuelta en un sudario que falleció junto a su madre y su hermana a causa del misil israelí que alcanzó y destruyó su hogar en Jan Yunis.

No solo muestra el dolor insufrible de la debilidad de las personas ante lo que no es posible entender, sino además, retrata la desesperación ante el futuro, abrazando de alguna manera a la muerte, como único presente.

Goya y sus dos obras de José Antonio Caballero


La figura de Francisco de Goya es fabulosa para las notas y noticias. Constantemente van saliendo obras no muy conocidas, que van pasando de manos pues es un artista muy actual, muy bien valorado fuera de España y muy respetado en todas sus vertientes artísticas.

Esta obra que vemos arriba es "Retrato de José Antonio Caballero, segundo marqués de Caballero, secretario de Gracia y Justicia" pintada por Goya en el año 1807 y que en la actualidad está en el Museo Huntington de Pasadena en California, desde finales del año 1023.

Esta obra está puesta en la actualidad en el despacho del fundador del Museo Huntington, el dueño de Pacific Electric Railway a principios del siglo XX. Hablamos de un gran museo con más de un millón de visitas al año.

La familia tenía una gran admiración por España y su cultura y Arte, llegaron a tener una vivienda en Valladolid y un sobrino llamado Archer que era realmente quien admiraba España, llegó a fundar la Hispanic Society en Nueva York en el año 1904.

De esta obra hay cuatro copias, posiblemente solo dos de Goya, esta de arriba que fue la primera, y una que se encuentra en el Muzeum de Budapest y vemos abajo

Una tercera de su taller pero que está inacabada y se encuentra en Houston, y una cuarta que se hizo posterior a Goya.

El tamaño de esta obra original es de 105 centímetros de alto, pero en las imágenes que vemos le he cortado algo de la zona de arriba, pues a veces en algunas obras (y que me perdone si se entera el autor) sobraba espacio en las zonas altas, posiblemente pensando en que irían colocadas en paredes muy altas.

Nota.: Si os parecen idénticos los dos cuadros, observar el papel que lleva en la mano, y veréis que son diferentes. Repito, la de arriba está en los EEUU y la de abajo en Hungría.



La fotógrafa Montserrat Soto y su Infierno Ciego


La artista catalana (y castellana pues vive en Burgos desde hace más de una década) la fotógrafa Montserrat Soto, nos presentó estas obras que en su conjunto tituló "Infierno Ciego" y que había realizado en el año 2018. Una serie de fotografías impresas digitalmente sobre papel que muestran una particular manera de mostrar los paisajes que se dejan ver desde múltiples capas visuales.

Sus 35 años realizando exposiciones individuales le avalan para mostrarnos casi siempre en series, sus paisajes en donde intenta mostrarnos sus partes oscuras, sus destrucciones, su acción inevitable que influyen en quien los observa.

En el año 2019 recibió el Premio Nacional de Fotografía, por su "preocupación por la ecología y la memoria" y que se suma a muchos otros premios menores.

17.4.24

Juan Aguirre y su "El Chaparral"


Esta obra del artista madrileño Juan Antonio Aguirre, realizada en el año 1977 la tituló "El Chaparral" y se realizó en acrílico sobre lienzo.

Además de pintor, Juan Aguirre fue teórico de Arte e impulsor de la llamada Nueva Generación, un nuevo constructivismo artístico cercano al Arte Naif

Su obra escrita más importante es el libro que escribió en el año 1969, titulado: Arte último: la Nueva Generación en la escena española.

16.4.24

"Elementos para un Discurso" de Antonio Fernández Alvira


No siempre es sencillo calificar de Arte todo lo que vemos ya catalogado como Arte. Sobre todo por la propia subjetividad de la palabra Arte. De entrada os recomiendo que veáis la serie "Bellas Artes" creada con un trabajo coral de Gastón Duprat, Mariano Cohn, Andrés Duprat y Martin Bustos.

Esta obra que vemos es una estructura de metal, resina y pigmentos creada por Antonio Fernández Alvira titulada "Elementos para un Discurso" y realizada en el año 2019.

Es una de esas obras de las que podemos discrepar o no, que tiene elementos como bien dice su título, para poder hablar del Arte y de hasta dónde llega. O de donde proviene. Y sobre todo hasta dónde quiere llegar.

El Arte no es nada, o es todo, depende del espectador. Sobre todo porque Arte es la música, la danza, la fotografía, el teatro, la pintura, la escultura, la performance. Son elementos provocadores sobre los que se puede hablar sin que nadie nos sintamos mal.

No siempre vemos lo que se nos muestra


En el Arte a veces se juega a engañar un poco. A mostrar lo que casi no se ve, lo menos habitual, a enseñar sueños o miradas personales.

Esta obra solo la veríamos bien si nos alejamos mucho. Es como el puntillismo de hace unos siglos, pero en versión moderna con un collage que tapa y muestra para engañar.

15.4.24

Joaquín Sorolla y su obra ¡Triste Herencia!


Vamos a empezar el día observando esta obra de Joaquín Sorolla, pintada en el verano de 1899 en Valencia. El propio Sorolla nos explica la obra que tituló: ¡Triste Herencia!

"Un día estaba yo trabajando de lleno en unos de mis estudios de pesca valenciana, cuando descubrí a lo lejos unos cuentos muchachos desnudos dentro y a la orilla del mar, y vigilándolos, la vigorosa figura de un fraile. Parece ser que eran los recogidos del Hospital de San Juan de Dios, el más triste desecho de la sociedad (palabras de Sorolla) ciegos, tullidos, locos y leprosos.No puedo explicarle a usted cuánto me impresionaron, tanto que no perdí tiempo para obtener un permiso para trabajar sobre el terreno, y allí mismo al lado de la orilla del agua, hice mi pintura".

Este cuadro del que existen numerosos apuntes y dibujos, se pintó con la luz de la tarde, que era algo que dominaba perfectamente Sorolla.

13.4.24

Goya en el subsuelo de Zaragoza


En los subsuelos de la ciudad de Zaragoza se puede encontrar a Goya repintado, encoscado, mostrando sus grafismos para que sepamos bien en qué ciudad estamos.

No es sencillo encontrarse estos murales, aquí vemos solo una parte de ellos. Están en la Estación Goya de trenes. Pero es una estación sobre todo para cercanías o trenes de media distancia.

Francisco de Goya en Zaragoza es mucho más que un recuerdo, es sobre todo un icono de Arte que llena muchas zonas de la ciudad. Y en pocos meses de espera, todavía será más, cuando se abra ya remodelado el Museo de Zaragoza, que junto al Museo Goya, dará más visibilidad al genio de Goya.

Thomas Devaux, fotógrafo que crea pinturas


Thomas Devaux
es un fotógrafo francés que crea pinturas impresas en alta calidad a base de fotografías comunes muy tratadas en su laboratorio digital. 

Crea pintura sin pintura, crea Arte Fotográfico como si buscara crear obras pintadas.

O lo que sería muy similar, utiliza la fotografía como herramienta para crear cuadros pictóricos.

Elena Lapeña Aznar y su "Díptico Naranja"


La artista zaragozana Elena Lapeña Aznar nos muestra dos obras para la XXIX Exposición de Arte Contemporánea para Aspanoa, que se complementan y que ella llama "Díptico Naranja", realizadas con técnicas mixtas sobre tela. 

Hay obras de Arte que a cada uno nos atrapan por diversos motivos, casi nunca fácilmente explicables. Estas dos obras son sencillas en su trazo pero contundentes en su color y en sus formas y volúmenes. 

La mezcla de pintura aguada con formas mucho más expresivas le confieren un cuerpo muy interesante que ayuda a que te atrape y te retenga más de lo habitual.

12.4.24

Un Fernando VII de Goya, poco conocido


Un retrato del rey Fernando VII pintado por Francisco de Goya, y que le encargó el Ayuntamiento de Talavera de la Reina (Toledo) para sus dependencias hace más de 200 años al pintor y que había desaparecido durante el inicio de la Guerra de la Independencia nada más ser pintado y en su traslado a Talavera, ha aparecido de manera bastante sorprendente en la Comunidad de Madrid, en manos de un propietario particular.

Tras 15 años de búsqueda, el abogado y tasador de arte Javier Gallego ha dado con el paradero del cuadro, de unas proporciones de 69 centímetros de altura. El Rey Fernando VII aparece cuando tenía 23 años, uniformado con la banda de Carlos III, varias insignias y el Toisón de Oro.

Una obra de Goya que pasa de mano en mano hasta reaparecer en lo que parece más una historia increíble y de ficción que algo real. Robada por los franceses como saqueo de guerra y que es devuelta o recuperada en 1813, para que el propio Fernando VII se la regale al Duque de Wellington, a Inglaterra, para venderla años después hasta que finalmente vuelve con los años y ya en el siglo XXI a manos españolas de un particular.


Mujeres de Afganistán sin derechos, por Beata Praska


Hablar de la situación de la mujer en Afganistán en el siglo XXI en estas décadas absurdas y consentidas por el mundo, es ponernos a todos los vergüenzas dentro de nuestros corazones.

¿Por qué esas mujeres no tienen ningún derecho? 

¿No somos todos, responsables de eso?

Esta fotografía es de la artista Beata Praska, una profesional de la imagen y sobre todo el retrato, afincada en Madrid, que nos muestra en Zaragoza esta imagen titulada "Los tobillos cautivos" dentro de una exposición titulada "29 Miradas de la mujer en Afganistán".

En esta fotografía se nos recuerda que las mujeres en Afganistán no pueden mostrar sus tobillos, y que aunque lo hagan para no saltarse sus costumbres y órdenes de sus culturas y maridos, en realidad llevan una tobillera, una pulsera de plata para ser esclavas de esas costumbres, para estar simplemente atadas.

El zaragozano CAYO y sus huesos de muerto


El artista urbano zaragozano, que también trabaja el acrílico sobre otros soportes diferentes al muro y la pared, al que conocemos como CAYO o como David Sanz, nos presenta esta obra titulada "INRI, El Señor del Hueso", realizado en el año 2023 y de alguna manera similar a otra obra suya que se podría ver en las calles zaragozanas.

Calaveras y color, negros y blancos, modernidad urbana, ciertos toques mexicanos de Arte Urbano, y sobre todo un grito al cambio social, a la humanidad, a poner color positivo a la vida.

Universalismo constructivo, de Joaquín Torres García


Del conocido artista uruguayo Joaquín Torres García, una obra al óleo sobre tela del año 1933, titulada "Constructivo en Blanco y Negro TBA". Una clásica obra sin color alejado del blanco y el negro, del "Universalismo constructivo" una corriente pictórica sobre todo, creada por el mismo artista.

La obra pertenece a la Fundación Telefónica.

11.4.24

Expresionismo abstracto de Jesús Guerrero



Hoy voy a dejar una obra de un gran profesional del Diseño Gráfico, y pintor de explosiones de color, entre otras temáticas. 

Como pintor su nombre creo que no ha pasado a la historia, aunque su nombre sea igual al de otros artistas más conocidos. 

Esta es una obra de Jesús Guerrero del año 1993.

Esta obra la conozco muy bien, incluso la utilizo para probar objetivos fotográficos, por poner un detalle, pues su función principal es agradar algunos días propios.

Es sin duda una obra explosiva. Un cuadro abstracto, un expresionismo abstracto que me recuerda a su forma de ser, contundente con las calidades de sus trabajos, en donde buscaba posiblemente lo que nadie era capaz de ver. 

Un gran hombre, sin ninguna duda, muy exigente pero muy cercano, que me hizo este regalo espléndido. Por donde esté viéndome, que sepa que lo sigo admirando.

10.4.24

Arte con Inteligencia Artificial. ¿Es del todo artificial?


Con el uso de la Inteligencia Artificial en el Arte tengo serias dudas. Podría ir a lo fácil, y decir que lo aborrezco y que Crear con IA no es Crear, sino copiar, a lo sumo decirle a una máquina que me haga lo que yo no sé hacer.

Pero en realidad la fotografía es muy similar a eso. Utilizamos una máquina para coger lo que nos gusta de lo que vemos. Pero somos nosotros los que le decimos a la máquina fotográfica qué queremos que haga, que retenga, que nos lo traslada en un fotograma.

Todo el mundo puede fotografiar lo que hacen los grandes fotógrafos como Sandra Platas por poner un ejemplo. Pero el valor de su obra no lo tiene ni la cámara ni sus artilugios, sino sus decisiones con esas máquinas.

Con la misma Canon alguien puede hacer algo muy mediocre y otras personas con sus miraras y formas de ordenar a la máquina que dispara con unos baremos determinados, puede crear maravillas.

Es verdad que la IA nos facilita mucho las cosas. Pero cuando pasamos de revelar en casa los negativos y a positivar con la ampliadora, a simplemente tener imágenes digitales en el instante, también se nos facilitaron mucho las cosas. 

Hoy hay millones, miles de millones de personas capaces de hacer fotografías con lo que llevan dentro de su bolsillo. Pero no por eso la buena fotografía ha perdido calidad aunque en su conjunto, estadísticamente y si sumamos todas, lo haya perdido.

La imagen que vemos es IA, una imagen ordenada a un programa con unas normas y unas órdenes muy concretas. Una persona con un gusto artístico determinado le ordenó hace "algo". Y tras eso, se encuadró y se retocó en un programa informático para realzar algunas partes de color y para potenciar algunos detalles.

Utilizar las herramientas que existen no es Artificial. Hace no tantos año para ir de San Esteban de Gormaz a Soto de San Esteban, me llevaban en un carro con mulos. Ahora y desde hace décadas, ya me llevan en taxi. ¿Es eso artificial?