Adoración de los Magos de Giotto. Inicio del Renacimiento

En el año 1305 Giotto pintó esta obra de la que vemos el conjunto y un detalle del niño Jesús. Era el inicio del Renacimiento, y se buscaba un nuevo realismo contemplativo, crear realismo en las escenas, se buscaba la profundidad de campo, colocando a las figuras en escenarios casi teatrales. 

Esta obra es el fresco de la Adoración de los Magos, pintado por el maestro italiano Giotto di Bondone. Forma parte del famoso grupo de la Capilla de los Scrovegni en Padua, Italia, representando escenas de la vida de Cristo. Durante dos años estavo Giotto pintando esa capilla con esta obra y otras similares.

La escena muestra a los Reyes Magos adorando al Niño Jesús, con un detalle notable de un cometa en el cielo que inspiró la interpretación científica de la Estrella de Belén.

Si vemos el detalle que he elegido, se puede observar al Niño Jesús vestido como en la época. Ya no aparece desnudo, algo lógico por los fríos de diciembre.

Este fresco, de dos metros de altura, destaca por ser una de las primeras obras en introducir un paisaje realista y profundidad espacial. Giotto representó a los Magos adorando al Niño Jesús, quien es sostenido por la Virgen María se encuentra bajo un techo de madera que simboliza la pobreza y el nacimiento de la Iglesia.

El elemento más icónico de la obra es como comentaba antes la Estrella de Belén, pintada como una cometa brillante en el cielo. Se cree que Giotto la concibió tras observar el paso real del Cometa Halley en 1301. Esta conexión astronómica fue tan notable que la Agencia Espacial Europea nombró Giotto a su famosa sonda espacial. 

Los tres Magos ofrecen oro como rey, incienso como Dios, y mirra como hombre, y el rey más anciano aparece arrodillado besando los pies del Niño Jesús, tras haberse quitado la corona real, mostrando sumisión ante lo Divino. Se puede observar que no hay ningún Rey de raza negra, todos son blancos.

La Sagrada Familia está representada bajo una estructura de madera que simboliza tanto el pesebre y la pobreza como la futura Iglesia que se estaba construyendo con pocos materiales todavía.

Nacimiento del Renacimiento en la pintura

Con la llegada del Renacimiento en el Arte, tras el Gótico, lo que sí hubo fue una nueva consideración con los artistas, que hasta ese momento eran más considerados artesanos que artistas creadores.

Se siguió considerando que lo más importante era divulgar la palabra de Dios, pero aumentando el papel filosófico de sus historias dando un papel más importante a los artistas que creaban desde su punto de vista, las historias que creían importantes.

El Renacimiento nace desde Italia y Flandes (actual Bélgica) hacia Europa, u durante dos siglos desde los inicios del XIV, sobre todo con la llegada de la imprenta, se amplían los usos del Arte entre las familias poderosas, lo que facilita un tipo de negocio para ricos y eruditos, que facilita la expansión.

Es cierto que durante la Edad Media y aún durante buena parte del Renacimiento, pintores y escultores trabajaban en talleres y corporaciones y pertenecían al mundo de los oficios manuales y que el cambio fue progresivamente, sobre todo en Italia, que comenzó a valorarse más la personalidad y la capacidad intelectual del maestro.

El arte religioso siguió teniendo una importancia enorme, eso sin duda, pero el Renacimiento amplió notablemente los temas ampliando hacia la mitología clásica, historia antigua, retrato, alegorías, temas cívicos y asuntos profanos.

Poco a poco los temas religiosos puros perdieron fuerza —aunque continuaron ocupando un lugar fundamental—, y el humanismo y la recuperación de la cultura clásica ampliaron los asuntos representados y la forma de tratarlos. 

Aunque los artistas seguían trabajando, en su mayoría, por encargo y sujetos al tema elegido por sus clientes, fueron adquiriendo mayor libertad para interpretar las historias, construir las escenas y aportar a ellas una visión artística propia.

El gran cambio no fue que el artista pudiera pintar lo que le diera la gana, sino que empezó a reconocerse por los que hacían el encargo que, aun pintando un tema encargado, Rafael, Leonardo o Miguel Ángel aportaban algo que pertenecía específicamente a los artistas Rafael, Leonardo o Miguel Ángel.

Ahí está una de las transformaciones esenciales de la consideración del artista durante el Renacimiento. La aspiración a elevar la pintura al rango de actividad intelectual o «arte liberal» en donde el papel del artista era ya importante.

En estos dos siglos suceden algunos asuntos tremendamente importantes para el Arte. En el año 1454 se publica el primer libro impreso que es la Biblia de Gutenberg, y pocos años después y sobre el año 1470, la pintura al óleo se impone sobre los frescos y el temple al huevo sobre tabla, por ser un método de secado mucho más lento, lo que permitía a los artistas hacer rectificaciones y tener más calma para crear los detalles y las obras. El óleo dio al nuevo artista renacentista una herramienta mucho más flexible para interpretar personalmente la realidad.

En Europa hay constancia del empleo de aceites secantes como aglutinantes pictóricos al menos desde el siglo XII. Es decir, se mezclaban pigmentos con aceites —principalmente linaza o nuez— mucho antes del Renacimiento y la gran revolución técnica del óleo llega a Italia desde el norte de Europa, especialmente desde los Países Bajos.

En Italia como cuna del Renacimiento existía una tradición potentísima de pintura al temple de huevo sobre tabla. El pigmento se mezclaba normalmente con yema de huevo y se aplicaba sobre tablas preparadas con yeso. Esa fue una técnica fundamental en la pintura medieval italiana.

En la imagen podemos ver unos de los primeros ejemplos de pintura del Renacimiento, todavía al fresco y no al óleo. La obra Lamentación sobre Cristo muerto es una escena del pintor italiano Giotto de Bondone (Giotto). Está realizado al fresco, y fue pintado entre sobre el año 1305 y está situado en el centro de la pared izquierda de la Capilla de los Scrovegni de Padua.

Milton H. Greene y Marilyn Monroe

El fotógrafo Milton H. Greene nos muestra en esta imagen en la que vemos a Marilyn Monroe en el año 1955 una imagen muy emotiva, triste y tal vez incluso derrotada. El fotógrafo supo captar lo que ya era un declive como persona con salud débil, aunque estuviera en lo mas alto de su carrera cinematográfica. 

Era un ser humano herido, se sabía un objeto manipulado, un producto que se vendía con los arreglos necesarios pero sin detectar que era frágil y que ya empezaba a sentir incluso miedo y asco de sus alrededores.  El fotógrafo supo rascar en su interior, a través de una sesión de fotografías muy personales y hoy muy válidas.

Aquel mes de marzo de 1955 quedaba todavía lejos de su posible (o no) suicidio en 1962. Muestra a una Marityl moderna pero no anclada en la moda de mujer fatal, con tacones altos y unos modelos de ropa muy sofisticados. De hecho hizo más por la moda casual pero moderna, de lo que nos imaginamos.

Nace el Arte Gótico, para que entre el Cielo

El llamado Arte Gótico comienza en el año 1140 más o menos, con el encargo de la reconstrucción de la iglesia de Saint-Denis en París y dura hasta el año 1500. Nace en Francia y se expande enseguida por Europa.

La idea con ese trabajo de reconstrucción era crear unos grandes mosaicos vidrieras sobre los ventanales, por los que entrara a la basílica una inmensa luz de color que ellos mismos llamaron: "La luz líquida que venía del cielo".

Se inicia una arquitectura muy elevada, buscando precisamente esa luz, acercarse al cielo, y reflejar que era como entrar por la puerta del Paraíso.

Otra vuelta de tuerca al Arte Religioso, para crear sensaciones, para convencer a los fieles de que aquello, con todo el Arte posible, era acercarse en vida a lo que sería la Eternidad. Era plantear la enseñanza de las religiones imperante desde los conceptos, las sensaciones, más que desde la pedagogía de las imágenes.

Era llenar de Arte nuevo lo que ya era una nueva forma de entender la religión. Y era también separarse de las nuevas órdenes religiosas que se fundaron en el siglo XIII, los dominicos y los franciscanos, que buscaban más cuidar la pobreza, la oración y el estudio, los martirios y la pedagogía religiosa más acercada a la anterior.

Se buscaba que aquellas vidrieras se admiraran por lo que representaban, no por ser Arte, aunque sin duda impresionaban a los que entraban en aquellas enormes catedrales, quedando impresionados por todo. Se buscaba con aquel Arte que los espectadores, ya dentro de las iglesias, se emocionaran con tanta belleza que casi parecía irreal.

Vidrieras, arquitectura, esculturas y retablos, pinturas y frescos, o tapices y libros pintados o iluminados para contar la historia de la religión y para emocionar. Se buscaba la naturalidad, mostrar ese momento de aquella actualidad con sus ropas, sus instrumentos de uso, sus propios gestos de aquellos años.

Y sobre todo hacer creer que aquello era la entrada a Dios, un lugar muy diferente, luminoso, inmenso, elevado hacia los Cielos.

Coco Escribano y una escultura colorista

La pequeña escultura que vemos es de la artista Coco Escribano, de su exposición de 2015 en el Centro de Historias de Zaragoza, titulada "Play House" en donde nos hablaba de esa dualidad del ser humano, capaz de crear y de destruir, de intimidad o de tristeza.

La artista Coco Escribano nació en Quintanar del Rey, Cuenca, en 1984. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha, aunque ha residido durante varios años en Zaragoza, donde ha expuesto en varias salas y colaborado con Believe in art.

Coco Escribano vivió su infancia en su Cuenca natal durante los años 80 y 90, una época de explosión artística en una ciudad cuna de la abstracción en España. Creció rodeada por la sensación de poder conseguir todo lo que uno se propusiera. Ese sentimiento, de la mano de las negativas consecuencias de una desmedida autoexigencia, abonaron desde muy pronto su obra de ilustradora. Recientemente, en esa línea, ha expuesto en la Fundación Antonio Pérez (Cuenca) piezas bajo el título “Wonderful life”.

Actualmente su trabajo se diversifica en dos campos. Por un lado, desarrolla su obra más personal como artista plástica, dando el paso desde la ilustración al lienzo, y por otro lado lleva a cabo su trabajo como ilustradora colaborando con marcas como Casio o Compañía fantástica, y con editoriales y revistas como Penguin Random House, Bala Perdida, Glamour o Marie Claire.

En sus últimos trabajos crea imágenes y esculturas que nos hablan de la positividad tóxica sin ser obras totalmente naif. En nuestra sociedad la felicidad se ha convertido en una de las principales metas como individuos, una especie de religión donde el Dios es un gran Smile que brilla como un sol abrasador.

Esa felicidad tan ansiada podemos verla en redes sociales, en la publicidad e incluso en los servilleteros y azucarillos de las cafeterías. En su obra, Coco refleja lo grotesco de ese afán, cuando se convierte en un dogma, cuando la sociedad dicta unas expectativas de plenitud, rendimiento, realización y felicidad, así como la desdicha que se apodera de nosotros cuando no las alcanzamos.

Sus obras son un autoejercicio para entender cómo nos comportarnos como individuos en la sociedad y cómo esta nos influencia en ese comportamiento y en nuestro estado anímico. Nos presenta a mujeres vestidas con trajes estampados de personajes coloridos y alegres que contrastan con la expresión de tristeza, inquietud e incertidumbre de sus rostros.

Nota.: Parte de los textos son de su propia página web.

Sopas Campbell’s de Andy Warhol

Hoy os dejo una muestra de 10 Sopas Campbell’s de Andy Warhol como ejemplo para disfrutar del día. Sí, es una obra que parece sencilla, una obra Pop que aunque aquí estarán impresas, en realidad eran pintadas.

Las sopas Campbell’s de Andy Warhol nacen en 1962 con la serie Campbell’s Soup Cans y fueron en un principio 32 lienzos, uno por cada variedad de sopa Campbell’s existente entonces. Cada lienzo mide unos 50,8 × 40,6 cm. Aunque parecen impresos industrialmente, los originales estaban pintados a mano, con algunos detalles estampados.

Se expusieron primero en la Ferus Gallery de Los Ángeles, colocados como productos en estantería de supermercado. La importancia está en que Warhol convirtió un producto corriente, barato y repetido en icono artístico. Hoy todo el mundo que conozca algo del Arte Moderno, asemeja estos botes de sopa con la obra de Andy Warhol.

No idealiza el objeto y lo presenta casi como una mercancía pura. Ahí está la clave del Pop Art. Simplemente publicidad, consumo, repetición, marca, cultura popular. Y un producto artístico repetitivo, fácil de reproducir, barato incluso si se ofrece como copias.

Las obras de las sopas Campbell’s no son una sola obra, sino un motivo central dentro de todas las obras de Warhol como sus repeticiones con variables de Marilyn.

Empiezan estas sopas como pintura manual en 1962, pasa a ser unas obras repetidas y más populares como serigrafías entre 1968 y 196969, y acaba convertido todo el conjunto en emblema de su relación entre arte, publicidad y consumo. Hoy no es ya posible identificar una sola de esas 32 Sopas, pues todas nos parecen iguales, todas nos aseguran mentalmente que son de Andy Warhol.

Años posteriores, Andy Warhol y sus descendientes en la propiedad de sus obras, siguieron reutilizando el motivo en dibujos, encargos, objetos firmados, campañas y versiones tardías. 

En 1985, incluso volvió al tema Campbell’s en trabajos vinculados a encargos comerciales de la propia marca. Os dejo una relación de las distintas opciones que sobre las famosas Sopas Campbell’s se hicieron de forma original. De todas ellas hay múltiples impresiones de todo tipo.

Año 1962 — Campbell’s Soup Cans.
La serie original de 32 lienzos, con sabores como Tomato, Chicken Noodle, Vegetable, Beef, etc. Fondo blanco, lata roja y blanca, composición frontal casi idéntica.

Año 1962 — Latas individuales pero con variantes.
Warhol también hizo obras relacionadas como Crushed Campbell’s Soup Can, donde la lata aparece abollada o deformada, ya no como imagen perfecta de supermercado.

Año 1968 — Campbell’s Soup I.
Serie serigráfica de 10 estampas, ya no lienzos únicos. Aquí el método industrial cobra más importancia: repetición mecánica, colores planos, tirada múltiple.

Año 1969 — Campbell’s Soup II.
Otra carpeta de 10 serigrafías, con variantes más llamativas y menos “fieles” al envase original. Aparecen sabores distintos y un tratamiento más gráfico.

Esta muestra que vemos está expuesta temporalmente en el Centro de Historias de Zaragoza, y son serigrafías del año 1962.

El plátano de Andy Warhol

Este cartel de Andy Warhol de 1967 era para anunciar un disco y unas actuaciones del grupo de rock The Velvet Underground que en este caso iba acompañados de la cantante alemana Nico (Christa Päffgen).

Andy Warhol produjo este disco, aunque su influencia no fue mucho y los auténticos productores y los que controlaron mazclas y calidad de la producción, nunca salieron del anonimato. Se les atribuye a Norman Dolph, John Cale y John Licata, pero no aparecen en el disco.

Nos queda el diseño de Andy Warhol y por eso lo traigo hasta aquí. El primer plátano que se hizo famoso en el mundo del Arte.

Fotografía erótica de hace un siglo

Una de las variantes que tuvo la fotografía cuando se empezó a popularizar su consumo y compra, fue el erotismo en forma de postales. La gente, los hombres generalmente, desde finales del siglo XIX a principios del siglo XX, empezaron a descubrir que la fotografía también podría darles un recuerdo de bolsillo. 

El gran cambio en Europa llegó entre las décadas de 1880 y 1910, cuando confluyeron varios factores, aunque desde 1839 cuando se presentó oficialmente el daguerrotipo se abrió un nuevo camino comercial de impresión fotográfica.

Apenas unos pocos años después ya existían retratos de desnudos, primero con finalidad artística y académica —como ayuda para pintores y escultores— y muy pronto, con un claro objetivo comercial.

Las cámaras se hicieron más sencillas. Las copias fotográficas se abarataron enormemente. Mejoraron los sistemas de impresión. Aparecieron servicios postales muy eficientes. Creció una amplia clase media con capacidad de consumo. Fue entonces cuando el mercado de la fotografía erótica adquirió dimensiones verdaderamente europeas como una moda de la época.

París fue, sin discusión, la capital en la que nació esta industria. Allí trabajaban cientos de fotógrafos especializados. Muchos producían imágenes aparentemente "artísticas", inspiradas en la pintura clásica o en la mitología, para esquivar la censura, mostrando las primeras mujeres desnudas.

Era frecuente encontrar modelos caracterizadas como:Venus, ninfas. mujeres orientales, bailarinas, alegorías de las estaciones o figuras históricas de griegos y romanos con ciertos toques artísticos en sus posturas. El desnudo artístico y erótico gozaba en aquellos años de una aceptación mucho mayor que el desnudo abiertamente sexual.

Paralelamente existía también un mercado clandestino mucho más explícito, del que hoy tenemos menos ejemplos conservados. Muchas fotografías se adquirían durante viajes a París, considerada entonces una ciudad mucho más permisiva que otras capitales europeas, y no era extraño esconderlas entre libros o equipajes para cruzar las fronteras.

A principios del siglo XX uno de los grandes fenómenos fotográficos fue la aparición de las tarjetas postales ilustradas. Millones de ellas mostraban a actrices incluso conocidas, a coristas y bailarinas con vestidos transparentes y poses insinuantes.

Aunque hoy puedan parecer inocentes, muchas de estas postales fueron consideradas escandalosas en su época. En ocasiones se vendían en librerías o quioscos a la vista de todos pero otras solamente bajo el mostrador y a clientes conocidos.

Ya no era solo París, varias ciudades de Alemania habían hecho un negocio de impresión con estos modelos, y a s vez tanto Austria como Italia empezaron a crecer en un producto que aumentaba en su consumo. Eras casi cromos como los de los niños, pero de mujeres insinuantes.

Era un negocio sorprendentemente moderno para aquellos años, una moda, y las fotografías circulaban mediante venta en estudios fotográficos o librerías especializadas. Había catálogos por correspondencia e incluso comerciantes ambulantes que iban por localidades pequeñas vendiendo este producto. También había un mercado de este producto en tiendas de artículos para caballeros y un intercambio entre coleccionistas, y a su vez también existían distribuidores internacionales que enviaban sobres discretos por correo. El Amazón de principios del siglo XX, hoy inimaginable.

En conjunto, la fotografía erótica de comienzos del siglo XX fue el resultado de la combinación de avances técnicos y abaratamiento de la impresión fotográfica o con modelos de impresión de calidad como el huecograbado, una demanda creciente y una moral pública que distinguía entre el desnudo artístico aceptable y la sexualidad explícita.

Esta última, lo que podríamos llamar pornografía, quedaba relegada a circuitos clandestinos pues era ilegal. Esa tensión entre arte, comercio y censura definió buena parte de la cultura visual europea de la época y anticipó muchos de los debates sobre representación del cuerpo que continuarían durante el resto del siglo XX.

Última cena, del año 1525

Hoy os dejo una Última Cena, puesta en la zona inferior del retablo llamado al “Annenaltar - Altar de Santa Ana” que se encuentra en la catedral de Frankfurt, la Stifts- und Pfarrkirche St. Bartholomäus, conocida como Frankfurter Dom o Kaiserdom. Más exactamente, lo que vemos es la predela con la Última Cena.

El Annenaltar (el retablo en su conjunto) está fechado hacia 1525 y se describe como franconio. Pero la predela con el Abendmahl / Última Cena se considera del Norte de Alemania,y se fecha a comienzos del siglo XVI. Un retablo en madera pintada, posiblemente del año 1525.

No he encontrado una atribución segura a un escultor concreto por lo que no puedo dar un autor conocido o reconocido. Muchos de los retablos de madera de la Catedral de Frankfurt no eran originarios de la catedral, sino que fueron adquiridos hacia 1880 por el párroco Münzenberger, muy restaurados y a veces recompuestos con piezas no originalmente pertenecientes entre sí.

Posiblemente este retablo, el Annenaltar, esté entre esos altares incorporados después. Eso significa que la obra está hoy en Frankfurt, pero no necesariamente fue hecha para Frankfurt. 

Retrato de Marie Friederike Charlotte

Aquí vemos a la esposa del farmacéutico o boticario Johann August Wilhelm Kunitz, construyó una colección cuidadosamente compuesta de arte y artesanía a lo largo de su vida y que hoy se puede ver en un museo abierto al público en el castillo de Heidelberg.

Se llamaba la persona retratada Marie Friederike Charlotte Kunitz, nacida Dreyer (1798 a 1885) y está pintada por el conocido retratista Paul von Mila en el año 1831, mientras que en el fondo podemos ver a bahía de Pomerania y la amplia vista de la ciudad de Cammin en el Camminer Bodden, hoy Kamień Pomorski, en Polonia.

La obra se encuentra en el Deutsches Apotheken-Museum, y el propio museo describe el cuadro como un retrato de gran calidad dentro del gusto Biedermeier, insistiendo en la elegancia del vestido oscuro de seda, la cofia con cintas y encajes, y el collar de oro floral que, según la tradición familiar, fue regalo de su esposo.

Técnica pictórica para crear movimiento

En esa exploración que a veces hago, en la búsqueda de/por técnicas pictóricas menos comunes, a veces me encuentro con obras sencillas, simples diría incluso, en donde se ha plasmado el mensaje de esa obra pictórica precisamente por la técnica utilizada.

Este es uno de ellos. Es un cuadro que me encontré en la ciudad de Friburgo, en Alemania.

El árbol da la sensación de tensión, de resistencia contra el aire fuerte que le azota. Y gran parte de eso se basa en dos conceptos muy simples.NO hay detalle, y la inclinación de los elementos nos lleva a pensar que existe una presión del aire del ambiente, que es incluso casi superior a la resistencia del árbol.

Las manchas de color, pintura mezclada a lo bruto, ayudan a esa sensación de plasmar el detalle sin que exista el detalle. Todo está en movimiento, también el color, las formas y el detalla de los elementos.

Pintura de oscuro a claro, sobre lienzo con base oscura

Esta obra que vemos, está trabajada con una técnica muy sencilla, muy utilizada y que ogra efectos muy interesantes. Vamos a aprender algo más de esta técnica artística.

Esta técnica no suele tener un único nombre absoluto, pero lo más correcto sería llamarlo pintura sobre fondo oscuro con reservas o también trabajo por reservas sobre imprimación oscura.

El pintor parte de una base muy oscura —negra o pardo-negruzca— y luego va construyendo las formas de oscuro a claro, añadiendo luces y color, pero dejando ver partes del fondo entre pinceladas para que ese colo oscuro actúe como sombra, o como contorno entre masas de color o como separación entre planos.

En este ejemplo se aprecia bastante bien eso:el fondo oscuro no desaparece del todo; queda visible entre zonas de color, ayuda a recortar ventanas, tejado, esquinas y cambios de plano, y da fuerza estructural a la imagen sin necesidad de dibujar todos los contornos de manera tradicional.

No es una técnica moderna, nueva, sino que los grandes clásicos ya la utilizaban. Se daba una imprimación oscura sobre el lienzo, cuando el cuadro se prepara, poniendo una base oscura sobre la que luego se pinta. y se trabaja de oscuro a claro, fórmula muy usada para explicar este modo de construir la pintura.

No lo llamaría simplemente “claroscuro”, porque el claroscuro es un efecto general de luces y sombras, mientras que aquí hay además una decisión técnica concreta, la de aprovechar el fondo oscuro visible como elemento de dibujo y estructura.La obra está resuelta mediante pintura sobre preparación oscura, trabajada por reservas, de modo que el fondo negro queda visible entre las pinceladas y funciona como contorno, sombra y elemento estructural de la composición.

El pintor no cubre toda la superficie desde el principio, sino que deja respirar el fondo oscuro en algunas zonas que pueden ser solo lineas o espacios finos o como en algunas obras clásicas, grandes manchas de fondo. Ese fondo al final no es un simple soporte, forma parte del cuadro y ayuda a construir la imagen.

Heilig-Geist-Kirche de Múnich, dos alegorías

Vuelvo con imágenes religiosas en ese Arte que se hizo para los analfabetos de las épocas antiguas, cuando las imágenes pintadas eran la necesidad de explicar a las personas creyentes, lo que no podía leer.

La obra de esta imagen que dejo arriba, tomada en Munich, es el mural alegórico septentrional de la Heilig-Geist-Kirche de Múnich, junto al Viktualienmarkt. Una de las dos grandes pinturas murales alegóricas situadas bajo la tribuna o zona del portal occidental, realizadas hacia 1750 por Joseph Ignaz Schilling y Joseph Weiß el Viejo.

En concreto, el mural del lado norte representa las virtudes de Esperanza, Caridad/Amor, Fe, Longanimidad, Fortaleza y Paz. El ancla de la Esperanza, el cordero como símbolo de pureza o caridad sacrificial, la cruz para la Fe, y la paloma del Espíritu Santo en la parte superior.

En la otra obra podemos ver la escena que está presidida por la paloma del Espíritu Santo en la parte superior, y varias figuras femeninas portan atributos simbólicos que remiten a virtudes, no a santas concretas o a un episodio narrativo histórico. Eso también refuerza que no estamos ante “dos cuadros sueltos”, sino ante un programa alegórico emparejado dentro del mismo espacio litúrgico.

Las obras están en una de las iglesias más antiguas de Múnich; su interior fue barroquizado en el siglo XVIII y sufrió una gran destrucción en la Segunda Guerra Mundial, siendo luego reconstruido y restaurado todo el conjunto. En ese mismo ámbito existe el mural compañero del lado sur, con otra serie alegórica: Templanza, Prudencia, Alegría, Justicia y Misericordia, que vemos abajo.

Un icono bizantino para adorar

A partir del año 313, cuando el emperador Constantino se convierte en cristiano, todo el mundo occidental cambia poco a poco en los conceptos religiosos y con ello en el uso del Arte para sus fines propagandísticos. Había que convencer a todos que aquello, nuevo, era lo correcto.

La inmensa mayoría de los ciudadanos de aquella Europa, desde toda Italia hasta Grecia o Rusia, eran analfabetos y para convencerles de que las Sagradas Escrituras eran imprescindibles para alcanzar el Cielo y la Vida Eterna, había que explicarles sus verdades a base de imágenes en público.

Había que convencer y enseñar aquella verdad, que salvaba a las personas de la muerte total. Y se hicieron mosaicos enormes, se pintaron paredes enteras de los interiores y exteriores de las capillas y las iglesias, para que los vecinos no tuvieran duda de lo que estaban escuchando por parte de los sacerdotes de la época. 

Daba igual si eran lugares públicas o estancias privadas de personas con poder o con dinero. Había que envolverse en lo que todavía no se sabía leer, solo era necesario mirar. Y surgen además los iconos durante el siglo VIII como forma de controlar qué se tenía que adorar.

Dios era al principio muy similar a Zeus, Cristo lo era similar al dios Apolo, y de esa manera era más sencillo entender de qué se hablaba, de dioses que habían venirnos a salvarnos. 

Los ciudadanos no entendían grandes narraciones o extrañas historias de las Sagradas Escrituras, buscaban y se les entregaban referentes sencillos.

Para los ciudadanos más formados se creaban libros escritos a mano como es lógico, con miniaturas más complejas en donde ya sí, se relataban episodios bíblicos. O se ampliaban poco a poco las referencias en los frescos de los santuarios, para poder ampliar las explicaciones de los sacerdotes.

Brillo, luz, oro, mucho oro y vidrieras que dejaran pasar la luz del cielo, se fueron distribuyendo por toda aquella Europa que veía crecer el cristianismo a una velocidad altísima.

Y los artistas bizantinos, casi todos ellos monjes, intentaban no hacer esculturas pues creían que eran ídolos, y se trabajaba mucho más las imágenes bidimensionales, sin sombras, planas, sin perspectiva, como referencias religiosas, casi como estampas.

Los iconos miran de frente, no se ve el cuerpo, solo el rostro, algún vestido y poco más. Son inexpresivos, sin casi vida pero con la simbología del Ser Superior. Fondos dorados, coronas, y sobre todo que nunca el fiel espectador pudiera pensar que fueran a ser personas como ellos. Eran seres diferentes, superiores.

Eran figuras de poder, con llaves muy grandes para abrir espacios celestiales, con cálices o emblemas para perdonar, y llevando la Cruz de Jesús como símbolo. Simplemente Poder.

Estos iconos ortodoxos se elaboraban sobre una tabla de madera recubierta de yeso y pasta de mármol y empleaban pintura al temple (mezclada con yema de huevo), pigmentos minerales y láminas de oro. Los monjes realizaban el proceso de creación tras periodos de ayuno, oración y purificación, buscando la inspiración divina para que les inspiraran.

Una alcantarilla italiana con mucho Arte

Nuestro corresponsal en Europa, Sara Paolucci,  farmacéutica aragoemiliana, en colaboración con Luis Iribarren, nos envía esta bella alcantarilla desde la localidad de Porto Venere, junto a La Spezia. en Liguria, Italia. 

Nos habla dicha obra de arte urbano de "Cinque Terre" que son cinco muy famosos pueblos de costa de su zona de influencia.

Sí, las alcantarillas también pueden llamar nuestra atención, como elementos urbanos que en algunos países quieren convertir en pequeñas obras de arte.

Un Buda Gupta del siglo IV

El Imperio Gupta fue para la India algo parecido a lo que el Imperio Romano fue para Europa, o la Atenas de Pericles para la antigua Grecia: una época de estabilidad, riqueza y enorme florecimiento cultural.

Se desarrolló aproximadamente entre los años 320 y 550 d. C., dominando gran parte del norte de la India. Aunque no fue el mayor imperio indio en extensión (el anterior Imperio Maurya había sido más grande), sí fue uno de los más influyentes desde el punto de vista cultural.

Imaginemos un país que durante siglos estuviera dividido en pequeños reinos, guerras e invasiones, y que de repente aparece una familia, los Gupta, que consigue unir buena parte del territorio. Con la paz llegan el comercio, la riqueza y el tiempo para dedicarse a la ciencia, el arte y la literatura. Eso fue, en esencia, el Imperio Gupta.

Muchos historiadores han llamado a este periodo la Edad de Oro de la India, aunque hoy algunos matizan esa expresión porque la prosperidad no fue igual para toda la población, algo habitual cuando un país o una civilización crece de forma rápida.

Fue sin duda una época extraordinaria por varios motivos. Estudios nuevo de las matemáticas, ingeniería, astronomía, del Arte, de la religión, la literatura, las normas sociales, etc.

La economía prosperaba gracias a la agricultura mejor planificada, al comercio interior, pero a su vez con las nuevas rutas comerciales con Asia. Se acuñaban monedas de oro de gran calidad, signo de una economía fuerte y muy comercial.

Muchas de las imágenes clásicas de Buda que hoy conocemos y se conservan, proceden precisamente de este periodo, aunque también florecieron la pintura mural y la arquitectura de templos.

Este Buda que vemos, del siglo IV es un ejemplo de esa nueva imagen que quisieron transmitir del Buda anterior, más clásico. Los Buda Gupta tienen el pelo separado en rizos pequeños, y los párpados caídos, y se convirtieron en el icono para las imágenes de Buda que se hicieron posteriormente.

"Una idea que se lleva a la práctica, es mucho más importante que una idea que solo existe como idea". Buda

La IA trastoca el Arte hacia otros modos

No hay duda de que la llegada de la IA de forma masiva a trastocado el Arte digital, e incluso el Arte Fotográfico y el Arte pictórico. Ya nada volverá a ser como antes, aunque nos parezca una barbaridad perder oficios con muchas décadas de crecimiento y aprendizaje constante. pero es la vida, y como esto mismo, ha sucedido antes con decenas de oficios de todo tipo, también artísticos. 

Queda volver o continuar la formación, utilizar la IA como una herramienta, pues solo es eso, aprender nuevas técnicas y nuevos usos. Estamos empezando con ella, no sabemos bien qué nos deparará, y sobre todo no sabemos bien qué usos le iremos dando en el campo artístico. 

Puede ser simplemente un facilitador de procesos, pues las ideas de momento son todavía del campo de las personas, pero es lógico suponer que también cambiará la forma de crear esas ideas desde dentro de nosotros mismos, y sobre todo de que entrarán nuevas personas a crear, si les interesa dedicarse a esto.

Podría perder valor el mundo del Arte, o al revés, podría subir de valor aquellas obras sobre las que no haya duda de que se han realizado sin la intervención de máquinas, algo complejo de poder demostrar en el futuro.

Lo importante será preguntarnos como siempre: ¿Qué queremos decir? 

Y lo de menos será: ¿Con qué lo queremos decir? ¿Utilizando qué herramientas, nos vamos a expresar en el futuro?

Os dejo tres imágenes para ilustrar estas ideas. Un grabado de Goya, ese mismo grabado unos minutos después de acontecido el heroico disparo de Agustina Zaragoza, y la misma escena vista desde otra óptica y por otro artista diferente. No quiero opinar, pero con todo ello se pude construir un relato diferente, que acompañe la historia. 

¿Hemos perdido el trabajo del diseñador, del dibujante? Sí. Pero antes perdimos el trabajo de los fotograbadores, de los fotomecánicos, de los escanistas. Y no sucedió nada. Bueno, sí tuvimos que adaptarnos a los nuevos tiempos.

Como es lógico suponer, la única imagen real es la primera, de un grabado de Francisco de Goya, de sus Desastres de la Guerra. El resto son imágenes creadas con la IA a base de órdenes que les he ido ordenando. Son mías, pues las órdenes son mías. Pero… ¿En dónde ponemos el listo de corte?

Visita a Art Basel 2026 en Basilea

He estado visitando Art Basel 2026 en Basilea, las nuevas tecnologías tienes esas ventajas, no es necesario viajar mucho y caro, para sentirte (casi) dentro del gran almacén que supone Art Basel. Puedes buscar un vídeo de casi media hora con el título Art Basel 2026 Unlimited Rundgang in Basel, y disfrutar (o no) como he hecho yo.

Mis conclusiones son una mezcla de varias apreciaciones esperadas. Por una parte hay que señalar que Art Basel es una feria, un mercadillo, un espacio para galeristas con ganas de vender y para coleccionistas muy ricos, con algunas ganas de comprar. Efectivamente, un mercado de Arte revueto pues hay muchas galerías mezcladas.

Hay que tener muchos millones para comprar. Eso es así. Sobre todo porque las obras, la mayoría de ellas, son tremendas, muy voluminosas, y debes tener una vivienda muy grande para meterlas, o unas oficinas tremendas o un garaje de camiones. Si las pones en un despacho, no entras.

El tamaño de las obras en el Arte Contemporáneo es (o lo parece) un activo positivo. Parece ser que aunque sea mediocre, si es grande ganas muchas opciones. Y puede ser verdad, pues el Arte nos entra a todos por la vista, antes de entrarnos en el cerebro. Nos llama lo que se escapa de la normalidad. 

Hay obras buenas, incluso hay obras —para mi gusto— muy buenas. Pero entiendo que eso va en selecciones muy personales. Hay obras que se repiten (o casi) con arreglo a ideas incluso viejunas. Pero hay vueltas de tuerca sobre otros proyectos ya vistos, que mejoran lo anterior. 

Pero el Arte no debe convertirse en solo Arte Tremendo, en Arte muy Grande, pues entonces para mi, pierde el sentido. A veces parece verse una selección de Ninot, de grande monumentos falleros de la costa levantina española. Pero en caro. Y no tengo dura: el Arte Fallero valenciano o alicantino debería ser respetado mucho más, y a veces salvado del fuego. Pero estamos hablando de otros conceptos artísticos que nacen para venderse y no para ser quemados.

Interesante propuesta la de Art Basel 2026 en Basilea, pero hay que explorar cambios, por parte de los artistas sobre todo, para impresionar más, para cambiar el Arte de este Siglo XXI, y así lograr que no parezca Arte del Siglo XX.

Por cierto, esta feria está hecha para personas mayores de 40 años, o puede que no. Pero es muy complicado ver jovenes entre sus visitantes, y eso se lo deberían hacer mirar.

Julio Puente

Naturaleza muerta, con copa dorada, de Pieter de Ring

El pintor holandés Pieter de Ring o Ryng, que trabajó en la primera mitad del siglo XVII, dejó una serie de bodegones muy reconocidos entre todos los que existen, muchas veces por la importancia que deba a las langostas, frutas no siempre muy conocidas y por dejar su firma en las obras con un anillo de oro pintado en una de las esquinas inferiores.

Murió joven con poco más de 40 años de edad, por lo que no sabemos de qué manera hubiera trascendido su obra si esta se hubiera movido hacia otros tipos de pintura.

Con este mismo título hizo varias obras: "Still life, with golden goblet" traducido como "Naturaleza muerta, con copa dorada". Y esta en concreto debió ser una de las últimas de su vida pues la realizó sobre 1660 o algo antes.

Vemos la obra completa y un detalle abajo.

Antonio López en Zaragoza. Sus palabras

El pintor pero sobre todo artista Antonio López ha estado en Zaragoza para plantear una ponencia dentro del Congreso 'El mundo que viene' realizado por Fundación Ibercaja. 

Os dejo unas respuestas que nos ha dejado en una entrevista para Heraldo de Aragón. Son perlas de un artista tremendo, y vivo, al que hemos disfrutado y visto de forma contemporánea.

La fotografía utilizada para acompañar esta entrada es de Víctor Mateo, para Heraldo de Aragón-

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Vivimos en un mundo amenazante. Lo que ocurre actualmente y se cuenta en los periódicos ya lo es, pero hay una amenaza de la que no se habla: los humanos nos creemos los dueños de todo, de los animales, de los ríos, de todo el aire, y lo vamos aplastando todo como unas bestias, como animales. Hay que vivir con más sensibilidad hacia lo que nos rodea, una vida más austera, porque esto que tenemos y disfrutamos tiene que durar más. No podemos acabar con todo.

Todos somos testigos de la historia. Yo pinto como mis amigos, los que formamos la llamada Escuela de Madrid; no hemos tenido una actitud crítica, somos más velazqueños que goyescos. Goya opinaba con su arte: veía algo horrible y hacía las pinturas negras, o los Caprichos. Nosotros elegimos mostrar cómo veíamos las cosas y dejar que la gente juzgase: una actitud admirativa.

He dedicado mi vida, más que a buscar la luz, a huir de la oscuridad más terrible, la ignorancia. Hay que aprender, intentar llegar a donde puedas en el conocimiento de las cosas, cada cual desde el sitio que esté. A mí, la curiosidad y el saber me han salvado la vida.

Me conmueve la música, hasta la lágrima. Es arrebatadora. Quizás no dura tanto en mí, eso sí. También puedo estar viendo una pintura que me gusta y la miro una y otra vez, puedo relacionarme con ella sin que me trastorne... pero la música, o ciertas músicas, sí me trastornan. La arquitectura también me impresiona: de hecho, ciertas obras arquitectónicas me parecen lo más grande que ha hecho el hombre. El Partenón, por ejemplo; si lo viésemos con todas sus pinturas, con la diosa dentro, no podríamos resistir la emoción. O Nötre Dame, o la herencia arquitectónica del antiguo Egipto, la Sagrada Familia de Gaudí… Yo me paso la vida mirando para atrás y no me canso. ¿Cuándo empieza el atrás, de todos modos? Yo le llamo memoria, y está en el presente. El futuro casi no lo considero.

La calma en el Arte Islámico

El Arte Islámico no intenta contar una historia con personas; intenta hacernos sentir que la belleza puede construirse con líneas, colores, ritmo y paciencia. Es un arte que convierte la geometría en poesía y las paredes de sus espacios, sean palacios, mezquitas o casas particulares, en un lugar donde la vista nunca deja de descubrir nuevos detalles.

Aunque hoy podemos hacer estos dibujos con un ordenador, hace casi mil años todo esto se realizaba a mano, pieza por pieza, con una precisión extraordinaria. Los artesanos tardaban meses e incluso años, en terminar la decoración de una sola sala.

Esta imagen muestra una parte de un edificio construido en España por artistas musulmanes hace muchos siglos. Este tipo de decoración pertenece al Arte Islámico, un arte que buscaba transmitir belleza, armonía y la grandeza de Dios sin necesidad de representar personas o animales. En muchos edificios religiosos del Islam se evitaba representar personas o animales para que la atención no se dirigiera hacia las imágenes, sino hacia Dios y hacia la belleza de la creación.

En su lugar vemos dibujos hechos con líneas, hojas, flores y formas geométricas que parecen repetirse una y otra vez. Los artistas musulmanes pensaban que el universo estaba lleno de orden y de belleza. Por eso decoraban las paredes con dibujos que parecían no terminar nunca. Era una forma de recordar que el mundo creado por Dios también es infinito y está lleno de equilibrio.

En sus obras destaca el azul y el blanco. El azul recuerda al cielo, al agua y a la tranquilidad. El blanco transmite limpieza, luz y pureza. Con muy pocos colores conseguían que los edificios parecieran elegantes y luminosos.

Hay varios tipos de dibujos, de figuras. Trabajaban los motivos vegetales, que parecen hojas, flores o ramas, aunque muchas veces son imaginarias, las formas geométricas, construidas con una precisión casi matemática, y a todo ello le añadían escritura árabe, que en muchos edificios también forma parte de la decoración, aunque en esta imagen apenas aparece, excepto en la zona alta. Todo está hecho con muchísimo cuidado. Cada pieza parece colocada exactamente en el lugar donde debe estar.

Si observas esta imagen durante un rato, probablemente notes que transmite calma. No hay nada que llame la atención de forma brusca. Todo parece estar en equilibrio, como si cada dibujo ayudara al siguiente. Es un arte que invita a mirar despacio.

Las obras de arte de Agustín Sciammarella

Esta es una mal llamada "Viñeta" pues es una auténtica obra de Arte con mayúsculas. O así me lo parece a mi. ¿Y quien dijo que las viñetas no podían ser obras de Arte con mayúsculas?

Está publicada en el diario El País como viñeta, hecha por el artista Agustín Sciammarella, un ilustrador caricaturista de prensa, argentino y lleno de premios, que trabaja para numerosos medios de comunicación de medio mundo. 

Tal vez haya exagerado yo, pero es que él también sabe exagerar en sus trabajos, como parte excelente de sus puntos de vista.

En esta obra que os dejo, ha retratado al expresidente de España José Luis Rodríguez Zapatero, ahora en horas delicadas. 

Rafal Milach y una imagen de su proyecto The Winners

El artista fotógrafo polaco Rafal Milach no deja una imagen curiosa por lo que representa como ejemplo que da la sensación de ser una imagen sin trabajar, mal elegida incluso, que cualquiera sin criterios podría hacer. No tiene nada que llame la atención… excepto que no parece una fotografía con arte, con capacidad de llamar la atención.

No es correcta esta apreciación precisamente por ser una imagen que refleja eso, el abandono, la anti estética, incluso la anti fotografía habitual. Parece hecha por un mal aficionado, y ese es su éxito de un artista con múltiples ejemplos de lo contrario.

En Madrid, dentro de la exposición "Refusal. Second Fractures" podemos ver muchas más obras de este autor dentro de PHotoESPAÑA en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Son pequeños ejemplos de imágenes hechas en Bielorrusia, que muestran su dura realidad, retratada por una persona que intenta transmitirnos un punto de vista real, matizado con ciertas dosis en los encuadres o en la elección del enfoque y del color.

“Trabajé un tiempo como fotógrafo oficial de prensa en Bielorrusia” —comenta Rafal Milach para El País—, como miembro de la agencia Magnum desde 2018 y activista. De ascendencia bielorrusa, viajó al país para conocer la localidad en la que habían vivido sus antepasados.

Esta imagen, dentro de su proyecto The Winners hecho entre los años 2011 y 2013, muestra precisamente ese punto de vista anquilosado, antiguo, congelado, casi esperpéntico de una sociedad que aparece sin proyecto por culpa de sus gobernantes.

David Hockney dejó de crear arte

Esta semana ha muerto el artista británico David Hockney que además de pintor, fue también impresor y fotógrafo además de escenógrafo. Hockney mantenía dos residencias en California donde vivió por temporadas durante treinta años: una en Nichols Canyon, Los Ángeles, y una oficina en Santa Monica Boulevard en West Hollywood, por lo que a veces se ha pensado que era más un artista norteamericano que de la zona de Londres.

Fue un importante artista del movimiento conocido como Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo xx.

Uno de los iniciadores de las grandes obras con pintura acrílica, y se dedicó de manera directa o indirecta al retrato en diferentes periodos de su carrera. Desde 1968 pintó a sus amigos, amantes y parientes a partir de fotografías. La presencia de Hockney queda marcada en estos retratos, ya que las líneas de perspectiva convergen de una manera muy personal para mostrar el punto de vista del artista, sobre todo por el uso de la fotografía para ayudarse en estas obras.

A principios de 1980, Hockney comenzó a producir "joiners", que son collages hechos de fotografías, creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o fotografías únicas reveladas en papel y ordenadas de manera irregular.[ Con la suma de todas esas imágenes, creaba otra imagen

Con la suma de todas esas imágenes, creaba otra imagen muy personal. Se acercaba a los elementos parciales de la imagen, para luego montar con todos ellos un mural con las imágenes pegadas, que simulaba una fotografía desde lejos, pero el resultado de la suma de las partes era distinto desde el punto de vista óptica, al haber hecho las imágenes desde un primer plano.

El artista Semión Skrepetski, asesinado

Ha muerto tiroteado en Polonia, el artista Semión Skrepetski, un ciudadano ruso crítico con Putin. Un pistolero mató de varios disparos al pintor disidente, horas después de que denunciara amenazas de los seguidores del presidente checheno.

El pintor, de 44 años, era una figura conocida de la oposición rusa. Sus grotescos retratos ridiculizaban a la élite rusa, en especial a su presidente, Vladímir Putin, y a sus aliados, especialmente al jefe de Chechenia, Ramzán Kadírov, y al dirigente bielorruso, Aleksandr Lukashenko, aunque tampoco dejaba títere con cabeza entre la disidencia y las autoridades ucranias.

El sitio web ucranio Mirotvorets había revelado su dirección días antes de su asesinato. Esta organización elabora una lista negra de supuestos enemigos de Ucrania en la que incluye a todo tipo de críticos con Kiev, incluidos políticos, periodistas y activistas. Así mismo él mismo se sabía controlado por las autoridades rusas, por su disidencia contra todos los dirigentes de la zona.

El ARTE preocupa a los sátrapas, le dan uno importancia que incluso a los artistas nos parece no tener, y eso les lleva a los asquerosos a matar a los artistas. Da igual el siglo, la civilización, seguimos siendo animales.

El Discóbol de Mirón, no existe

Una de las obras más importantes del mundo clásico, El Lanzador de Disco o El Discóbolo, no existe. Solo vemos copias. La más famosa está en el Museo Nacional Romano y es una copia que no sabemos si es exacta y de la que hay varios ejemplares, incluso con ligeros movimientos diferentes en su cabeza o en su mano y dedos.

El Discóbolo (o Lanzador de disco) es una de las esculturas más famosas de toda la Antigüedad griega y una de las obras que mejor representan el ideal clásico de equilibrio entre movimiento, belleza y perfección física. No hay duda de eso ni de su valor artístico. Una escultura muy estudiada durante muchos siglos.

Hecha por Mirón, que fue un escultor griego activo en el siglo V a. C., originario de Eleuteras, en la frontera entre el Ática y Beocia, es esta su obra más reconocida y está considerado uno de los grandes maestros del período clásico temprano y un pionero en la representación naturalista del movimiento en la escultura.

Los autores antiguos admiraban especialmente su capacidad para representar el movimiento y la tensión física de los cuerpos. El Discóbolo fue realizado hacia el año 450 a. C. La escultura original era de bronce, como la mayoría de las grandes obras griegas de aquella época, pero el original se perdió hace muchos siglos. Lo que conocemos hoy son varias copias romanas realizadas en mármol entre los siglos I a. C. y II d. C.

La obra representa a un atleta masculino en el instante previo al lanzamiento del disco. Lo extraordinario es que Mirón eligió un momento muy breve y difícil de captar el cuerpo está completamente girado. Los músculos se encuentran tensos, el disco aún no ha sido lanzado, y toda la energía de la escena está acumulada, pues un segundo después, la postura sería completamente distinta.

Por primera vez en la historia de la escultura occidental, el artista logró congelar un instante de máxima tensión dinámica, como si fuera una instantánea fotográfica, mostrando el movimiento pero también el equilibrio, la fuerza, la tensión de los músculos y sobre todo la naturalidad de la persona.

Hoy sabemos que es complicado que el deportista lanzara realmente el disco de esa manera, pro damos por bueno que se buscaba sobre todo esa tensión del instante, del movimiento de los músculos, del cuerpo humano en tensión. 

No sabemos en realidad qué figuraba la escultura original, muy posiblemente al tener menos peso no necesitara tantos elementos sobre la base para estar sujeta, y por ello no sabemos cómo era en realidad. Solo podemos ver copias antiguas, es verdad, pero copias hechas en su momento posterior.

El Arte siempre ayuda a comunicarnos con el Pasado

No sabemos bien por qué nació el Arte, pero sí sabemos que es muy seguro que desde hace miles de años, el Arte nace y se utiliza para ayudar a los muertos. O para ayudar a los vivos a comunicarse con los muertos.

Hoy en día el Arte es otra cosa mucho más de vivos, de tener un aspecto más lúdico, incluso de ayuda psicológica para quien crea o para quien contempla. Ya no entendemos el Arte como un elementos social que nos sirva para comunicarnos con los fallecidos, excepto si nos retiramos y lanzamos la vista hacia el pasado.

Durante miles de años el Arte fue una de las principales herramientas que utilizaron los seres humanos para relacionarse con aquello que no podían ver: los dioses, los espíritus, los antepasados, los muertos o el misterio de la propia existencia. 

Las pinturas de las cuevas prehistóricas, las estelas funerarias egipcias, los retratos romanos de difuntos, los iconos bizantinos, los retablos cristianos o los monumentos funerarios no eran simples objetos decorativos. Eran puentes simbólicos entre el mundo de los vivos y el de los muertos. En ese sentido, el Arte nunca fue únicamente belleza. Fue comunicación.

El Arte no abre una puerta sobrenatural demostrable. Lo que abre es una puerta en la memoria. Y la memoria es probablemente la forma más poderosa de supervivencia que poseen los seres humanos. También en el terreno religioso sigue desempeñando un papel importante. 

Las imágenes de santos, las vírgenes, los crucifijos, los iconos ortodoxos o las esculturas funerarias continúan actuando como mediadores simbólicos. Un creyente no suele pensar que la madera o la piedra tengan poderes propios. Lo que busca es concentrar su pensamiento, su oración o su recuerdo mediante una imagen material.

Quizá la cuestión más interesante sea que el Arte nunca ha servido tanto para hablar con los muertos como para que los muertos sigan hablando con nosotros. Cuando contemplamos una pintura de Goya, una escultura funeraria romana, una lápida medieval o una fotografía de nuestros abuelos, no somos nosotros quienes transmitimos un mensaje. Son ellos quienes siguen transmitiéndonos algo a través del tiempo.

Y tal vez esa sea una de las funciones más extraordinarias del Arte. Poder vencer parcialmente a la muerte. No porque resucite a nadie, sino porque permite que una parte de una persona —su imagen, su pensamiento, su emoción o su recuerdo— continúe presente cuando su cuerpo ya ha desaparecido.

Por eso, incluso en pleno siglo XXI, rodeados de inteligencia artificial, teléfonos móviles y redes sociales, el Arte sigue siendo una de las formas más eficaces que posee la humanidad para dialogar con el pasado y mantener viva la memoria de quienes ya no están. 

No comunica con los muertos en un sentido físico o sobrenatural demostrable; comunica con aquello que dejaron dentro de los vivos. Y eso, aunque menos espectacular, quizá sea mucho más real. El Arte ayuda además a que sigamos pensando… que tal vez…, no lo sabemos…, puede existir algo que sin entenderlo bien, sobrevive y nos acompaña. 

La reina Nefertari jugando al Senet

La famosa imagen de la reina Nefertari jugando en una mesa, no es practicando al ajedrez, sino al Senet, un antiguo juego de mesa egipcio considerado el precursor del backgammon. Se encuentra en su tumba (QV66), la cual está ubicada en el Valle de las Reinas, en Tebas (la actual Luxor). Se cree que esta pintura datada en el año 1.255 a.C.

Los primeros egipcios empezaron a escribir textos religiosos en sus tumbas de gente importante hace ya más de 4.500 años. Y más de 4.000 años tienen sus primeras pinturas de las que hay datación de fecha. Unos precursores de la pintura religiosa.

El fresco que dejo arriba, considerado uno de los más bellos y famosos de todo el Antiguo Egipto, muestra a Nefertari sentada elegantemente bajo un templete de cañas, vestida con una túnica de lino blanco plisado y moviendo una ficha en el tablero.

Los jeroglíficos dentro de la imagen, nos hablan de un hechizo destinado a transformar a Nefertari en pájaro, para así ayudarle a poder abandonar su cuerpo de carne y poder alcanzar su inmortalidad en otra vida.

En la mitología egipcia, el Senet no era un simple pasatiempo. El tablero representaba el viaje del alma a través del inframundo (el Duat). Se creía que al jugar, el difunto se enfrentaba a las fuerzas del destino y a oponentes invisibles. Si lograba ganar la partida, se le garantizaba el paso seguro hacia la vida eterna y la resurrección.

El sepulcro de Nefertari fue descubierto en 1904 por el arqueólogo Ernesto Schiaparelli. Debido a la extrema delicadeza de sus pinturas murales, la visita a la tumba está fuertemente regulada por el Ministerio de Antigüedades de Egipto para proteger su conservación. 

Pero es verdad que podemos disfrutar de estas obras de arte, de forma digital, a través de impresos o de imágenes que aunque admitimos que no es lo mismo que verlas en directo y en su lugar, es un método más asequible.