Detalle del Autorretrato de Vincent van Gogh

De esta obra de Vicent van Gogh, uno de sus autorretratos, quiero mostrar de cerca el tipo de brochazos que realizaba en sus obras, casi un puntillismo en este caso, en donde buscaba simplemente incluso con los colores que utilizaba, que se uniera en nuestra cerebro la mezcla de pinceladas y tonos, para que se produjera un determinado color y sensación. 

Este famoso "Autorretrato" de Vincent van Gogh, fue pintado en septiembre de 1889, durante su estancia en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence, en Francia.

Destaca por sus intensas pinceladas ondulantes sobre todo en el fondo que crean un efecto de movimiento en ese fondo y ropa, contrastando con la mirada penetrante y tranquila del artista. De alguna manera parece buscar un efecto de relieve, de movimiento en su personaje.

Actualmente, esta obra forma parte de la colección del Museo de Orsay en París, una obra postimpresionista clara.

El artista esloveno Svetozár Ilavsky y uno de sus Pleonasmos

El reconocido pintor y músico electrónico de Eslovenia, Svetozár Ilavsky, nos presenta aquí una obra titulada “Pleonazmus 1” realizada en el año 2010, que se encuentra en una de las plantas del Parlamento Europeo de Bruselas. 

El título “Pleonasmo” en castellano, hace referencia a los repetitivo, a aquello que insiste en decir lo mismo varias veces en la misma obra.

Las heridas ilógicas, con la sangre ya seca

Cuanto más herido me siento, más débil noto las defensas. 

       Es como si fuera perdiendo la fuerza que sólo me sabía dar la energía de la juventud. 

Pero esos periodos nunca suceden, simplemente te atraviesan. 

Pasan por encima sin dejarte disfrutarlos con sabor. 

Cuando quieren saborear la juventud pausada, ya empiezan a notarse las arrugas de las heridas. 

La edad no tiene nada que ver con la juventud, es otro asunto.

Lo grave es ser un anciano de cabeza, y eso sucede cuando ya vas cansado por la vida.

Goya y sus obras de El Duque de Wellington

Voy a sacar en esta página otro Goya del cajón para seguir recordando al artista aragonés posiblemente más famoso, aunque somos tierra de muchos artistas fabulosos, algunos todavía no tan conocidos. Dos Goya poco conocidos, todo hay que decirlo.

Arriba un retrato del Duque de Wellington que podríamos ver en The National Gallery de Londres, y que se hizo sobre 1812, que nos muestra al primer Duque de Wellington tras derrotar este a las tropas de Napoleón en España, y entrar a un Madrid ya liberado.

Goya hizo tres trabajos sobre el mismo personaje histórico. Este cuadro a modo de retrato, un dibujo y otro gran cuadro mostrando al Duque de Wellington a caballo. Y que vemos abajo de esta entrada.

Esta obra superior sufrió diversos retoques desde el principio, posiblemente por el mismo Goya, para ir añadiendo medallas y condecoraciones en el pecho como el Toisón de Oro, según iba ascendiendo la importancia del personaje, que parece ser que para esta obra posó al natural.

Vemos a un hombre erguido, tal vez triste y cansado pues acababa de terminar una guerra, y aunque era —según comentan— un hombre de baja estatura, aquí aparece como un personaje potente, sereno y seguro.

El cuadro tiene 64 centímetros de altura, y fue una obra que se hizo como retrato privado, y sirvió el rostro de modelo para el gran cuadro a caballo que se encuentra en la Apsley House de Londres.

Abajo os dejo la otra obra de Goya, en la que vemos al Duque a caballo, pero de la que se cree que el aragonés solo hizo el rostro del cuadro, sobre un fondo creado por otros artistas. 

Fashion Arte en el mundo del Arte

El Pais hoy, marzo de 2026 pero también en otras ocasiones, ha metido el dedo en el ojo del Arte en los Museos, con esta viñeta de El Roto, sin dar explicaciones pues no las tiene, o al menos es muy complicado dárselas. Cada uno de nosotros debemos reflexionar sobre esto. Si queremos, claro.

Es verdad que el Arte Contemporáneo que consideramos de élite, el que está en las alturas, lo estamos convirtiendo en una Moda Temporal, que depende de los vaivenes del Mercado, y que se mueve desde esas alturas, por efectos ajenos al propio Arte.

Pero sigue siendo Arte, son creaciones de artistas, y de lo único sobre lo que podemos tener dudas es sobre el puesto que le vamos colocando a cada demostración, a cada tipo de obras, con respecto a otras. 

El Arte tiene que ser rompedor, provocador, constantemente novedoso, y con una cierta distancia de lo habitual. Y si no es así, no cumple su función de una evolución constante y una exploración para buscar nuevos lenguajes.

Luego, será el tiempo es el que dictará sentencia y alabará o hará desaparecer aquellas manifestaciones que no soportan el paso de los años. Que en realidad es otra forma de Moda temporal, pero más lenta. 

Soy de los convencidos de que el Arte de estas décadas finales del siglo XX y principio del Siglo XXI, es muy efímero. 

Es muy de murales, de fotografía, de trabajos digitales no pesados ni impertinentes, es muy de cine, también de experimentación y de un surrealismo nuevo o al menos diferente y más explorador y abstracto. Muy de impulsos que surgen tras una buen periodo de estudio y experimentación con el Arte propio.

Pero los Museos deben entender también estos tiempos, deben ser muy abiertos y movibles para ser ágiles y no meros almacenes, y deben formar parte constante del día a día. Y para ello hay que abaratar los costes de las exposiciones temporales, para convertir a los Museos en unos entes vivos.

La Venida de la Virgen a Zaragoza

Dejo hoy una obra posiblemente menor, sin autor claro, del barroco tardío de final del siglo XVIII, posiblemente hecho en un taller de algún artista aragonés, pues da la sensación de que han intervenido diversos artistas con diversa calidad en sus trabajos, con unos rostros de ángeles que se repiten lo que nos indica que es una obra menor, de encargo, con un tema muy clásico en Aragón por aquellas décadas.

Muestra la Venida de la Virgen del Pilar a Zaragoza, desde otro punto de vista, la Virgen se aparece sentada y unos ángeles traen el Pilar para dejarlo en la ciudad, mientras que aquellos primeros cristianos que acompañaban a Santiago están sorprendidos (o dormidos) mientras parece verse a lo lejos la ciudad.

No es un Bayeu o un Luzán, NO es un Goya, pero podría ser un trabajo de sus talleres o de otros, para alguna devoción privada o algún encargo institucional pero no de una gran iglesia o convento.

Incluso en el fondo de la obra volvemos a ver repetida la imagen de la Virgen del Pilar, con la iconografía que actualmente la vemos en su iglesia. Parece la suma de la venida de la Virgen y la llegada de sus atributos que todavía sirven para representar este hecho o tradición.

La caída de los gigantes, de Francisco Bayeu

Esta imagen que te dejo, nos muestra una sección del cuadro de Francisco Bayeu y Subías, del año 1764, titulado "La caída de los gigantes". ¿Qué nos muestra, qué nos quiere decir? Y aviso, no es la imagen completa.

En este fragmento se ve el momento posterior a la derrota de los gigantes. Sus cuerpos aparecen tumbados, débiles y desordenados, mientras el mundo de los dioses queda por encima, tranquilo y triunfante. 

La pintura transmite la idea de castigo, caída y poder venciendo al desorden. Pero en esta sección no vemos violencia, como si la podemos observar en otras partes de la obra.

Esta parte del cuadro muestra a los gigantes vencidos, ya caídos entre las nubes, mientras dos figuras divinas dominan la escena desde arriba. Los cuerpos están recostados sobre una masa de nubes, en una composición muy teatral, mientras arriba aparece la autoridad celestial, mostrando abajo, la derrota y asombro de algunos de los rebeldes.

Lo que aparece aquí pues son gigantes derrotados, figuras de gran tamaño y fuerza que, según la mitología clásica, se rebelaron contra los dioses. Incluso algo deformes con unas orejas en punta, fuertes pero muy saturados de color.

Pero ya no están luchando. Están cayendo, están vencidos. Sus cuerpos están inclinados o tumbados. Sus gestos muestran sorpresa, dolor o desconcierto. Miran hacia arriba, como si aún no comprendieran del todo su derrota.

Esto transmite una idea muy antigua, el poder humano (o titánico) tiene sus límites. Esta imagen no trata solo de mitología. Habla de algo universal, la ambición, el desafío al poder y las consecuencias de ir demasiado lejos.

El autor de esta obra, Francisco Bayeu y Subías (1734-1795) fue un destacado pintor español, conocido principalmente por su trabajo al fresco sobre grandes superficies, y por su influencia en la pintura neoclásica en España. Entre sus obras más conocidas se encuentran los frescos en el Palacio Real de Madrid y en la Basílica del Pilar en Zaragoza. 

Fue de alguna manera profesor de Francisco de Goya, que fue su cuñado. Y si vemos o comparamos los trazos de Bayeu y muchas de las obras de Goya en fresco, podemos observar que se parecen en esa manera de pintar bocetando, pensando en los muchos metros a los que los espectaodores observarán la obra.

Era un orden casi militar

Orden casi militar. Son otros tiempos. Todo tiene que estar en orden. Pero en "su" orden y concierto, marcando los espacios y despacio, marcando los sonidos, sus sonidos.

Todo parece artificial. Todos es artificial. Todos somos seres dirigidos para estar en orden. Perfectamente uniformados y listos para dejar que se nos sienten encima.

Sí, es una fotografía, una imagen… tratada con herramientas. La fotografía siempre ha utilizado herramientas. Físicas y químicas. Ópticas y de sensaciones.

Los Cadáveres Exquisitos de Txuspo Poyo

Las técnicas surrealistas del ejercicio llamado "Cadáver Exquisito" es un modo de creación colectiva, popularizada por los surrealistas desde 1925, y que consiste en trabajar componiendo palabras o imágenes en grupo, entre varias personas.

Los participantes de estos ejercicios llamados "El Cadáver Exquisito" añaden partes individuales a una obra (escrita, dibujada, pintada, collage) doblando un papel para ocultar lo hecho anteriormente por los anteriores artistas que han ido creando antes en el mismo lienzo, permitiendo ver solo el último detalle para guiar la continuación de lo que hace el que interviene a continuación, resultando en creaciones automáticas, lúdicas e inesperadas.

Si es texto literario, se puede dejar un párrafo o una línea del anterior creador para que continúe el siguiente. Se va creando una suma de elementos de diferentes artistas, que sin conocer lo anterior o solo de forma leve, intentan completar algo, que no se sabe qué va a ser, no tiene un esquema, una idea o un boceto de creación.

El artista navarro y vasco Txuspo Poyo ha presentado en Bilbao su exposición "Anónima" con una buena suma de sus diferentes obras y entre ellas hay una que agrupa a muchas de las creadas por él, que se compone de un buen número de estos "Cadáveres Exquisitos".

En páginas de periódicos impresos y adaptados a un tamaño idéntico en todos los casos, ha ido añadiendo elementos pictóricos sobre personas ya fallecidas, que reflejan a esos personajes famosos.

Estos obituarios recogidos y creados entre los años 2001 y 2025, son de alguna manera los testigos de personas o de situaciones que pasan en nuestro tiempo, utilizando la noticia del diario sobre los fallecimientos, y que son intervenidos para añadirles el punto de vista de Txuspo Poyo como homenaje al protagonista y creando un archivo visual, digital, que es el que vemos en la exposición.

Al final se crea un archivo de "Cadáver Exquisito" pues interviene lo creado por un medio de comunicación al que se ha añadido el punto de vista del artista Txuspo Poyo.

La ¿auténtica? imagen de la Virgen María

Es cierto que tiendo a poner en este blog muchas imágenes religiosas, y lo es por ser una constante en al Arte de muchos siglos. En realidad el Arte ha tenido siempre un precio alto, pues hablamos de muchas horas de trabajo y de una sensibilidad importante, y eso en siglos viejos lo podían pagar las instituciones con dinero y las grandes familias religiosas.

Dicho esto, como a modo de explicación o incluso como justificación, os paso a dejar dos imágenes que son casi la misma.

No existe constancia de cómo era el rostro de la Virgen María, la madre de Jesús (Yeshua bar Yoseph o Jesús, hijo de José). Muy pocos detalles, uno de ellos que fue madre muy joven y era dulce, candorosa, con la boca pequeña, labios finos, y no muy alta, etc. Pero nada más y ni eso lo sabemos con seguridad. En cambio y de siempre, se ha intentado plasmar a la Virgen en numerosos retratos o esculturas, para ser rezada, y por ello inventándosela los artistas.

La tradición de la vida de San Lucas Evangelista nos habla de este evangelista como el primer pintor que la retrató del natural. Aunque las primeras imágenes conocidas datan del siglo III (Catacumbas de Priscila donde existen detalles borrosos en alguna catacumba, de una mujer con un niño, que se asocian a la Virgen María.), el deseo de un retrato auténtico ha impulsado la creación de iconos y representaciones físicas durante toda la historia de la Iglesia.

A veces confundiendo lo que se llamó "Verónica" ( En la tradición cristiana, la palabra Verónica no es solo un nombre propio, sino que se entiende comúnmente como un derivado de la expresión latina vera icona, que se traduce como "imagen verdadera" o "ícono verdadero") entre la mujer que pudo tomar el rostro de Jesús y la auténtica imagen de la cara de la Virgen.

Os dejo dos representaciones de las que fueron adoradas como las verdaderas imágenes iconoclastas de la Virgen, sin que existe garantía de ello. La tradición eclesiástica sostiene que Lucas (que además de apóstol y médico, era pintor), al conocer a la Virgen, la pintó en vida. Y del el año 1100, existe un supuesto "icono original" también de San Lucas en Turín, lo que refuerza la creencia en un rostro auténtico pintado al natural.

Teatro Campos Elíseos de Bilbao, maravillosa portada

La fachada del Teatro Campos Elíseos de Bilbao, cerca de su Estación de trenes Abando, da la entrada a un edificio conocido popularmente como la «Bombonera de Bertendona», que es considerado como la obra maestra del Modernismo (Art Nouveau) en el País Vasco y una de las fachadas arquitectónicas en este estilo, más importantes de España.

Fue proyectada por el decorador vasco-francés Jean Batiste Darroquy (quien se encargó de la maravillosa e impresionante parte artística exterior) y el arquitecto Alfredo Acebal (responsable de la estructura del edificio), que fue inaugurándose en 1902. Es un ejemplo puro de Art Nouveau con fuertes influencias francesas, caracterizado por sus formas orgánicas, curvas y una exuberante decoración.

Lo más curioso es que la fachada funciona como una "piel exterior" independiente del resto del edificio, aunque en su bello interior se mantienen las formas geométricas. Está fabricada con piezas modulares de hormigón portland (importado en su día de Inglaterra) que se anclan mediante varillas de hierro a un muro de ladrillo trasero. 

El elemento principal es un inmenso arco de herradura de clara inspiración oriental (neoárabe), que enmarca la entrada principal y se repite de forma simbólica en la disposición de las butacas del interior.

La fachada también está ricamente ornamentada con cerámicas policromadas del famoso ceramista Daniel Zuloaga. Destacan los motivos vegetales, flores y figuras fantásticas que aportan color y brillo. Verás columnas que terminan en formas que recuerdan a palmeras, semiarcos, guirnaldas y elementos sinuosos que parecen cobrar vida. La decoración incluye bustos y figuras que refuerzan su carácter teatral y fantástico.

Debido a su valor artístico único, el teatro está catalogado como Bien de Interés Cultural. Tras sufrir un atentado en 1978 y años de abandono, fue objeto de una profunda rehabilitación terminada en 2010 que permitió recuperar todo el esplendor de sus molduras y cerámicas originales, integrándola en una estructura moderna de cristal y acero que la protege. 

Hoy en día, pasear por la calle Bertendona y observar su fachada es de entrada sorprenderte ante el edificio, ante esa especie de puerta gigantesca, que es como ver un gigantesco retablo modernista en piedra que destaca por su contraste con la arquitectura más sobria de los edificios colindantes.

Impresión digital de José Antonio Azpilikueta

El artista vasco José Antonio Azpilikueta nos muestra en esta obra una impresión digital hecha en el año 2025 de un dibujo suyo.  Ha titulado este trabajo como: "Quiero ver tu sol".

Profesor nacido en Eibar, utiliza la impresión digital para poder tener una obra más acababa, y que puede servir a un precio mucho más justo y de esa forma multiplicar o democratizar el acceso a tener obra gráfica y artística en nuestras casas.

Tenemos que asumir con normalidad que ni las impresiones de obras de arte son algo nuevo en el mercado del Arte, ni vienen a restar valor a las obras, si se hacen bien. 

Y en una técnica artística, sea litografía, digital o serigrafía, que permite realizar cambios en las obras que den como resultado obras finales muy personalizadas y de gran calidad.

El mundo digital en el Arte hace décadas que ya vino para no marcharse, como ahora sucede con la IA. Todo depende del uso, de quien lo utiliza y para qué.

Roy Lichtenstein y sus obras litografiadas

Las obras de Roy Lichtenstein pueden parecer obras menores, impresos en offset o litografía sobre papel. Y es cierto. 

Pero fueron de los primeros intentos por convertir un nuevo modelo de impresión, la litografía sobre plancha de aluminio, en un proceso de impresiones artísticas para abaratar el acceso a las obras de Arte.

La litografía como la serigrafía es un sistema fácil y barato para imprimir un número limitado de ejemplares, en comparación con su antecesor la tipografía o la litografía sobre piedra, sobre todo para realizar obras e impresiones en varios colores.

En este contexto se sitúa la obra que Lichtenstein realizó en 1963, titulada Crak! (a menudo escrita también como Crack!), que podemos ver arriba, donde el artista traslada al ámbito artístico los códigos visuales del cómic: puntos de trama, líneas de contorno y colores planos intensos.

Fue un pintor estadounidense en arte pop, un artista gráfico pionero e hizo algunas obras de escultura, aunque ha pasado a la historia, sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.

En la entrada posterior del Museo Reina Sofia de Madrid, se puede ver una gran escultura de una figura que tituló Brushstroke (Pincelada), una pieza que transforma el gesto pictórico de un ligero brochazo en volumen, llevándolo al espacio y reforzando su carácter icónico.

Cartel de un tractor nacional, español

Este cartel que que os dejo hoy es una pieza muy interesante dentro de la historia industrial y gráfica española del siglo XX, y además conecta directamente con el desarrollo de la mecanización agrícola en España. El cartel pertenece a la empresa Motor Ibérica S.A., una de las compañías más importantes del sector de maquinaria agrícola en España durante el siglo XX.

La empresa tiene su origen en Ford Motor Ibérica (años 20). Tras la Guerra Civil española y especialmente en los años 40–50 del siglo XX, España entra en un periodo de autarquía económica.

En ese contexto, se impulsa la producción nacional, y Ford Ibérica acaba transformándose en Motor Ibérica. De ahí el lema del cartel: “El tractor nacional”, que no es casual, sino un mensaje claramente ideológico y económico.

se sitúa entre finales de los años 50 y la década de 1960, moderno para la época, con colores planos y saturados, con una composición elevada que deja al tractor casi como un elemento heroico, de fuerza, en donde ya lo de menos es el conductos, al labrador, sino la máquina.

Su autor Hugo Morales, que firmó este tipo de carteles que debió ser un ilustrador publicitario especializado en temas industriales pero su biografía sigue siendo prácticamente desconocida, posiblemente por ser un dibujante de encargos, que realizaba los trabajos que se le pedían, pero sin crear nada de forma personal, es decir, por propia iniciativa.

Cartel de la película Plácido de Berlanga

Vemos arriba una copia del cartel de la película Plácido, dirigida por Luis García Berlanga y estrenada en el año 1961, una obra de gran repercusión internacional en su momento y considerada hoy una de las mejores comedias de su director. La película fue candidata al Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa —hoy denominada Película Internacional—, galardón que finalmente no obtuvo.

Durante años, la conservación del film fue problemática debido a la pérdida de materiales originales, pero en 2009 el IVAC (Filmoteca Valenciana) llevó a cabo un proceso de restauración que permitió recuperar y digitalizar la película, asegurando así su preservación y difusión para nuevas generaciones.

El argumento es de una acidez extraordinaria. En una pequeña ciudad española, un grupo de damas piadosas, entregadas a una caridad más aparente que real, organiza una campaña navideña bajo el lema “Siente usted un pobre a su mesa”. 

Bajo esta consigna, se pretende que las familias acomodadas inviten a personas sin recursos a compartir la cena de Nochebuena, en una operación tan bienintencionada como hipócrita.

Para dar mayor realce al evento, se busca el patrocinio de una marca de ollas y se invita a un grupo de artistas de segunda fila llegados expresamente desde la capital, y recibidos con entusiasmo en la estación. 

La jornada “benéfica” se completa con una vistosa cabalgata, una subasta pública de los propios pobres como convidados y una cuidada retransmisión radiofónica que amplifica el carácter propagandístico del acto.

Pero Berlanga —con la colaboración esencial del guionista Rafael Azcona— no se limita a la anécdota. A través de una narración coral y un ritmo frenético, construye un retrato implacable de la España de la época: una sociedad donde la caridad se convierte en espectáculo, la miseria en decorado y la buena conciencia en un ejercicio superficial.

Una obra de Arte, la película Plácido se inscribe así en la tradición del esperpento celtibérico, ofreciendo una visión deformada pero profundamente veraz de una realidad social que, bajo la apariencia de generosidad, esconde profundas contradicciones. Una película que provoca la risa, sí, pero también incomodidad, reflexión y, en más de un momento, una amarga sensación de reconocimiento.

Caerá el Mercado del Arte?

Estos niños, de una viñeta de la revista The New Yorker de este 2026, dan en el clavo doblemente. Se preguntan:

—Con la caída del Mercado del Arte, no sé si merece la pena continuar.

El Mercado del Arte lo hemos hecho crecer artificialmente. Tampoco pasa nada por eso. Puede ser tan mentiroso su valor como el del Oro, el de los Diamantes o el del petróleo. Todo depende. 

Y estos elementos anteriores es más complicado que te produzcan placer, algo que el Arte si lo sabe elegir como inversión puede dártelo.

Pero es verdad que hemos creado un pequeño monstruo que podría petar. Ya lo han hecho o lo harán otros inventos de entre el siglo XX y el XXI. No quiero dar detalles, pero invertir el dinero es una tontería, pues entregar número de unos papeles o a lo sumo papeles que llamamos todos billetes, por otra cosa. 

Nos creemos que el dinero vale lo que dice. Y es verdad de forma momentánea. Y a su vez, puede cambiar cuando otros lo decidan. El Arte queda, y habitualmente sucede si lo sabes invertir, como sucede con los activos inmobiliarios. Que tienen unos años de vida en los que casi siempre suben  de valor.

Maira Kalman en una portada de The New Yorker

Esta portada de la revista The New Yorker está realizada por la ilustradora Maira Kalman, artista, ilustradora de libros y diversos tipos de diseños, escritora y diseñadora estadounidense conocida por su pintura y escritura sobre la condición humana en general.

Maira Kalman nació en Tel Aviv, Israel. Su madre, Sara Berman, era originaria de Bielorrusia y se había mudado a Israel para escapar de los pogromos (ataques violentos contra los judíos que vivían en Rusia en aquellas décadas cercanas a las II Guerra Mundial).

A partir de mediados de la década de 1980, Kalman comenzó a publicar libros infantiles. Su primer libro infantil, Stay Up Late (1985), presentaba ilustraciones combinadas con letras del músico David Byrne. El libro contaba la historia de unos niños que evitan que su hermano pequeño se duerma.

Maira Kalman ha sido colaboradora de The New Yorker desde 1995 y ha producido muchas ilustraciones de portada, así como columnas ilustradas. 

El entorno urbano de la ciudad de Nueva York da vida a la creatividad de Kalman y también se ha inspirado en la geografía de la ciudad y en los puntos de referencia conocidos.

Calabuch, una de esas películas inolvidables

Muy pocas veces hablo en este lugar de Cine, del Arte que representa el Cine, literatura pura que no siempre valoramos bien. Excepto como objeto de entretenimiento.

De jovencito vi esta película de la que dejo el cartel: Calabuch, que es una película española dirigida por Luis García Berlanga y que fue estrenada el 1 de octubre de 1956. Casi hace ya 70 años.

El título de la película se refiere al nombre imaginario que recibe el pequeño pueblo en el que se desarrolla la historia de la película. Que en realidad es Peñíscola.

Con motivo del quincuagésimo aniversario del rodaje, en el año 2006, se celebró un homenaje al director y a la cinta en el marco del 18.º Festival de Cine de Comedia celebrado en Peñíscola.

El recuerdo de aquel viejo profesor joven que lograba motivar a las gentes de un pueblo me pareció precioso, lleno de energía positiva. Muy bien interpretado por el actor inglés Edmund Gwenn que murió tres años después de la película, siendo esta su última película.

Rafael Pertús y un cuadro histórico

Esta obra casi fotográfica e histórica, nos muestra a Alonso de Aragón, I duque de Villahermosa, recibiendo la vara de mando como nuevo capitán general de la Santa Hermandad  nueva por parte de los Reyes Católicos.

Este cuadro es de Rafael Pertús y parte del fono y de las figuras más bocetadas deben estar por su taller y no por él. Este cuadro es del año 1620. 

El Greco y su Sagrada Familia con Santa Ana

Esta imagen que vemos arriba es una Sagrada Familia con Santa Ana del pintor El Greco, realizada sobre el año 1595. Primeramente fue donado al Hospital de San Juan Bautista de Toledo y durante décadas fue una obra de gran devoción lo que le sirvió para que se hicieran diversas copias. En la actualidad está en el Hospital de Tavera en Toledo.

Hay una también de El Greco pero son la figura de Santa Ana en la Hispanic Society de New York. El rostro muy joven de la Virgen atrapa con sus facciones y su mirada. El Greco primero dibujaba y pintaba el rostro de la Virgen, y cuando ya le parecía correcto es cuando completaba la obra con el resto de figuras y con el paisaje.

En realidad la Virgen está representada no tanto como la Sagrada Familia como la Virgen de la Buena Leche. Es una obra grande, de 127 centímetros de altura, al óleo sobre lienzo.

Teatro religioso en el despacho oval

La fotografía como utilidad histórica es sin duda insustituible. Esta imagen en el despacho oval de la Casa Blanca es puro caramelo histórico por los gestos, la forma artística y teatral de su composición, y por lo que representa.

La iglesia, la religión, evangelistas en casi todos los casos, dijeron mientras arropaban a Donald Trump como si fuera una la escena con el Jesucristo del momento: “Oramos para que continúes dando a nuestro presidente la fortaleza que necesita para dirigir a nuestra gran nación mientras volvemos a ser una nación bajo Dios”, dijo el predicador encargado de la oración.

En total dos mujeres entre los 21 personajes. La imposición de manos es un detalle que enmarca la escena, incluso muy bien iluminada. Pura delicia teatral.

El fotógrafo Fan Ho y la geometría

El fotógrafo chino Fan Ho además de ser un artista de la calle, de sus sociedades, supo plasmar durante todo el siglo XX a una sociedad que se movía buscando la luz. Positivando él mismo sus fotografías en blanco y negro, jugó con la luz y las sombras como un auténtico artista del pincel, utilizando solo luz.

Con 82 años, en el año 2014, respondió en una entrevista con esta explicación de su forma de trabajar la fotografía: "Siempre he creído que cualquier obra de arte debe derivarse de sentimientos y entendimientos genuinos... No trabajé con ningún sentido de propósito. Como artista, solo buscaba expresarme. Lo hice para compartir mis sentimientos con la audiencia. Necesito que me toquen emocionalmente para llegar a trabajos significativos. Cuando el trabajo resuena con la audiencia, es una satisfacción que el dinero no puede comprar. Mi propósito es simple: trato de no perder el tiempo de mi audiencia."

Su trabajo de calle, buscando siempre la sombra y la luz, y dibujando geométricamente con figuras naturales de la escena, creando un juego geométrico que a veces asombra, y que nos lleva a los trabajos de Henri Cartier-Bresson, en donde sus actores espontáneos son parte de esos juegos geométricos.

En la imagen que dejo arriba, se juega con las luces para formar varios juegos geométricos, rectangulares, circulares, cuadrados o simples líneas de la dirección de la luz.

Ana Juan y su Gabinete de Maravillas Wunderkammer

La artista ilustradora Ana Juan en su montaje "Wunderkammer" nos abre su mundo desde su propio "Gabinete de Maravillas o sueños", desde una serie de expresiones que nos llevan a sus sueños, a un mundo imaginario pero posiblemente real. Todo depende de nuestra capacidad de ver y descubrir lo que miramos.

Las imágenes son como ilustraciones de mundo imaginarios que todos podemos soñar si queremos, que todos nos podemos crear si lo necesitamos, para seguir siendo felices. Pueden ser horrorosas, pueden dar miedo, pueden ser incluso inexplicables, pero si hacen felices a alguien, tienen un sentido muy válido.

No siempre hay que saber encontrar explicaciones a lo que vemos, a veces con sentir que estamos delante de algo distinto, imaginario para nosotros, real para el artista, ya nos debería servir. 

Ana Juan es ilustradora de libros, es artista visual, es dibujante, pero es sobre todo inventora de pensamientos, de sueños, de sugerencias, de adivinanzas que debemos descubrir.

En CentroCentro de Madrid podemos descubrir sus sueños, los nuestros incluso si queremos imaginarnos lo mismo, podemos tener experiencias locas que se pueden convertir en realidad dentro de nuestra forma surrealista de imaginarnos el mundo.

¿No es irreal tanta violencia real que estamos viviendo en los últimos años?

Dibujo, pintura digital y fotografía, mezclados sin agitar

Todo en el Arte tiene su valor, incluso aunque solo sea estético. Elegir, seleccionar, construir con piezas un nuevo elemento es una forma simple de sentirte bien mientras lo vas creando. 

No se trata de inventar un nuevo submarino, sino de sentir que con tus manos puedes convertir un blanco en un espacio diferente, nuevo, lleno.

Aquí arriba hay mezcla de dibujo, de pintura digital y de fotografía. 

Un poco de cada, una disciplina que se afianza en la otra, unos nuevos tiempos en donde todas las herramientas quedan diluidas entre ellas pues todas se pueden necesitar en un momento dado, sin que ninguna destaque sobre la otra.

Al final lo único que importa es el resultado final, como en cualquier empresa, en cualquier relación. 

Los caminos intermedios se disfrutan, pero no se pueden contemplar al quedar tapados por la finalidad, por la meta final.

Daniel Canogar y una proyección de una persona desnuda

El artista madrileño Daniel Canogar hizo esta obra titulada "Pasaje" en el año 1995, en contrachapado de madera y una luz halógena que realiza una proyección fotográfica de una persona desnuda sobre la pared. 

Eran años en los que Canogar trabajaba la desmaterialización del cuerpo humano, intentando convertirlo en una figura casi virtual, que se veía, se proyectaba, pero no existía.

Este desnudo masculino está en marcha, parece que se quiere escapar, huir delante del espectador, en una proyección precaria que desdobla a la persona. No existe un ser humano sino una luz, un reflejo, una proyección.

Empezó en el Arte desde la fotografía y poco a poco se fue transformando sus obras hacia las instalaciones artísticas de variado tipo. 

Sobre todo proyecciones de gran formato sobre edificios, en donde proyecta sus obras como complemente a la propia personalidad de cada arquitectura, formando con ella una obra única para que se funda la proyección con los elementos arquitectónicos del edificio.

Elisa Montessori y un herbolario artístico

Lo que vemos arriba es un herbolario, una serie de pequeños cuadros creados con plantas y hierbas secas, cosidas o pegadas sobre una base a modo de lienzo, sobre un papel, con hilo de algodón.

Este herbolario lo creó en el año 1978 la artista italiana Elisa Montessori que nació en 1931. Una serie de obras que en su conjunto forman una obra poética, dulce, sencilla, simbólica y llena de texturas a modo de trazos.

En realidad todos dibujamos o pintamos para crear formas simples, brochazos o trazos, que se unen para configurar algo que vemos y reconocemos —o no— una vez que lo hemos terminado. 

A veces utilizamos pinceles, trapos, esponjas, las manos, materiales naturales, herramientas muy diversas para ir creando formas que deseamos transmitir, muchas veces formas naturales.

Pero otras veces son las propias formas de elementos naturales, los que configuran la belleza, las que llenas los espacios, las que cuentan un conjunto, forman una pequeña historia. En este caso las propias ramas y hojas secas son dibujos naturales que no hay que dibujar, sino pegar, coser, distribuir por los espacios.

Transformamos la naturaleza, Elisa Montessori creaba con esa naturaleza ya seca, para conservarla en otros modelos de composiciones.

El trabajo de Montessori es multifacético, utilizando muchas técnicas diferentes, y utiliza un vocabulario muy oriental, creando una poesía visual natural, mezclando en algunas de sus obras texto con imágenes, formas, trazos.

La investigación de Elisa Montessori siempre ha oscilado entre las tradiciones occidentales y orientales, tomando el lado esotérico y oculto de Oriente y colocándolo en relación con la fertilidad cultural de Occidente.

Sabe que una imagen siempre plantea una pregunta, cuya respuesta está abierta a la mirada de los demás. Que ver una cosa creada por alguien, siempre significa encontrar otra mirada diferente, que se van uniendo las unas con las otras.

Daniel Bautista, y una obra madrileña

Esta es una obra del artista español Daniel Bautista, que trabaja varios modelos artísticos, casi siempre en formatos grandes, muy decorativos y que se venden bien por su forma de trabajar en acrílicos sobre lienzos o madera.

Esta obra que vemos está en la entrada de un hotel madrileño, es un retrato de mujer (algo habitual en este artista) que intenta parecerse a los tratamientos abstractos de Picasso, pero de una manera muy personal.

JULUJAMA y una obra de 1980. Arte Queer

Hoy os dejo una obra con 45 años de edad, una obra casi clásica del artista valenciano JULUJAMA, el pintor Juan Luis Javier Marí, uno de los precursores del llamado Arte Queer de la España de los años 70 y principios de los 80.

Esta es una de sus últimas obras pues a partir de 1981 dejo de pintar, y este cuadro "Sin título" es de 1980. Es contracultura de aquellos años, que vista ahora parece una obra más de un momento lógico en la España que intentaba despertar.

Parece un autorretrato de una persona herida, muy dolida con los comportamientos de la sociedad que le rodeaba en aquellos años y que intentó que dejara de ser lo que en ese momento era. Intentaba restarla la libertad de ser él mismo. Tenía 28 años cuando pintó esta obra.

Eran tiempos en los que la homosexualidad no se podía mostrar todavía, no era ni consentida ni entendida en las familias, y representaba un modelo que había que suprimir. Aquellos movimientos dieron el espacio para que poco a poco se fuera liberalizando la libertad individual de las personas que deseaban tener una sexualidad diferente, y fueron precursoras del feminismo y de la liberación sexual en libertad.

Juan Luis  Javier Marí, en la actualidad y sin pintar, se ha convertido en un activo defensor del medio ambiente en la Comunidad Valenciana y zonas vecinas. Ha participado en múltiples batallas legales y ecologistas, como la lucha contra el fracking en el Maestrazgo, la detención del polémico proyecto de gas Castor frente a Vinaròs, y la oposición a la destrucción del marjal de Benicàssim.

Miquel Barceló y Un Fantasma

El artista Miquel Barceló me encanta, su forma de trabajar los materiales, su mezcla de surrealismo y arte brut, sus ideas e imaginaciones me llenan. Intento ver su obra siempre que puedo.

Este cuadrito pequeño lo tituló "El fantasma número 6" y lo hizo en el año 1990 con óleo y ácidos corrosivos sobre lienzo.

Este juego que hace de figuras, de convertir sus obras en objetos como de basura, corroídos o rotos, carcomidos y pasados por siglos de tiempo, convierten su obra en algo único y a la vez de original, muy actual.

El Arte no es para mirarlo

Visitando una exposición en Madrid, en el Libro de Despedida, de Opiniones de las Visitas, encontré esta frase que me resulta muy alentadora y real.

"El Arte no se mira, se siente. Y hoy lo sentí aquí!!"

Es una declaración de intenciones. Visitar una exposición o un museo no es solo mirar y ver, es sobre todo sentir. 

Si fuera solo mirar, podríamos entrarnos y viajar por internet buscnado obras a nuestro gusto, según el día o la necesidad de cada uno de nosotros, y con eso cumplir con nuestras necesidades.

Pero no, funcionamos de otra manera.

Si fuera así de simple, con visitar una sola vez un Museo y haberlo visto, se acabaría su función. No necesitaríamos volver, pues ya lo hemos visto casi todo su contenido.

Necesitamos sentirlo, sobre todo porque cada visita lo sentimos de otra manera. 

El Arte está tan vivo como nosotros y sin ser particularmente distinto, sin dejar  de ser la misma obra de siempre, va evolucionando dentro de nosotros en la misma medida en que evolucionamos nosotros. 

En cualquier visita notamos que a veces nos gusta más una obra determinada y otras veces nos llena otro tipo de Arte, o si somos de los que creamos, a veces nos apetece explorar materiales naturales y otras ocasiones nos queremos adentrar n surrealismo o un trabajos brut. 

Depende de cada uno de nosotros y de nuestros momentos.