Libro de Artista y de Poesía, de Joan Miró

Esta es una doble página de un libro del propio Joan Miró, el artista catalán tan reconocido del que no cabe decir nada nuevo. Pero este ejemplo de Libro de Artista o Poesía visual, o Libro de Poesía Ilustrado, sería visto en su momento como un trabajo menor. 

Un libro. Un impreso. Unos dibujos para ser reproducidos junto a unos poemas.

Hoy sabemos y admitimos que una parte del Arte Contemporáneo se hace admitiendo de entrada que puede ser efímero desde su inicio. 

El Arte Urbano, muchos Libros de Artistas, los Fotolibros, no serían entendidos como Arte hace unos siglos. Puede incluso que no lo sean ni ahora para muchos espectadores.

Los manuscritos con ilustraciones o los llamados manuscritos iluminados, medievales en su concepción, son hoy ya sin duda unas auténticas obras de arte. Nadie lo discute. Bueno, nadie tampoco, eso es ya demasiado. Pero aquellos artesanos más que artistas en su momento, son hoy considerados auténticos artistas creadores.

Con este ejemplo de Joan Miró sucede algo similar. Pero adaptado a nuestro tiempo. 

Las obras de Arte deben democratizarse, este blog precisamente intenta eso mismo. 

Tener una copia digital de una obra de arte, NO ES COPIAR esa obra de Arte, aunque tenga unos derechos de copia. Es simplemente y si no hay beneficio para quien hace esa muestra, un ejercicio de multiplicación democrática para dar vida al Arte como concepto. Mostrar con unos pocos KB una imagen de una obra de Arte no es quitarle poder o valor a esa obra de Arte, sino si acaso, dárselo al publicitarlo.

Y eso a través de Libros de Autor, de Artista, logra que el Arte pueda entrar en muchas bibliotecas, en muchas maneras de ver el Arte como una parte más o menos necesaria para sentirnos algo mejor. Un mínimo mejor ya es suficiente

Spencer Tunick y su bandera LGTBIQ+

El fotógrafo norteamericano Spencer Tunick ha creado una bandera humana LGTBIQ+ en Las Palmas de Gran Canaria, en uno de sus típicos ejercicios artísticos con personas desnudas llenando lienzos urbanos, a modo de una decoración de los espacios con personas a modo de pixeles de color.

Esta obra llamada Gran Spectrum es una intervención que se ha desarrollado en la plaza de Santa Ana, junto a la Casa de Colón, dentro de Festival Culture & Business Pride 2026.

Hermosos ejercicio, pero que siempre se complementa con centenares de imágenes muy repartidas por las calles de la zona, mientras esos píxeles…, perdón, personas, se mueven antes y después de la instalación, creando singulares imágenes añadidas al ejercicio artístico que fundamenta la obra artística fundamental.

Cubo de basura pintada por niños

Este ejemplo sencillo de un cubo de basura está pintado por los niños de un colegio, para restarle esa seriedad verde y aburrida que no siempre encaja bien con la personalidad de un colegio infantil. Un buen ejemplo de acostumbrar a los niños a pintar elementos comunes.

La artista María Blanchard y su sobrina

La artista cubista española María Blanchard ya llevaba dos años viviendo en París cuando, en 1911, regresó de visita a España y pintó en Granada un retrato de su sobrina Regina, entonces una niña de cuatro o cinco años.

Más de un siglo después, la familia ha decidido donar esa obra al Museo del Prado para poder disponer de al menos dos obras de la considerada artista femenina española impulsora del cubismo en España, pero no desde España.

Terminó el cuadro que vemos arriba, se acabó la estancia temporal en España y Blanchard volvió a París. Ya nunca hizo el viaje definitivo de vuelta a España, excepto en el periodo de 1913 a 1917.

Vemos arriba una obra muy alejada de la época cubista en la que después trabajaría María Blanchard, y por la que fue más conocida como introductora de las vanguardias europeas. 

Y curiosamente esta artista es la que ya hace un tiempo rompió los límites del Museo del Prado con/contra el Museo Reina Sofia, en cuanto al corte temporal de las obras que debe contener cada museo.

Una vida muy dura marcaron sus 51 años de vida junto a la enfermedad y aunque muy bien relacionada con el mundo artístico de su época, también con las dificultades económicas.

Principio y fin, del autor Julio Escámez

El Arte jode a los Dictadores, siempre, en todos los países, en todas las dictaduras. Es una constante, el Arte tiene el poder de poner nerviosos a los que no quieren la libertad de los ciudadanos.

Chile ha rescatado un mural ocultado por la dictadura de Pinochet tras el golpe de Estado de 1973 con 12 capas de pintura encima. Querían destruirlo a base de taparlo de todas las formas imposibles. Pero el espíritu sigue debajo.

La obra ‘Principio y fin’, creada por el muralista chileno Julio Escámez, fue hallada bajo 12 capas de pintura en la Municipalidad de Chillán, el Ayuntamiento de la ciudad. Y aunque los que participaron en el destrozo dijeron que la habían picado para destruirla, como eran unos vagos solo le aplicaron capas y capas de pintura para taparla.

Eso ha permitido que se descubriera la chapuza de los dictadores y se pudiera recuperar con un gran trabajo. El descubrimiento recupera una pieza marcada por el exilio del artista y el asesinato del alcalde que la inauguró.

Inaugurado el mural en 1972 y ocultado en 1973, como consecuencia del golpe de Estado en Chile, fue declarado Monumento Nacional en diciembre de 2024.

El alcalde de la época, Ricardo Lagos Reyes, fue asesinado junto a su familia cinco días después del golpe de Estado de Chile, como ejemplo de lo que representan las dictaduras militares que llegan tras un Golpe de Estado.

Ouka Leele y su: Rappelle-toi, Bárbara

Conocí y tuve muy buena amistad con un amigo personal y de la familia de Ouka Leele, y él la tenía en aquellos mediados años 70, como un icono del nuevo arte Español con un tremendo futuro pues representaba una manera de pensar totalmente diferente a la hora de pintar, construir poesía o fotografiar lo que se imaginaba.

Sus trabajos en muchos casos son ya, de antes incluso de la movida que zarandeó no ya solo Madrid como a veces se piensa, sino toda España. La Movida fue una "movida" cultural en todos sus aspectos, incluido el Arte.

Arriba vemos la obra de Ouka Leele titulada "Rappelle-toi, Bárbara" hecha en el año 1987. Es una de las fotografías más emblemáticas de la artista española 

Representa el mito clásico de Atalanta e Hipómenes, y su proceso de creación —que incluyó una gran puesta en escena que obligó en su momento a detener el tráfico de Madrid y el uso de la Fuente de Cibeles, pues en aquellos años no existía la IA— y esta imagen está considerado un hito de la Movida madrileña.

Esta obra, que forma parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo, destaca por el característico sello de la artista.  Primero capturar la imagen en blanco y negro y colorearla posteriormente con acuarelas. 

Su propio nombre real era Bárbara Allende Gil de Biedma, y esta obra de Ouka Leele está considerada como una pieza totalmente rompedora para su tiempo, y en una de sus creaciones más personales.

La cena de Emaús. Barroco en una pintura

El Barroco fue un estilo artístico que se desarrolló principalmente en Europa durante el siglo XVII desde aproximadamente el año 1600 al 1750. Su objetivo no era solo representar una escena, sino impresionar al espectador, emocionarlo y hacerle sentir que estaba participando en lo que sucedía. Pero dentro de un trabajo que debía servir para reforzar la imagen del catolicismo romano.

El arte del Renacimiento había buscado generalmente el equilibrio, la claridad y la armonía. El Barroco, el modelo artístico que le siguió en el tiempo, en cambio, prefirió el movimiento, el contraste, la emoción y el dramatismotrabajando más los fuertes contrastes de formas e iluminación, con los que consigue transmitir movimiento y sentimientos intensos.

Podemos compararlo con el cine. Una pintura renacentista se parece a una escena cuidadosamente ordenada y tranquila, mientras que una pintura barroca se parece al momento más emocionante de una película, detenido justo cuando algo importante está ocurriendo.

En una pintura barroca suelen aparecer personajes en movimiento y posturas diagonales, gestos expresivos y emociones intensas, contrastes fuertes entre luces y sombras, sensación de profundidad y proximidad, escenas que representan momentos de mayor tensión. Personas, objetos, tejidos y alimentos pintados con mucho realismo y composiciones que parecen continuar fuera del cuadro.

No todo el Barroco fue recargado ni tuvo exactamente las mismas características. En Italia y España tuvo una fuerte presencia el arte religioso; en Francia también sirvió para mostrar el poder de la monarquía y en los Países Bajos fueron frecuentes los retratos, paisajes, bodegones y escenas de la vida cotidiana. Todo era barroco, todo buscaba impresionar, emocionar.

La Iglesia católica utilizó con frecuencia este arte para conmover a los fieles y presentar los relatos religiosos de una manera directa y comprensible. Los reyes y las cortes también lo emplearon para expresar riqueza, autoridad y prestigio. Pero el Barroco no fue solamente religioso o cortesano: también representó mercados, tabernas, familias, trabajadores y objetos comunes.

Para entender un poco más os dejo una obra de Caravaggio, La cena de Emaús, 1601 que se encuentra en la National Gallery de Londres. Podría haber elegido Las Meninas de Velázquez, pero he preferido esta.

La escena muestra el instante en que dos discípulos están con Cristo resucitado durante una comida. Caravaggio no representa un momento tranquilo. Uno de los hombres abre los brazos con sorpresa, otro parece levantarse bruscamente de la silla y los objetos de la mesa parecen sobresalir hacia el espectador. La obra fue pintada al óleo sobre lienzo en 1601.

El pintor elige el momento exacto del descubrimiento. Los gestos son teatrales, pero comprensibles. Una luz intensa destaca los rostros y las manos. El fondo oscuro aumenta el dramatismo. Los personajes parecen personas corrientes, no figuras idealizadas. La cesta colocada al borde de la mesa parece estar a punto de caer hacia nosotros. El espectador siente que ocupa un lugar junto a la mesa. 

Caravaggio convierte así una narración religiosa en una experiencia inmediata: no parece que estemos viendo un acontecimiento lejano, sino que acabamos de entrar en la habitación.

El Hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci

Hay muchas obras que representan los puntos sobre los que pivota el Mundo del Arte desde los puntos de ista históricos tato por sus creadores como por lo que representan todavía estas obras. Una de ellas es esta "El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano".

Uno de los dibujos más famosos de Leonardo da Vinci es el conocido como El Hombre de Vitruvio, realizado sobre 1485 a 1490 (hay dudas). Su título completo suele explicarse como Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano. Es una obra pequeña, hecha con lápiz y tinta sobre papel, pero su importancia es enorme porque resume muy bien una de las grandes ideas del Renacimiento Pleno, el deseo de comprender el mundo mediante la unión entre arte, ciencia, geometría y observación de la naturaleza.

El dibujo representa a un hombre desnudo en dos posiciones superpuestas, y con los brazos y las piernas abiertos. Su cuerpo aparece inscrito al mismo tiempo en un círculo y en un cuadrado. No se trata de una simple figura anatómica. 

Leonardo está intentando demostrar que el cuerpo humano puede entenderse a través de relaciones matemáticas y proporciones geométricas. Un ejercicio que traspasa el de un simple artista del dibujo o la pintura.

La obra se inspira en los textos del arquitecto romano Marco Vitruvio, que vivió en el siglo I antes de Cristo. Vitruvio defendía que un edificio bien construido debía guardar proporciones armónicas, parecidas a las del cuerpo humano. 

Para él, el cuerpo era una especie de modelo de equilibrio natural. Leonardo, muchos siglos después, estudió esas ideas y las transformó en una imagen clara y poderosa. Mezclaba diferentes Artes, y en este caso intentaba explicar o explicarse la armonía de la Arquitectura con el diseño del Cuerpo Humano.

En el dibujo, el cuadrado puede asociarse con la medida, la estabilidad y el mundo material. El círculo, en cambio, sugiere perfección, totalidad y armonía. El cuerpo humano queda situado entre ambas formas. Por eso esta imagen se ha interpretado muchas veces como un símbolo del ser humano colocado en el centro del universo, una idea muy característica del pensamiento humanista del Renacimiento.

Pero conviene no entender mal la obra. Leonardo no está diciendo que todos los cuerpos humanos sean exactamente así. Tampoco está haciendo un retrato de una persona concreta. Lo que busca es representar unas proporciones ideales, es decir, un modelo teórico de equilibrio. 

Por ejemplo, estudia relaciones como la distancia entre los brazos extendidos, la altura total del cuerpo, la posición del ombligo o la proporción entre la cabeza, el tronco y las extremidades.

Lo más importante de El Hombre de Vitruvio es que muestra cómo Leonardo miraba la realidad. Para él, el artista no debía limitarse a copiar lo que veía. Tenía que investigar, medir, comparar y comprender. Por eso Leonardo fue pintor, pero también estudioso de la anatomía, la ingeniería, la óptica, el movimiento del agua, la mecánica y muchas otras disciplinas.

Esta obra representa muy bien el espíritu renacentista. En la Edad Media el arte había estado muy ligado a la religión y a la enseñanza de la fe. En el Renacimiento esa dimensión no desapareció, pero creció el interés por el ser humano, la naturaleza, la antigüedad clásica y el conocimiento racional. El cuerpo humano dejó de ser solo una presencia física o espiritual y empezó a estudiarse también como una estructura admirable, organizada y proporcionada.

Por eso El Hombre de Vitruvio sigue siendo una imagen tan conocida. No es solo un dibujo anatómico. Es una declaración de principios. El cuerpo humano como medida, como objeto de estudio y como símbolo de armonía. Leonardo consiguió convertir una reflexión técnica sobre proporciones en una de las imágenes más reconocibles de la cultura occidental.

Adoración de los Magos de Giotto. Inicio del Renacimiento

En el año 1305 Giotto pintó esta obra de la que vemos el conjunto y un detalle del niño Jesús. Era el inicio del Renacimiento, y se buscaba un nuevo realismo contemplativo, crear realismo en las escenas, se buscaba la profundidad de campo, colocando a las figuras en escenarios casi teatrales. 

Esta obra es el fresco de la Adoración de los Magos, pintado por el maestro italiano Giotto di Bondone. Forma parte del famoso grupo de la Capilla de los Scrovegni en Padua, Italia, representando escenas de la vida de Cristo. Durante dos años estavo Giotto pintando esa capilla con esta obra y otras similares.

La escena muestra a los Reyes Magos adorando al Niño Jesús, con un detalle notable de un cometa en el cielo que inspiró la interpretación científica de la Estrella de Belén.

Si vemos el detalle que he elegido, se puede observar al Niño Jesús vestido como en la época. Ya no aparece desnudo, algo lógico por los fríos de diciembre.

Este fresco, de dos metros de altura, destaca por ser una de las primeras obras en introducir un paisaje realista y profundidad espacial. Giotto representó a los Magos adorando al Niño Jesús, quien es sostenido por la Virgen María se encuentra bajo un techo de madera que simboliza la pobreza y el nacimiento de la Iglesia.

El elemento más icónico de la obra es como comentaba antes la Estrella de Belén, pintada como una cometa brillante en el cielo. Se cree que Giotto la concibió tras observar el paso real del Cometa Halley en 1301. Esta conexión astronómica fue tan notable que la Agencia Espacial Europea nombró Giotto a su famosa sonda espacial. 

Los tres Magos ofrecen oro como rey, incienso como Dios, y mirra como hombre, y el rey más anciano aparece arrodillado besando los pies del Niño Jesús, tras haberse quitado la corona real, mostrando sumisión ante lo Divino. Se puede observar que no hay ningún Rey de raza negra, todos son blancos.

La Sagrada Familia está representada bajo una estructura de madera que simboliza tanto el pesebre y la pobreza como la futura Iglesia que se estaba construyendo con pocos materiales todavía.

Nacimiento del Renacimiento en la pintura

Con la llegada del Renacimiento en el Arte, tras el Gótico, lo que sí hubo fue una nueva consideración con los artistas, que hasta ese momento eran más considerados artesanos que artistas creadores.

Se siguió considerando que lo más importante era divulgar la palabra de Dios, pero aumentando el papel filosófico de sus historias dando un papel más importante a los artistas que creaban desde su punto de vista, las historias que creían importantes.

El Renacimiento nace desde Italia y Flandes (actual Bélgica) hacia Europa, u durante dos siglos desde los inicios del XIV, sobre todo con la llegada de la imprenta, se amplían los usos del Arte entre las familias poderosas, lo que facilita un tipo de negocio para ricos y eruditos, que facilita la expansión.

Es cierto que durante la Edad Media y aún durante buena parte del Renacimiento, pintores y escultores trabajaban en talleres y corporaciones y pertenecían al mundo de los oficios manuales y que el cambio fue progresivamente, sobre todo en Italia, que comenzó a valorarse más la personalidad y la capacidad intelectual del maestro.

El arte religioso siguió teniendo una importancia enorme, eso sin duda, pero el Renacimiento amplió notablemente los temas ampliando hacia la mitología clásica, historia antigua, retrato, alegorías, temas cívicos y asuntos profanos.

Poco a poco los temas religiosos puros perdieron fuerza —aunque continuaron ocupando un lugar fundamental—, y el humanismo y la recuperación de la cultura clásica ampliaron los asuntos representados y la forma de tratarlos. 

Aunque los artistas seguían trabajando, en su mayoría, por encargo y sujetos al tema elegido por sus clientes, fueron adquiriendo mayor libertad para interpretar las historias, construir las escenas y aportar a ellas una visión artística propia.

El gran cambio no fue que el artista pudiera pintar lo que le diera la gana, sino que empezó a reconocerse por los que hacían el encargo que, aun pintando un tema encargado, Rafael, Leonardo o Miguel Ángel aportaban algo que pertenecía específicamente a los artistas Rafael, Leonardo o Miguel Ángel.

Ahí está una de las transformaciones esenciales de la consideración del artista durante el Renacimiento. La aspiración a elevar la pintura al rango de actividad intelectual o «arte liberal» en donde el papel del artista era ya importante.

En estos dos siglos suceden algunos asuntos tremendamente importantes para el Arte. En el año 1454 se publica el primer libro impreso que es la Biblia de Gutenberg, y pocos años después y sobre el año 1470, la pintura al óleo se impone sobre los frescos y el temple al huevo sobre tabla, por ser un método de secado mucho más lento, lo que permitía a los artistas hacer rectificaciones y tener más calma para crear los detalles y las obras. El óleo dio al nuevo artista renacentista una herramienta mucho más flexible para interpretar personalmente la realidad.

En Europa hay constancia del empleo de aceites secantes como aglutinantes pictóricos al menos desde el siglo XII. Es decir, se mezclaban pigmentos con aceites —principalmente linaza o nuez— mucho antes del Renacimiento y la gran revolución técnica del óleo llega a Italia desde el norte de Europa, especialmente desde los Países Bajos.

En Italia como cuna del Renacimiento existía una tradición potentísima de pintura al temple de huevo sobre tabla. El pigmento se mezclaba normalmente con yema de huevo y se aplicaba sobre tablas preparadas con yeso. Esa fue una técnica fundamental en la pintura medieval italiana.

En la imagen podemos ver unos de los primeros ejemplos de pintura del Renacimiento, todavía al fresco y no al óleo. La obra Lamentación sobre Cristo muerto es una escena del pintor italiano Giotto de Bondone (Giotto). Está realizado al fresco, y fue pintado entre sobre el año 1305 y está situado en el centro de la pared izquierda de la Capilla de los Scrovegni de Padua.

Milton H. Greene y Marilyn Monroe

El fotógrafo Milton H. Greene nos muestra en esta imagen en la que vemos a Marilyn Monroe en el año 1955 una imagen muy emotiva, triste y tal vez incluso derrotada. El fotógrafo supo captar lo que ya era un declive como persona con salud débil, aunque estuviera en lo mas alto de su carrera cinematográfica. 

Era un ser humano herido, se sabía un objeto manipulado, un producto que se vendía con los arreglos necesarios pero sin detectar que era frágil y que ya empezaba a sentir incluso miedo y asco de sus alrededores.  El fotógrafo supo rascar en su interior, a través de una sesión de fotografías muy personales y hoy muy válidas.

Aquel mes de marzo de 1955 quedaba todavía lejos de su posible (o no) suicidio en 1962. Muestra a una Marityl moderna pero no anclada en la moda de mujer fatal, con tacones altos y unos modelos de ropa muy sofisticados. De hecho hizo más por la moda casual pero moderna, de lo que nos imaginamos.

Nace el Arte Gótico, para que entre el Cielo

El llamado Arte Gótico comienza en el año 1140 más o menos, con el encargo de la reconstrucción de la iglesia de Saint-Denis en París y dura hasta el año 1500. Nace en Francia y se expande enseguida por Europa.

La idea con ese trabajo de reconstrucción era crear unos grandes mosaicos vidrieras sobre los ventanales, por los que entrara a la basílica una inmensa luz de color que ellos mismos llamaron: "La luz líquida que venía del cielo".

Se inicia una arquitectura muy elevada, buscando precisamente esa luz, acercarse al cielo, y reflejar que era como entrar por la puerta del Paraíso.

Otra vuelta de tuerca al Arte Religioso, para crear sensaciones, para convencer a los fieles de que aquello, con todo el Arte posible, era acercarse en vida a lo que sería la Eternidad. Era plantear la enseñanza de las religiones imperante desde los conceptos, las sensaciones, más que desde la pedagogía de las imágenes.

Era llenar de Arte nuevo lo que ya era una nueva forma de entender la religión. Y era también separarse de las nuevas órdenes religiosas que se fundaron en el siglo XIII, los dominicos y los franciscanos, que buscaban más cuidar la pobreza, la oración y el estudio, los martirios y la pedagogía religiosa más acercada a la anterior.

Se buscaba que aquellas vidrieras se admiraran por lo que representaban, no por ser Arte, aunque sin duda impresionaban a los que entraban en aquellas enormes catedrales, quedando impresionados por todo. Se buscaba con aquel Arte que los espectadores, ya dentro de las iglesias, se emocionaran con tanta belleza que casi parecía irreal.

Vidrieras, arquitectura, esculturas y retablos, pinturas y frescos, o tapices y libros pintados o iluminados para contar la historia de la religión y para emocionar. Se buscaba la naturalidad, mostrar ese momento de aquella actualidad con sus ropas, sus instrumentos de uso, sus propios gestos de aquellos años.

Y sobre todo hacer creer que aquello era la entrada a Dios, un lugar muy diferente, luminoso, inmenso, elevado hacia los Cielos.

Coco Escribano y una escultura colorista

La pequeña escultura que vemos es de la artista Coco Escribano, de su exposición de 2015 en el Centro de Historias de Zaragoza, titulada "Play House" en donde nos hablaba de esa dualidad del ser humano, capaz de crear y de destruir, de intimidad o de tristeza.

La artista Coco Escribano nació en Quintanar del Rey, Cuenca, en 1984. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha, aunque ha residido durante varios años en Zaragoza, donde ha expuesto en varias salas y colaborado con Believe in art.

Coco Escribano vivió su infancia en su Cuenca natal durante los años 80 y 90, una época de explosión artística en una ciudad cuna de la abstracción en España. Creció rodeada por la sensación de poder conseguir todo lo que uno se propusiera. Ese sentimiento, de la mano de las negativas consecuencias de una desmedida autoexigencia, abonaron desde muy pronto su obra de ilustradora. Recientemente, en esa línea, ha expuesto en la Fundación Antonio Pérez (Cuenca) piezas bajo el título “Wonderful life”.

Actualmente su trabajo se diversifica en dos campos. Por un lado, desarrolla su obra más personal como artista plástica, dando el paso desde la ilustración al lienzo, y por otro lado lleva a cabo su trabajo como ilustradora colaborando con marcas como Casio o Compañía fantástica, y con editoriales y revistas como Penguin Random House, Bala Perdida, Glamour o Marie Claire.

En sus últimos trabajos crea imágenes y esculturas que nos hablan de la positividad tóxica sin ser obras totalmente naif. En nuestra sociedad la felicidad se ha convertido en una de las principales metas como individuos, una especie de religión donde el Dios es un gran Smile que brilla como un sol abrasador.

Esa felicidad tan ansiada podemos verla en redes sociales, en la publicidad e incluso en los servilleteros y azucarillos de las cafeterías. En su obra, Coco refleja lo grotesco de ese afán, cuando se convierte en un dogma, cuando la sociedad dicta unas expectativas de plenitud, rendimiento, realización y felicidad, así como la desdicha que se apodera de nosotros cuando no las alcanzamos.

Sus obras son un autoejercicio para entender cómo nos comportarnos como individuos en la sociedad y cómo esta nos influencia en ese comportamiento y en nuestro estado anímico. Nos presenta a mujeres vestidas con trajes estampados de personajes coloridos y alegres que contrastan con la expresión de tristeza, inquietud e incertidumbre de sus rostros.

Nota.: Parte de los textos son de su propia página web.

Sopas Campbell’s de Andy Warhol

Hoy os dejo una muestra de 10 Sopas Campbell’s de Andy Warhol como ejemplo para disfrutar del día. Sí, es una obra que parece sencilla, una obra Pop que aunque aquí estarán impresas, en realidad eran pintadas.

Las sopas Campbell’s de Andy Warhol nacen en 1962 con la serie Campbell’s Soup Cans y fueron en un principio 32 lienzos, uno por cada variedad de sopa Campbell’s existente entonces. Cada lienzo mide unos 50,8 × 40,6 cm. Aunque parecen impresos industrialmente, los originales estaban pintados a mano, con algunos detalles estampados.

Se expusieron primero en la Ferus Gallery de Los Ángeles, colocados como productos en estantería de supermercado. La importancia está en que Warhol convirtió un producto corriente, barato y repetido en icono artístico. Hoy todo el mundo que conozca algo del Arte Moderno, asemeja estos botes de sopa con la obra de Andy Warhol.

No idealiza el objeto y lo presenta casi como una mercancía pura. Ahí está la clave del Pop Art. Simplemente publicidad, consumo, repetición, marca, cultura popular. Y un producto artístico repetitivo, fácil de reproducir, barato incluso si se ofrece como copias.

Las obras de las sopas Campbell’s no son una sola obra, sino un motivo central dentro de todas las obras de Warhol como sus repeticiones con variables de Marilyn.

Empiezan estas sopas como pintura manual en 1962, pasa a ser unas obras repetidas y más populares como serigrafías entre 1968 y 196969, y acaba convertido todo el conjunto en emblema de su relación entre arte, publicidad y consumo. Hoy no es ya posible identificar una sola de esas 32 Sopas, pues todas nos parecen iguales, todas nos aseguran mentalmente que son de Andy Warhol.

Años posteriores, Andy Warhol y sus descendientes en la propiedad de sus obras, siguieron reutilizando el motivo en dibujos, encargos, objetos firmados, campañas y versiones tardías. 

En 1985, incluso volvió al tema Campbell’s en trabajos vinculados a encargos comerciales de la propia marca. Os dejo una relación de las distintas opciones que sobre las famosas Sopas Campbell’s se hicieron de forma original. De todas ellas hay múltiples impresiones de todo tipo.

Año 1962 — Campbell’s Soup Cans.
La serie original de 32 lienzos, con sabores como Tomato, Chicken Noodle, Vegetable, Beef, etc. Fondo blanco, lata roja y blanca, composición frontal casi idéntica.

Año 1962 — Latas individuales pero con variantes.
Warhol también hizo obras relacionadas como Crushed Campbell’s Soup Can, donde la lata aparece abollada o deformada, ya no como imagen perfecta de supermercado.

Año 1968 — Campbell’s Soup I.
Serie serigráfica de 10 estampas, ya no lienzos únicos. Aquí el método industrial cobra más importancia: repetición mecánica, colores planos, tirada múltiple.

Año 1969 — Campbell’s Soup II.
Otra carpeta de 10 serigrafías, con variantes más llamativas y menos “fieles” al envase original. Aparecen sabores distintos y un tratamiento más gráfico.

Esta muestra que vemos está expuesta temporalmente en el Centro de Historias de Zaragoza, y son serigrafías del año 1962.

El plátano de Andy Warhol

Este cartel de Andy Warhol de 1967 era para anunciar un disco y unas actuaciones del grupo de rock The Velvet Underground que en este caso iba acompañados de la cantante alemana Nico (Christa Päffgen).

Andy Warhol produjo este disco, aunque su influencia no fue mucho y los auténticos productores y los que controlaron mazclas y calidad de la producción, nunca salieron del anonimato. Se les atribuye a Norman Dolph, John Cale y John Licata, pero no aparecen en el disco.

Nos queda el diseño de Andy Warhol y por eso lo traigo hasta aquí. El primer plátano que se hizo famoso en el mundo del Arte.