31.1.25

Miniaturas de calle en el Arte Urbano


Desde la cuenta de Joumoupellegrout ha sacado esta imagen, pintando en el suelo de una calle. Posiblemente por él mismo, pero no lo tengo asegurado. Es una forma por mi parte de transmitir que no solo las paredes son lienzos únicos, sino que a veces, el propio suelo puede jugar con todos, con los artistas y con los espectadores.

Hay muchos ejemplos que nos están diciendo que también el pequeño trabajo, las miniaturas, pueden funcionar muy bien en el Arte Urbano. Hay bastante ejemplos y se van ampliando. Es un guiño a saber encontrarlos.

28.1.25

Vista panorámica de Zaragoza, de Francisco de Goya


Este dibujo boceto guardado con el nombre de "Vista panorámica de Zaragoza" y realizado en el año 1790 es un dibujo a la aguada con tinta china sobre papel, y atribuido a Francisco de Goya. Tiene un tamaño de 9,5 x 41,8 cm. y procede de la colección Carderera y se vendió para formar parte de la colección Marqués de Casa Torres.

Vemos a la ciudad de Zaragoza desde el monte de Torrero, y podemos observar en el boceto y de izquierda a derecha las torres y cúpulas de Santo Domingo, San Pablo, San Ildefonso, la Torre Nueva, el templo del Pilar, San Lorenzo y San Carlos.

En el año 2023 salió a subasta en Abalarte por 244.000 euros brutos y no fue vendido. 

26.1.25

El grafiti como Arte Urbano que amplía sus calidades artísticas


El graffiti ha pasado de ser considerado solo vandalismo a ser valorado como una forma legítima de arte contemporáneo. Como en todo, hay escenas y obras claramente artísticas y muy válidas e interesantes, y actividades torpes, cochinas e incluso vandálicas.

Artistas como Banksy, Jean-Michel Basquiat y Keith Haring fueron pioneros en llevar el arte callejero a galerías y museos, desdibujando los límites entre lo urbano y lo institucional. Se empezó a cotizar el Arte Urbano en el mercado del arte, perdiendo una parte importante de su sentido.

En 2024, exposiciones como la del Museo de Arte Prohibido de Barcelona exploraron cómo el graffiti ha influido en prácticas artísticas contemporáneas, incluso en técnicas sutiles denominadas "trasgraffiti" (arte que integra elementos del graffiti en otros medios sin ser explícitamente callejero). 

Ejemplos destacados e innovadores incluyen el mural OPTICHROMIE de Felipe Pantone en Jersey City, que fusiona geometría vibrante con efectos ópticos, y las instalaciones de JR en Milán, que usan ilusiones anamórficas. El grafiti se ha convertido claramente un Arte Urbano Contemporáneo y tristemente efímero.

Influencias del muralismo latinoamericano y el minimalismo europeo, como en las obras de Jason Revok, que integra símbolos de los años 70 en arte contemporáneo, han ido influyendo en estas evoluciones.

El graffiti en Occidente evoluciona hacia una síntesis de arte, tecnología y activismo. Mientras gana legitimidad en instituciones artísticas, conserva su raíz rebelde, y adaptándose a retos globales como la sostenibilidad y la digitalización. 

Su futuro apunta a una mayor hibridación con otras disciplinas artísticas y a un papel central en la definición de identidades urbanas. Se trabaja más las ciudades con ayudas de los propios ayuntamientos, creando festivales o jornadas en donde se pone en valor el Arte Urbano.

Iniciativas como Art Aero Rap en España han transformado espacios abandonados en atracciones turísticas, con más de 350 murales en La Bañeza (León). Varias ciudades en España tienen ya recorridos turísticos por sus espacios de Arte Urbano, y es posible que esto vaya en aumento.

25.1.25

La importancia del barrio propio en el grafiti


En el grafiti se empieza trabajando sobre todo en el propio barrio, la cercanía es fundamental, pues se conoce el urbanismo, se siente más seguro el que lo hace, y además si deseo es darse  a conocer entre sus colegas y amigos. 

Por eso el barrio desde los inicios del grafiti es un eje fundamental para trabajar las pinturas urbanas. Luego y cuando ya el trabajo va evolucionando se atreven a salir a otras zonas de su ciudad, y a dar el salto a otras localidades.

24.1.25

Descendimiento de la Cruz, del Libro de Horas de Gralla


Esta miniatura pintada y coloreada es de Giacomo Smeraldo Dotavanti, un toscano que hizo un Libro de Horas conocido como "Libro de horas Gralla" para la familia barcelonesa de Miguel Joan Gralla, un leridano que además de ser de la nobleza era diputado en la Generalitat catalana y diplomático, y que se casó en 1506 con Anna Desplà, también de la nobleza de aquellos años en Cataluña.

Aquel Libro de la Horas se dedicó a mostrar “Las Horas de la Virgen, articuladas en torno a las ocho horas canónicas, también el Oficio de Difuntos” y algunas de sus páginas contenían oras de arte miniaturas, como la que vemos arriba.

Los Libros de Horas en la Edad Media en España


Los Libros de Horas son auténticas obras de Arte, miniaturas dibujadas en casi todos los casos a mano por artistas, destinados a ser libros de oración para personalidades con poderes en la Edad Media. Manuscritos pintadas y coloreados y muy populares en esa época, especialmente entre los siglos XIV y XV. 

Eran como pequeñas biblias personales que contenían oraciones, salmos y lecturas para acompañar a los fieles en su devoción diaria. Y por eso se hacían pensando en la personalidad de quien era su propietario. No todos contenían los mismos salmos y oraciones.

Los Libros de Horas eran pues objetos personales, a menudo muy personalizados con el nombre del propietario y decorados con sus símbolos heráldicos. Muchos Libros de Horas eran verdaderas obras de arte, con ilustraciones exquisitas y miniaturas pintadas a mano por los mejores artistas de la época, hechos de encargo para regalar.

Los Libros de Horas incluían calendarios, hechos históricos de la época, datos de astronomía, ilustraciones de los santos, escenas de la vida de Cristo y la Virgen María, y genealogías familiares. Las ilustraciones, conocidas como miniaturas, eran realizadas con gran detalle y belleza, utilizando técnicas como la acuarela y el oro. 

Se elaboraban en pergamino, con cubiertas de cuero o madera y adornos de metales preciosos en unos tamaños pequeños. Cada Libro de Horas era único, adaptado a las necesidades y gustos de su propietario lo que les permitía rezar de forma privada y personal.

Los Libros de Horas se guardaban en cofres o en lugares de seguridad dentro de las bibliotecas personales, pues sabían de su gran valor, y normalmente se conservaban en los palacios y se utilizaban para ocasiones no muy habituales. Para rezar en el día a día tenían otros libros pequeños. A veces y según periodos religiosos, se colocaban en atriles delante de los altares personales.

Oa dejo una página de un Libro de Hora en donde vemos a San Jorge. La página entera y un detalle de la misma.



23.1.25

Estilos de firmas en el mundo del grafiti


Los Tag (Firma) son la base con la que inician los grafiti de pared todos los grafiteros, la manera en que les entre el gusanillo de seguir atreviéndose a conquistar las calles. En principio en su barrio y luego en su ciudad.

Es la base del grafiti, la simple firma del autor. Como en un principio el objetivo era escribir el nombre el mayor número de veces posible, las letras eran legibles y sencillas, lo que conllevaba también un menor tiempo de ejecución. 

Además, en esta primera época desde finales de los años 60 del siglo XX, aún no se tenían referencias de otros estilos y la técnica era muy básica. Se sigue utilizando como modo de iniciación, pero enseguida se evoluciona a otro estilo o se abandona la actividad.

Luego surgieron las Tag con Outline (Firma con Borde) que consistes en una línea más fina de otro color que bordea la forma de las letras gruesas. El borde puede ser negro, de color o línea blanca según el fondo. Esto dota de más trabajo y sería el siguiente paso en el grafiti, darle personalidad a la firma propia.

Se continúa con las Bubble Letters (Letras Pompa) que son letras más gruesas, redondeadas y relativamente sencillas, pero ya con color de relleno y borde y algún detalle. Van creciendo en cantidad de trabajo, en calidad, en color.

A partir de este momento cada grafitero se empieza a plantear qué tipo de evolución quiere tener. Podríamos decir que el siguiente paso es elegir entre las Throw Ups (Vomitados o Potas) que es una versión chapucera de las letras Pompa. Tiene poco diseño y poca cantidad de pintura en su relleno, de modo que se notan los trazos del aerosol. 

O las Block Letters que son letras muy simples, normalmente gruesas y con rellenos sencillos, legibles y de gran tamaño.

En la anterior entrada ya hablaba de las Wild Style (Estilo Salvaje) y os dejo la dirección pinchando aquí, por si os interesa, para entrar en el Model Pastel con Estilo 3d, que busca crear un efecto de tridimensionalidad en las letras. 

A veces, el diseño de las letras pasa a un segundo plano y cobra más importancia su relleno. El efecto 3D se consigue por el uso del color, la forma de las letras en perspectiva, el cambio de ángulo de visión. Su carácter es más artístico, yy requiere más trabajo y tiempo. Al contrario que los demás, este estilo nació en Europa.

Tendríamos también el estilo Dirty o Estilo Basura, que originario de Francia, smás moderno, trabaja ela deformación de los elementos habituales. Se crean forman incorrectas, deformidades, colores repelentes entre sí, generando un estilo sucio.

Luego podríamos entrar ya en los estilos más novedosos como el Grafiti Orgánico que es un estilo relativamente nuevo. 
En una misma pieza se unen varios estilos diferentes. 

Las letras cobran un carácter que adapta sus formas en diversos objetos, fusionando así el dibujo de letras tradicionales de grafiti con complementos como personajes u objetos. De este estilo hay modelos con personajes de cómic que surgen en el metro de Nueva York en los años 70 como acompañamiento a las letras, aunque hoy en día muchos escritores basan su obra íntegramente en la creación de personajes. Muchos de estos dibujos vienen de los dibujos animados y del mundo del cómic.

Y podríamos terminar los estilos de firmas que ya se han ido convirtiendo en grafitis, con los Grafiti Abstracto, que sería el grado extremo, donde el graffiti pierde su identidad, ya que las letras dejan de ser legibles o incluso de ser el motivo del grafiti aunque parezcan trazos, y el relleno de colores degradados pasa a ocupar la superficie entera del soporte.




22.1.25

Grafiti para humanizar un barracón educativo


Es un edificio añadido a un centro escolar de Zaragoza.Decorado con grafiti para darle color y un toque de personalidad propia. Esta es también una de las funciones del grafiti, del Arte Efímero Urbano. No será así siempre, durará unos años, y se reemplazará por otro modelo decorativo. Pero cumple perfectamente su función de humanizar un barracón feo.

La Sagrada Familia con San Joaquín y Santa Ana ante el Eterno en gloria, de Goya


El cuadro "La Sagrada Familia con San Joaquín y Santa Ana ante el Eterno en gloria" o "La Triple generación" es una pintura al óleo de tema religioso pintado de joven por Francisco de Goya en un tamaño no muy grande pues tiene 80 centímetros de altura.

Hay dudas sobre el año en el que lo pintó, siempre entre 1763 y 1769, pues los datos son solo de indagaciones sobre la época y el tipo de iluminación que utilizó en los personajes de la obra el propio Goya. Parece una obra religiosa de un Goya joven, pero ya realizada en su época primera en Madrid.

Vemos a la Virgen junto al niño ya de algunos pocos años, junto a San José y sus abuelos San Joaquín y Santa Ana, mientras desde arriba los contempla Dios y el Espíritu Santo rodeados de ángeles. Colorista, bien iluminado, transmitiendo paz desde la ya edad avanzada de parte de sus protagonistas.

21.1.25

Plaza del Ciervo en Zúrich y su número 8

Es el número 8 de la Plaza del Ciervo en Zúrich en Suiza. Así de sencillo. En mis paseos por Europa a veces simplemente buscaba números.

Un ocho es un número bello, pero en una plaza con este nombre tan sugerente, al ser tan redondeado, todavía parece más hermoso.

León XIII y el año 1878

El año 1878 además de ser importante por haber construido esta escalera en las islas Borromeo, no dió para mucho. 

Pero queda guapo hablar de 1878 como un buen año, aunque no pasara casi nada relevante.

Bueno sí, que se eligió como nuevo Papa a León XIII que debió ser importante en su época por su carácter humanista, pues tiene una calle en la ciudad de Zaragoza al menos.

Una pared cualquiera de La Alhambra en Granada

Es muy difícil no caer rendido ante las bellezas de los Palacios de los Nazaríes de Granada, dentro de La Alhambra

Han pasado 700 años de que aquellos españoles —aunque les llamáramos moros después— construyeran aquellas habitaciones tan ricamente adornadas, con tanto arte y tanto color y gusto. 

No es posible dedicar horas a ver solo el interior de estos Palacios Nazaríes, pues sin querer te empujar a verlos en tumulto, pero siempre quedan las imágenes para disfrutar un poco más y después, aquello que te ha sorprendido.

El arte de ser pachuco en México. Una elegancia a medias

Los jóvenes mejicanos suelen adoptar la figura del hombre elegante, que allí en México llaman "ser pachuco" y que se cree se remontan a los años 1930 y 1940 en Los Ángeles, donde los emigrantes mexicanos al asentarse en EEUU usarían los trajes elegantes, en parte como un símbolo de desafío contra la discriminación racial y un sistema de defensa. 

La continuación de esta costumbre en México es vista en parte como una protesta de la juventud contra el tratamiento de los inmigrantes mexicanos al pasar la frontera con el gigante americano. La fotografía es de Henry Romero para Reuter.

Stations of the Elevated y Fabulous Five. Historia del grafiti


El documental Stations of the Elevated es un documental del Arte Urbano de 45 minutos, realizado en el año 1981 y dirigido, producido y editado por Manfred Kirchheimer. Filmada en un principio en película de 16mm, este film documental entreteje las imágenes de trenes cubiertos de grafitis atravesando el áspero paisaje del Nueva York de los años setenta, con una banda sonora que combina los ruidos de la ciudad con el jazz y el gospel de Charles Mingus y Aretha Frankiln.

"Eran niños que realmente se expresaban y que se expresaban fuera de un gueto"
—dijo en su momento Manny Kirchheimer"y eso me hizo pensar durante mucho tiempo en la legalidad y la ilegalidad".

Deslizándose entre el South Bronx, Brooklyn, Queens y Manhattan –haciendo un desvío por la penitenciaria al norte del estado– Stations of the Elevated es un retrato impresionista y un tributo a un Nueva York desaparecida hace ya mucho tiempo.

El documental es bueno, pero la banda sonora está perfectamente elegida. Se puede encontrar en YouTube.

En la imagen vemos una de las pintadas más famosa de aquellos años, realizada en un vagón por el Colectivo Fabulous Five, muchos de los miembros principales eran de Staten Island, y que se convirtieron en leyendas.

Era un equipo centrado casi exclusivamente en pintar coches completos de tren o metro en las cocheras de los vehículos. Trabajaron predominantemente en las Líneas RR, 2 y 5. Empujaron la escritura al límite. Crearon murales detallados que inspiraban a sus compañeros y sorprendían al público.

Con frecuencia encabezaron la lista de los más buscados de la policía de tránsito. El Fabulous Five (FAB 5) se uniría a la lista corta de grupos de jóvenes que lograron pintar un tren entero (10 vagones). El tren completo fue hecho por DOC, LEE, MONO, SLAVE. Estamos hablando de la segunda mitad de la década de los 70 del silo XX.

Fueron miembros de Fabulous Five (FAB 5): los pintores urbanos DIRTY SLUG, MONO 105.2, DOC109, PROF 165, OG 2, BLUD, SONY, BOB, SLAVE, DEL, LEE. Los miembros más prolíficos en el Grupo fueron DIRTY SLUG, MONO 105.2, DOC109, SLAVE y LEE

¿Qué es el Wildstyle en el mundo del grafiti?


El estilo Wildstyle (estilo salvaje) en el grafiti, es un modo de escribir textos o letras y que surge en el sur del Bronx siendo quizás todavía el más popular y extendido cuando se llega a un cierto nivel de profesionalidad. Surgió como resultado de la búsqueda de una mayor complejidad en los textos, en las tipografías. 

Lleva adornos que no forman parte de la letra: círculos, espirales, picos, flechas, que le aportan dinamismo. Surge en la época de la guerra de estilos tipográficos, en la que la única manera de identificar al autor era a través de su propio estilo.

Las letras se entrelazan, superponen y se deforman de manera intencional, creando un efecto visual muy dinámico y en ocasiones caótico. El Wildstyle está en constante evolución, con nuevos artistas que aportan sus propias innovaciones y variaciones.

Cada grafitero tiene su propio estilo dentro del Wildstyle, lo que hace que cada pieza sea única e irrepetible. Dominar el Wildstyle requiere mucha práctica y habilidad, ya que implica un gran conocimiento de las formas y las proporciones. 

El Wildstyle representa un desafío para los grafiteros, quienes buscan constantemente superar sus propios límites y crear piezas cada vez más complejas y originales, y eso lo convierte en un desafío para su trabajo, para crear cada vez mejores grafiti y para que no sea sencillo entender qué se ha escrito, si no media alguna explicación.

Es una manera de expresar la individualidad y la creatividad de cada artista. Dominar el Wildstyle otorga un gran prestigio dentro de la comunidad del graffiti, caracterizado por su complejidad, su belleza y su dificultad. Es una forma de arte que requiere mucha habilidad y dedicación, y que sigue evolucionando hasta el día de hoy.



20.1.25

Perro semi hundido, de Goya. ¿Qué miraba?


Del llamado "Perro semihundido" de Francisco de Goya sabemos lo que podemos, y a su vez sabemos que no sabemos todo. Era una obra sobre pared en su casa de Madrid, desde donde también se sacaron las famosos Pinturas negras, en en el traslado se perdió parte de la obra, y se retocó posteriormente.

Se conserva una fotografía de J. Laurent realizada en el año 1874, desde el interior de la Quinta del Sordo en donde estaba esta obra de "El Perro", posiblemente con iluminación eléctrica, lo que no garantiza todo lo que allí se veía pues como es lógico, la imagen es en BN y además posiblemente con filtro o con un objetivo que los amarillos y naranjas los trasladaba algo más potentes. La fotografía se hizo poco antes de proceder al arrancado de las obras

El caso es que esta obra que está en el Museo del Prado nos muestra a un perro que mira a la nada, como distraído, sin saber bien qué hace en esa posición. La obra se pinto sobre 1820 a 1823, no se puede concretar pues no se sabe bien en qué orden hizo las obras de su casa de la Quinta del Sordo.

Las Pinturas Negras se hicieron directamente sobre la pared seca, no pintadas al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo como un elemento más. Estaba en una pared lateral junto a otra obra titulada "Dos brujas" de las que no se conoce nada más pues se vendió y en la actualidad no se sabe si existe.

Esta imagen que vemos está tratada y reinterpretada en el blog para mostrar lo que en la fotografía en BN se observa. Unos posibles pájaros volando, no queda claro si (casi seguro) dos o tres. Pero a su vez, hay dudas de si realmente son lo que parece, o rasponazos de la obra sobre la pared simulando unas pequeñas aves. 

Lo cierto es que esos detalles oscuros que simulan aves ya no están en la obra que ha pasado a nuestros días, y nunca sabremos qué era lo que realmente intentaba decirnos Goya con la mirada de ese perro en su propio salón. 



vandalismo divertido sabes escribir


En este blog estoy totalmente en contra del vandalismo, y eso hay que dejarlo claro. Pero escribir en una pared sin uso, en un edificio abandonado, en un espacio muy viejo y ajado, para mí… no es vandalismo.

Esta pintada nos dice: "El vandalismo es más divertido cuando sabes qué escribir". Que esa es otra premisa. No me sirven ya, en este siglo XXI, la repetición de una firma simple y aburrida, a veces repetida y copiada. 

Hay que elegir el lugar para molestar lo menos posible o nada, y hay que hablar sabiendo qué se quiere decir. Si no es así, el silencio es una buena opción.

Un Solo grafitero en Zaragoza


En música existen los "solos" y a veces son maravillosos. En el grafiti también existen los trabajos hechos en solitario. Incluso existen las firmas de "Solo", al menos en Zaragoza. Este es un takeo algo más elaborado que una firma simple, sin llegar a ser del todo un grafiti. 

San Francisco de Regis predicando de Michel Ange Houasse


Esta obra que vemos arriba, muy similar en trazo y forma a la de Goya que hemos visto en la entrada anterior se titula "San Francisco de Regis predicando" y es un óleo del artista francés Michel Ange Houasse realizado en las dos primeras décadas del siglo XVIII.

Esta obra forma parte de una serie que le encargó la Compañía de Jesús para la iglesia del Noviciado en Madrid. Vemos en ella predicando al que se considera primer santo jesuita francés, antes de ser canonizado. Su tamaño es de 158 centímetros de diámetro.

La obra está en el Museo del Prado, ya que gran parte de sus obras las hizo en España bajo el reinado de Felipe V, a cuya Corte hizo varios retratos que no gustaron mucho al Rey lo que provocó que aunque quedándose en España se dedicó más bien a pintar trabajos religiosos, paisajes, edificios y escena de la España de aquellos años. Por ejemplo este paisaje de El Escorial que vemos debajo de este texto.



19.1.25

San Bernardino de Siena predicando, obra de Francisco de Goya


Este gran cuadro de Francisco de Goya se titula "San Bernardino de Siena predicando ante Alfonso V" un óleo sobre lienzo que hizo para la iglesia de San Francisco el Grande de Madrid, de casi cinco metros de altura y que se realizó sobre el año 1783, 1784. San Bernardino era un santo franciscano.

Go ya llevaba años pintando cartones para luego realizar tapices para la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara, pero al escasear los trabajos opta por abrirse a recibir encargos de instituciones religiosas. Y en esta obra, fabulosa sin ninguna duda, se observa todavía un tratamiento del color que asemeja algo a las técnicas utilizadas para los cartones de los tapices.

Hay dudas de si se trataría del Rey Alfonso V o en cambio es Renato I de Nápoles, pero ante la duda simplemente informo. Parece ser que la obra comenzó siendo un cuadro en donde se retrataba al Rey Renato I de Nápoles, y terminó siendo un cuadro mostrando un milagro al Rey Alfonso V el Magnánimo. Cosas de la política.

Y sí es de destacar que en esta obra Goya se quiso auto retratar, un poco imitando a Velázquez otra vez en algunos guiños, apareciendo a la derecha de la obra como un espectador de la escena. 

De este cuadro hay al menos dos bocetos hechos para ella, y otro posible boceto que sería el tercero excepto por la duda de si realmente fue una obra menor, mucho más pequeñas y realizada por otro autor. En ninguna de estas tres obras aparece Goya en el lateral.

Hay que recordar que en aquellos años, Francisco de Goya todavía tenía clavada la espina de sus diferencias graves con sus cuñados pintores de Zaragoza, de donde había salido muy cabreado por las críticas recibidas a sus obras en el Pilar. 

En total por esta obra cobró 10.000 reales en dos pagos distintos, pero no gustó del todo la obra al Conde de Floridablanca, algo que hoy entendemos un claro error por la calidad del cuadro. Eran otros tiempos.



Grafiti urbano de mucha altura y acrobacia


Algunos grafiteros, deseosos de que sus obras se vean desde lejos y de que sea complicado borrarlas, quitarlas, se suben a lugares casi imposibles a pintar sus takeos, sus firmas, sus tipografías en un reto casi absurdo por lo peligroso que representa.

No es que simplemente accedan a lugares muy altos, sino que buscan espacios que parecen casi imposibles, en laterales de fachadas o en tejados que como poco uno se pregunta cómo han logrado acceder a ellos sin ser los propios vecinos. Pero lo consiguen y todo solo para hacerse notar. 

Esta imagen es de Madrid. Estos procesos casi de acrobacia artística comenzaron en los EEUU, sobre todo en New York,

La ciudad de Bayona y sus grafiti sobre los armarios urbanos


Es habitual en algunas ciudades, y es verdad que en otras no, que aquellos elementos urbanos molestas visualmente pero imprescindibles para funcionar la ciudad sean objeto de pequeñas intervenciones artísticas.

Me refiero sobre todo a los armarios eléctricos que hay en las calles, para los semáforos o para otros servicios, y que normalmente son grises y anodinos para que pasen desapercibidos.

En algunas ciudades europeas, en España también, se han ido utilizando como marcos perfectos para plasmar sobre ellos grafitis simpáticos, viñetas casi qu alegran el paisaje urbano y convierten algo gris y que intenta pasar desapercibido en todo lo contrario, un golpe de efecto urbano.

Este que dejo arriba es de la ciudad francesa de Bayona. Un toque de humor y de color.

18.1.25

Palestina sigue creyendo en el Arte Urbano


La joven palestina Reema Mahmoud está haciendo un grafiti en la ciudad de Rafah, en el sur de Gaza. Es el 2 de enero del año 2025, seguía la guerra, los muertos, los miles de muertos y la destrucción sin capacidad de explicación. Es posible que falten pocos días para un Alto al fuego, que no es un Tratado de Paz, las diferencias son claras.

Pero mientras tanto, sigue habiendo jóvenes que en vez de solo odias, se dedican al Arte Urbano

Es una esperanza, pues si solo tuvieran dolor y odio, sería muy peligroso para el futuro de todos. También del nuestro. 

A partir de ahora se tendría que realizar un trabajo exquisito de solidaridad y amor, y en eso el Arte también tiene algo que decir.


El artista francés Taroe, en un mural de Zaragoza


El Festival Asalto de Zaragoza es uno de esos proyectos que solo cabe aplaudir mientras rezamos para que no desaparezca. Ya, rezan para esto no sirve de nada. Pero todo hay que intentarlo, aunque no creamos en ello, cuando algo merece la pena lograr.

Esta fachada se hizo en La Jota de Zaragoza en el Festival Asalto de 2023. Un lujo de Taroe, un artista francés, Nicolas Masterson, nació en Biarritz el 6 de abril de 1981 y que descubrió el Grafiti en 1995.

Trabaja primero en las paredes de las fábricas abandonadas, terrenos de desecho y trenes que marcan su camino desde su País Vasco francés natal, hasta Nueva York, Berlín, incluyendo Madrid, Bangkok, Hanoî, Pondicherry o París.

Progresa desde sus inicios en el Street Art hacia la pintura en vivo, decoraciones en platós de películas, campañas publicitarias, logotipos, ilustraciones y en pinturas y trabajos para el diseño gráfico.

De esas técnicas cambia al Arte en lienzo, en implica más en sus obras de gran formato y trabaja mucho esa especie de jungla urbana que le apasiona, en donde hay un poco de todo, construido desde sus puntos de vista algo surrealistas, gráficos, sociales.

Unos leones que miran desde lo alto en el Street Art


¿Hasta dónde llega el Arte Urbano? Está bien definido el Street Art. Arte en todas su vertientes y posibilidades, mostrado o montada en los espacios urbanos. Viene la duda si le añadimos el apellido de Arte Urbano Gráfico. Entonces las esculturas y algunos otros montajes urbanos ya tiene peor cabida.

Me muevo en el blog entre esas disyuntivas. ¿Dónde pongo el corte, el límite? 

Lo que vemos arriba es Arte Urbano aunque también se puede llamar Arte de Guerra, Arte Ornamental, y sin duda, no tiene nada que ver con el mundo del grafiti o de los takeos. Pero el mundo del Arte en general no tiene límites, no es posible encasillarlo, encajarlo en paquetes cerrados.

Tal vez la belleza, la singularidad, le denuncia incluso, el deseo de quien crea, en que su obra sea Arte aunque a los demás no nos lo parezca, puede ser ya un motivo de reflexión. 

Y efectivamente, en esos casos entrarían muchas otras formas de expresión.

En este caso la expresión de solemnidad está clara. Se busca demostrar poder, seriedad, explicar que detrás de los leones como botín de guerra existe el Poder, que es un lugar muy serio, y dejar claro que además los leones nos miran desde "arriba" para que nosotros seamos más pequeños.

Es Arte y es Arte Urbano, es decir, y en inglés: Es Street Art. ¿He pecado?

¿Dónde está Basket of Nean? En Madrid


El
artista urbano Basket of Nean, que ha instalado sus pequeñas obras en medio mundo incluida Australia, pero sobre todo en Madrid, no ha dado ninguna pista sobre quién es en los seis años que han transcurrido de sus primeras obras de Arte Urbano: “No quiero unir mi identidad, mi nombre real a la obra que hago”. Así se difumina la autoría y cualquiera puede imitar un Basket of Nean sin que la gente sepa cuál es el original.

Pero Basket of Nean da otra pista para no darse a conocer, hay otro motivo por el que se justifica esta decisión: “El arte urbano está penalizado por las instituciones: yo a ojos de un policía o juez soy un vándalo”.

Es por ello por lo que no deja de ser irónico que desde el absoluto anonimato haya alcanzado la meta artística más genérica. Que no es trascender ni vivir de ello: sino que haya un vínculo interno, que exista un sello propio y que cualquiera que lo vea en un paseo por Lavapiés en Madrid pueda decir: “Mira, aquí hay otro Basket of Nean: sácale una foto que no sabemos cuánto va a durar”.

El Arte Urbano no solo utiliza las técnicas de la brocha, del spray o los rotuladores, también entra el mosaico o las pequeñas esculturas o montajes, sin olvidarnos de los impresos o de las máscaras recortadas.

El Arte Urbano, también puede ser denuncia


Con perdón adelantado, para los que no entiendan este pequeño juego de intenciones. Sé que resulta grosero y obsceno hablar de Arte Urbano cuando muestro a una persona durmiendo en la calle. Pero intento GRITAR por ello, por lo que veo y observo, y el Arte también sirve para eso, para denunciar, para gritar vergüenzas. 

Si fuera una pintura sería más sencillo de calificarlo de Arte Social o Arte Denuncia. Una fotografía, una imagen real puede parecer sarcástico hacerlo en un blog de Arte Urbano.

Pero el Arte también debe mostrar lo que no le gusta al propio Arte. También debe moverse en todos sus espacios reales y temporales. El conjunto además de horroroso me parece indicativo de nuestro tiempo. Es hoy, es Madrid.

La fotografía documental es eso, un documento, y como tal puede ser también una denuncia. 

Esta es una fotografía urbana, y sus colores, sus disposiciones, su ambiente, el contraste del azul con los rojos de los carteles que envuelven la escena, y para finalizar el título del viejo café bar, acompañan una escena que parece teatral pero que desgraciadamente es real.

17.1.25

Autorretrato de Goya con caballete y sombrero de luz


Esta obra de Francisco de Goya, un "Autorretrato ante el caballete" se pintó entre 1775 y 1795, más posiblemente en mitad de ese periodo, aunque no hay fecha exacta y se podría decir que sobre 1785. Es un óleo sobre lienzo del que vemos una sección y la obra entera. 

No es grande, mide 42 centímetros de altura y 28 centímetros de anchura, y se puede ver en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Es una joya que nos muestra a Goya ya maduro, muy expresivo, está en su mejor momento académico y profesional, y tiene un contacto muy directo con los alumnos a los que está formando.

Tiene delante el caballete, la paleta y pinceles, una mesa con todo lo necesario para escribir y hacer apuntes, y nos mira directamente como un profesor que está realizando una clase magistral a los espectadores.

Su lienzo, gran lienzo sobre el caballete, está colocado de forma diagonal como hizo Velázquez en Las Meninas y también quedó así reflejado. Y nos mira. O mira al espejo en donde él se ve reflejado, para poderse pintar así mismo.

Lleva un sombrero que se hizo famoso en alguna obra, pues por la noche y para trabajar más horas, le añadía a su alrededor velas encendidas para poder tener luz suficiente cuando se acercaba a la obra para retocarla. Es un gesto serio, muy aragonés, recio y contundente que no ofrecía dudas de su carácter muy seguro.



Un takeo bien elegido por el lugar y la luz



Hay takeos que son simples firmas que saben buscar lugares adecuados, pues su objetivo es que se lean por muchas personas.

Este se aprovechó de una iluminación exterior, para hacerse notar. Es una manera de darse importancia, aunque sea una simple firma.

El lugar es la entrada al Museo Reina Sofía y lo ven todos los que entran al museo. Mejor sitio imposible y con un foco iluminando la firma.

16.1.25

Aquí no se puede mear. Hay macetas


Hay grafiti que llaman la atención por precisamente su intencionalidad. E incluso a veces por lo irregular de su trabajo. Este que vemos no es un buen dibujo, no estaba de buen día "La Griega" cuando lo hizo en el año 2022. Seguramente habrá mejorado en su dibujo.

El caso es que el mensaje llega, hay una esquina en Madrid don macetas, con algo de suciedad acumulada, y por favor se pide que al menos no se utilice para mear. 

El grafismo está claro pero debe progresar adecuadamente, si quiere o aspira al aprobado en dibujo. Lo cierto es que más de dos años después de realizado, sigue vivo, y sin excesivas manchas.

El TCU grafitea las paredes del Metro de Madrid


Creo que estamos casi todos de acuerdo que el Arte Urbano es mucho más que grafiti, incluso más que Arte Público Urbano, o que esculturas para los parques y las grandes avenidas. A veces el Arte Urbano unido al Arte Gráfico, logran utilidades nuevas. Por ejemplo con los carteles.

Este ejemplo es de publicidad, otro elemento de Arte Urbano que no consideramos Arte. Por cierto el Escaparatismo también puede serlo. 

Pero este modo de hacer publicidad se mueve dentro de los parámetros de un lugar cerrado, por donde pasan miles de personas, y en donde es sencillo ayudar al Metro, personalizando los espacios de paso.

Es la Estación Tribunal del Metro de Madrid, y debe su nombre al Tribunal de Cuentas de España que está muy cerca. 

Y con una serie de grafitis intentan explicar a qué se dedican, qué función tienen para que el gasto público esté bien controlado, y además de formar, decoran.

El Arte Urbano sirve para tantas cosas, que incluso a veces pasa desapercibido.


Jaume Plensa y sus obras inamovibles


Jaume Plensa es un artista muy reconocido en todo el mundo. O en casi todo el mundo, que tampoco vamos a exagerar. Habla con las formas, con sus cabezas o sus letras, crea energía con luz y lenguaje, con formas de mujeres que somete a la tortura artificial de alargarlas para modificar los espacios que ocupan.

Todas sus obras son bellas. Incluso las que no lo parecen a primera vista. No todas son similares, hay que advertirlo, y así nos podemos dar cuenta de que a veces también son trabajos de jaume Plensa, aunque no lo parezcan.

Son mujeres pero son también seres inmateriales, como espíritus de ellas mismas, como algo que perdurará en el tiempo y que no cambiará de forma a la misma velocidad a como lo harán las mujeres para las que usa de modelos.

Lo material, sus hierros, maderas o metales, son más duros que las miradas de las mujeres, que la propia realidad de sus modelos. Son esculturas que hablan o que nos ordenan, y las observamos sabiendo que tenemos que obedecerlas.


¿Qué quiere decir la palabra Grafiti?


¿Y qué es realmente un grafiti? Pues el nombre ya nos da una pista sencilla de entender: es dibujar gráficamente, con grafos, con grafismo, con dibujos. Viene de la palabra italiana "Graffiare" que sería el equivalente a garabatear, hacer garabatos. 

No confundir a los grafiteros con los llamados escritores o escribidores. Unos hacen grafiti y los otros escriben frases o firmas.

Pero con los tiempos y con los muy diferentes tipos de "garabatos" que vemos en las paredes, hoy no solo a garabatear en los muros lo llamamos grafiti pues hay verdaderas obras de arte de gran calidad y trabajo.

También podríamos llamar garabatear a las pinturas prehistóricas en las cuevas, o a algunos signos de edificios griegos o romanos. En las letrinas romanas se escribían o se dibujaban garabatos mientras el tiempo iba pasando. Algo similar a lo que se hace ahora todavía en ciertos lugares.

Las paredes son un lienzo histórico que hemos ido perdiendo. En la Torre del Trovador del palacio de la Aljafería de Zaragoza existen (ahora ya algo menos) garabatos de presos desde el siglo XV y XVI.

En el siglo XX y sin tener claro de qué manera llamar  lo que iban haciendo los jóvenes de EEUU en los muros y sobre todo en los vagones de Metro o de trenes, se llamó grafiti a ese ejercicio de garabatear los exteriores de los vagones sobre todo, y así ha llegado hasta nuestros días.

Es pues un ejercicio muy amplio, que abarca muchos modelos de pintura gráfica en muchos lugares diferentes. Iremos viendo estas diferencias actuales. Hoy es muy habitual que esos garabatos pasen por un ordenador, se impriman y luego se peguen en paredes. siguen siendo grafiti aunque no vean la pintura nunca.

15.1.25

Grafiti en las aceras de Madrid


Los grafiti no siempre son en muros, en paredes, y no siempre son con spray o con rotuladores. A veces hay artistas urbanos que buscan todavía más el trabajo efímero, el que puede durar una sola tarde, poco más que el tiempo que tardan en realizarlo. 

Este de Madrid es un ejemplo de ello. El artista sabe que su dibujo desaparecerá en cuanto él deje de estar allí. Trabaja para unas horas, repite sus dibujos, sus obras, pero no son capaces de quedar impresas sobre la acera ni tan siquiera horas.

Puede resultar desde fuera un trabajo bastante insensato, no va a durar nada de tiempo. Pero el artista lo sabe y lo admite. A él le da igual eso. Podría hacerlo en otro soporte, y no todos los harían, pero sería de encargo. Sería un trabajo. Puede que disfrutara menos.

Mientras tanto el artista se lo pasa bien, goza con sus creaciones y molesta muy poco. Y va sacando unas ligeras monedas para convivir. 



Una mujer joven que está triste debajo de un puente


En el Arte Urbano nos encontramos colores, bellezas, mensajes, gritos y a veces tristezas, melancolías, personajes que transmiten unas miradas penosas, melancólicas. 

Es el Arte, chatos. Y por ello es lo que en cada momento ha querido el artista, el es quien lo crea.

Esta chica está triste, está debajo de un puente de ferrocarril en Zaragoza. Casi no pasa nadie a verla, a visitarla, tal vez por eso está triste.

El tiempo la va envejeciendo, pero como está en una zona poco visitada, se cae la pintura por efecto de los años, y no por el efecto de otras personas. Una ventaja. Pero eso no le cambia la mirada, sigue triste.

13.1.25

La publicidad y el grafiti se pelean por las mismas calles


Nos llenan las calles de publicidades y nos parecen bien, nos llenan los autobuses urbanos de carteles bonitos, los muros o las fachadas de mensajes publicitarios, nos atacan con productos bonitos y caros que quieren que consumamos apelando a nuestros sentimientos.

Y eso lo vemos bien aunque inunden nuestras calles, nuestros espacios habituales, pues creemos que queda bonito o que es imprescindible, o pensamos que es inevitable, pues pagan por ello, por hacer uso de nuestros espacios habituales.

Pero odiamos que alguien pinte una firma de colores en un muro, unos gráficos en una fachada en donde antes había carteles para vendernos cosas, para hacernos cambiar nuestros dineros por “cosas”.

Si lo uno se hace sin nuestro permiso, sin preguntarnos, lo otro también. Y no tenemos muy claro que puede molestarnos más.

No me posiciono ni a favor de un modelo o del otro, incluso si me obligo a mí mismo, estaría a favor de ambos sistemas de "estar", pero no estaría nada mal que reflexionáramos sobre esto, pues el abuso nunca está bien. 

12.1.25

Puntillismo rústico en una obra gallega


A veces nos encontramos en cafeterías o en hoteles con obras de Arte que no son de autores muy conocidos pero que nos agradan, nos llaman una mínima atención pues son algo más que decorativos. Reflejan una forma de mirar y de ver una escena determinada.

Esta obra la pillé en un restaurante de Galicia. Su forma de expresarse con grandes pinceladas me llamó la atención, como es lógico, simulando un expresionismo contundente. Pero a su vez sin olvidarse del puntillismo evolucionado, casi rústico.

Un edificio vacío convertido en Obra de Arte


Es un edificio abandonado cuando lo fotografié, una fábrica de alguna manera abandonada pero que aunque estuviera sin uso, no por ello debería ser fea, molestar a la vista, sobre todo si por algún motivo se quería conservar.

Así que alguien tuvo la feliz idea de añadirle Arte a la fachada, darle cuatro toques de color y convertir el edificio adusto en una gran obra de Arte Urbana, que es de lo que hablamos aquí. Estos añadidos los tiene en todas las fachadas, no solo en esta, hoy felizmente mejor iluminada que las otras.

Sin duda una buena idea gallega, creo que de Cangas de Narcea, y que debería servir de ejemplo, pues los esqueletos pueden servir para algo más que para estar vacíos de ideas.

11.1.25

Tríptico de la Anunciación del taller de Robert Campin


Vamos a ver unos detalles del Tríptico de la Anunciación, llamado también Tríptico de Mérode, pintada al óleo sobre tabla entre los años 1425 y 1430 en el taller de Robert Campin, llamado también llamado Maestro de Flémalle.



No sabemos si está realizado por una sola persona o es una obra de al menos dos artistas del taller, posiblemente con intervención del Maestro. Aunque es un tríptico solo vamos a ver algunos detalles del panel central, para observar los vestidos, el ambiente de la sala en donde está la Virgen leyendo, al Ángel anunciando el embarazo. 

Una forma de entender también el contexto de los interiores de las viviendas burguesas de aquellos inicios del siglo XV.

En el retablo que vemos a la izquierda estarían los donantes que han encargado el trabajo al Taller de Robert Campin. Y en el de la derecha vemos curiosamente a San José, que sabemos según la historia que se cuenta, no vivía con la Virgen cuando fue Anunciada. Los expertos creen que la esposa del donante fue pintada con posterioridad. No se sabe si cambiada por otra mujer anterior o añadida en su momento.