Fernando Botero nos enseña su particular forma de entender a Jesucristo



La ciudad Nueva York presentó en el año 201 la exposición "Vía Crucis" de óleos y dibujos de escenas sobre la Pasión de Cristo del artista colombiano Fernando Botero, en la Galería Marlborough de NY. Una visión muy suya, con su sello personal de pinturas tremendamente originales, donde mostraba su particular mirada.

La exposición "Vía Crucis" incluyó 27 óleos sobre lienzo y 34 dibujos sobre papel en los que aparecía un Jesucristo gordo en línea con los personajes habituales del universo creativo de Botero. Lo más destacado de estas obras religiosas son un "contundente uso del color" de Fernando Botero, "que da a sus obras artísticas una belleza seductora y un impacto elemental", así como la habilidad del artista para "transmitir el patetismo y la emoción" en sus cuadros. "Botero puede ser humorístico y caprichoso, como demuestran a lo largo de los años algunas de sus pinturas, pero también es capaz de emplear su considerable talento para mostrar eventos trágicos como los de esta exposición", indica la Galería Marlborough.

La galería neoyorquina explicó que con "Vía Crucis", el artista "había retratado a un sujeto tan heroico y exaltado de una manera única de tal forma que ha transformado el relato, manteniéndose fiel a sus hechos". Cabe mencionar en este sentido que Botero utiliza en esta serie de pinturas y dibujos, lugares y eventos actuales para contar la Pasión de Cristo, como una escena de la Crucifixión que tiene de fondo los rascacielos de Manhattan u otra en la que Jesús recibe latigazos de soldados colombianos en vez de romanos.

Bodegón con granadas e higos chumbos


El bodegón, las obras de naturalezas muertas siempre se han considerado un trabajo algo menor, un ejercicio de prácticas en el aprendizaje artístico, de trabajos que se dedicaban a la decoración de salones, una técnica artística que no decía gran cosa pues simplemente reflejaba productos quietos, mejor o peor puestos, estáticos y donde la gracia estaba sobre todo en saber elegir qué pintar y si acaso en el tipo de iluminación que le aplicábamos al bodegón. 

También hay bodegones en los museos, pocos pero los hay tal vez para demostrar que no hay Arte menor, sino si acaso obras mejor o peor planteadas. 

Con la llegada del arte abstracto se quiso redescubrir el bodegón pues se presta mucho a manipulaciones geométricas, siendo una temática que permite diversos puntos de vista, y el cubismo es el mas sencillo de entender. 

De todas las formas no hay naturalezas muertas que sean menores, sino si acaso que digan menos, que expresen menos que otras técnicas pictóricas.

Biological Software de Antonio Saura. Las partes diminutas del todo


Cuando Antonio Saura pintó en el año 1985 este cuadro enorme titulado "Software biológico" hoy de la Colección Telefónica en realidad estaba creando decenas, centenares de pequeñas obras de arte agrupadas en un solo cuadro. Saura nos quiere mostrar (creo) la enorme complejidad de cualquier motivo, elemento, cuerpo que se compone de millones de partículas distintas. Desde una persona a una planta o un programa informático o el agua que bebemos. 

Vemos el conjunto y en este caso su tamaño enorme nos obliga a tenernos que separar a una distancia para ver el conjunto, con lo que perdemos parte de los detalles. pero si nos acercamos vemos la realidad de sus partes, de sus "tripas" diminutas que son las que en realidad componer el todo. En la imagen de arriba solo se ve una pequeña parte de la obra de Antonio Saura, un detalle de la obra.

Imágenes surrealistas para contar metáforas de las verdades


El ilustrador catalán Javier Jaén es uno de los mejores diseñadores de España que trabaja las imágenes como si fueran metáforas capaces de contar historias simplemente mirándolas. Es decir, hace surrealismo con imágenes como otros fotógrafos españoles. Ese camino que nos lleva a transformar muy poco la realidad para convertirla en sueños e historias, en palabras e historias sin letras.

El País Semanal le dedicó un reportaje donde explicaba sus técnicas de trabajo, los motivos por los que la demanda de esas mentiras verdaderas o teatrales, están ocupando un espacio en el mundo del Arte y del Diseño, pues ayudan a sorprender y a contar historias con muy pocos elementos. Estamos en los tiempos en los que segundos de atención son un regalo.

Hay que jugar con la provocación, con la sorpresa a quien mira, con lo sorprendente de la primera mirada del espectador. Y a partir de eso, de la atractiva sorpresa, ser capaces de seguir sorprendiendo durante otros segundos de regalo. Puro surrealismo artístico que tiene mucho recorrido, aunque pueda parecer lo contrario.

El artista Antonio López reflexiona en el año 2012 sobre el Arte



Entrevista al pintor español Antonio López, que puede consultar completa desde esta dirección. Muy interesante reflexión sobre el Arte.

—¿El arte se puede enseñar?
—El objetivo de estos talleres no es el aprendizaje. Pero yo pienso que hay gente que sabe más de la disciplina que otros. Por ejemplo, pescadores que saben más de pesca que otros, cocineros que saben más que otros y prostitutas que saben más que otras. Más que enseñar, creo que los pintores podemos transmitir cosas.

—Lleva pintando desde los 13 años y ya tiene 76. ¿No se cansa nunca de pintar?
—A veces sí. Y entonces hago otras cosas: escultura, dibujo. Pero mi trabajo me sigue interesando mucho. De todas maneras tengo la suerte de que tengo pocas distracciones.

—Un artistas como usted es ahora más libre de lo que lo fueron Velázquez o Goya en su época...
—Sí, pero más libre aparentemente, porque ahora el primer paso lo da el artista. Pero esto, insisto, es en apariencia, porque el segundo paso lo da la sociedad. Y ahí empieza el diálogo.

—¿Y eso es bueno o malo?
—Si el diálogo es bueno, sigues trabajando en libertad. Si no lo es, tienes que empezar a ver qué es lo que ocurre, qué es lo que no funciona. En ese caso creo que el artista debe hacer un movimiento de acercamiento a la sociedad o bien mudarse a otro lugar donde puedan entenderte.

—En otras manifestaciones culturales, el artista no puede dar ni siquiera ese primer paso...
—Es verdad. Sólo en pintura y literatura el artista depende inicialmente de sí mismo y no necesita el permiso de nadie. Los demás tienen que actuar casi desde el primer momento por encargo.

No siempre lo importante está en el centro

 

Las posiciones de las formas crean formas - 2018 - Ibiza

Goya y su intento de ilustrar El Quijote de la Mancha


Francisco de Goya como buen grabador realizó obras para numerosos trabajos que no siempre se han logrado salvar, tener archivadas y conservadas, aunque parezca algo complicado de entender. Esta de arriba es una ilustración que Goya hizo para El Quijote de la Mancha y que nunca llegó a imprimirse y se ha rescatado ahora. Era un dibujo para un Quijote que iba a imprimir el aragonés Joaquín Ibarra y que conservaba la plancha la Real Academia Española en sus fondos. Esta plancha del siglo XVIII ha sido localizada al ir archivándose por fecha los fondos de la institución.

En el año 1777 se quiso hacer una edición revisada del Quijote según informa Heraldo de Aragón, qie iba a contener 31 grabados más un dibujo de la figura de Cervantes y un plano del itinerario de el Quijote para comprender mejor la obra.

El dibujo lo tituló Goya como: "Apalean los del pueblo del rebuzno a Don Quijote y a Sancho por haber rebuznado este" y la plancha se sabe que fue grabada por José Joaquín Fabregat pero nunca llegó a figuran impresa en el libro, decantándose los editores pos las ilustraciones de otros artistas famosos en aquellos años, descartando a un todavía Goya joven pero ya reconocido pues trabajaba para la Real Fábrica de Tapices. 

Se conserva la plancha, pero no se sabe nada del dibujo original de Goya, que sin duda contendrá detalles que la plancha ha tenido que perder. Aun así al ser una plancha muy poco utilizada se conserva perfectamente y tiene todos los detalles del grabado pues ha sido muy poco empleado para imprimir.

Vincent Van Gogh y su "Escena de calle en Montmartre"


Sabemos que la inmensa mayoría de las obras de arte están escondidas en despechos privados, en almacenes que con Puertos Francos para no tener que pagar muchos impuestos y estar seguras y bien conservadas, pero alejadas de la vista del público. ¿Es posible entender una obra de Arte que no sirva para ser contemplada? Pues la inmensa mayoría sirven para eso, para comprar y vender, para ser convertidas en dinero.

Así que cuando uno se entera de que va a salir una obra de Arte de Vincent Van Gogh a subasta tras estar 100 años fuera de la vista del público se asombra. ¿Hay una obra de Van Gogh que no conocemos? Pues parece ser que sí, esta "Escena de calle en Montmartre" quiere venderse entre 5 y 8 millones de euros, que parece pocos aunque sea una obra poco conocida. Ya nos enteraremos en marzo a qué precio final se vende y compra. Lo subastan entre Sotheby's y Mirabaud Mercier, una obra del años 1886 que sale al mercado el 25 de marzo.

Vemos una imagen urbana del barrio de Montmartre de París, no tanto de la zona de los bares y salas de fiesta como de la zona de casitas familiares y zonas de campo. Uno de los primeros cuadros donde Van Gogh utiliza ya colores potentes, limpios, claros. 

¡Las afueras, qué bonito nombre! Enseguida vuelve el color, ya queda poco


¿Volvemos a empezar? Es cuestión de esperar un poco, de estar atentos, de observar. Vuelve la primavera enseguida, y casi no nos vamos a dar cuenta. Sal de casa, muévete aunque creas que estás confinado, son muchas las posibilidades que seguimos teniendo aunque algunas nos las hayan robado los virus y las incapacidades. Volvamos a los parques, a las zonas verdes, a las afueras. ¡¡Qué bonito nombre!! ¡Las afueras! pero no es estar fuera… sino pasearte por las afueras.

Piedras planas con mucho arte muy sencillo de crear


En una entrada del blog de Francesc Miralles que en principio no tiene nada que ver con el Arte pero sí mucho con el sentirse bien ante la vida que no es poca cosa en estos tiempos, ha dejado una imagen del Arte sencillo y fácil con piedras de río, de las que nos podemos encontrar todos en cualquier paseo que hagamos por la orilla de un río algo caudaloso en ciertas épocas del año. 

Estas piedras de canto de río, grandes o pequeñas, pueden ser utilizadas como lienzos sobre los que seguir expresándonos. Y además pueden ser también utilizadas como parte de collages si son planas, o como parte de nuestras fotografías si queremos seguir explorando sus posibilidades, que en cuanto hablamos de Arte o de Artesanía —que eso no importa para el que quiere expresarse— nos facilitan el trabajo.

Boceto de Antonio López para unas puertas en la Catedral de Burgos


No es nada complicado admitir que el artista Antonio López es un gran artista de nuestro tiempo, con un arte muy personal y nada contemporáneo, que ya utiliza el Arte Digital dentro de su propio hiperrealismo. Ve el mundo actual y lo transmite con sus filtros donde los detalles y la realidad traspasa el mundo de la pintura sin llegar a confundirse con el de la fotografía. Así que si en un principio alguien pensó desde la Catedral de Burgos que sería muy buena idea que Antonio López hiciera unas puertas metálicas para sustituir unas puertas de madera antigua, en malas condiciones y muy simples, acertó por varios motivos.

Tener tres puertas NO PRINCIPALES en la Catedral de Burgos con obras de gran tamaño de Antonio López es un acierto y no voy a extenderme en los motivos. Pero enseguida surgió el conservadurismo de los cortos de mirada en el tiempo. Nada más ver los bocetos de Antonio López, las imágenes digitales de cómo quedarían esas obras vistas desde la calle, se alarmaron.

Cuando hace 900 años se empezó a construir la Catedral de Burgos estoy seguro que los habitantes de aquel entonces dirían que era una barbaridad, un atrevimiento sin sentido, una osadía de diseño, de iglesia, de querer aparentar. Y dentro de 400 años si alguien viera las puertas que ya no se construirán por Antonio López, dirían que son obras antiguas, clásicas más bien, y que encajan perfectamente en el gótico francés de la catedral.

Representan a Dios, a la Virgen María y a un Jesucristo niño. Pero visto desde la realidad del hoy, con los encuadres y las formas del momento actual. Y uno enseguida se pregunta: ¿Qué pensaban que les iba a presentar Antonio López o acaso no conocían su trayectoria artística y solo se dejaron llevar por el nombre del artista? ¿Alguien ha visitado la Catedral de Palma de Mallorca o la Almudena de Madrid para ver Arte Contemporáneo en su interior perfectamente integrado?

¿Qué son los Art Journal, los Diarios de Arte, Creativos, Visuales?


Llamamos Art Journal a un Diario de Arte, es decir a un clásico diario personal donde además de texto hemos ido añadiendo como si fuera un Libro de Artista, pequeñas obras de dibujos, pinturas, acuarelas, collages, que nos gustan, nos divierten incluso, nos acompañan al contenido de los textos para complementar lo que deseamos expresar. En realidad son Book de Artista, Diarios Visuales, Diarios Creativos que a veces llegan a tener un gran valor no solo testimonial sino artístico, que se comienzan casi como un juego personal y al final se van convirtiendo en obras de arte con todas las consecuencias. 

Hay que buscar mezclas de Poesía Visual, Arte y Diseño en dibujos y pinturas y sobre todo una marca personal, creativa y divertida. Los Art Journal tienen que representarnos, son parte de nuestras obras y aunque utilicemos técnicas distintas o incluso maneras expresivas diferentes a las que empleamos habitualmente, son parte de nuestra obra artística más personal.

Hoy ya, por poco precio se pueden comprar cuadernos en blanco, encuadernados, con papel de acuarela, que se prestan muy bien a este tipo de ejercicio casi de desahogo. En la Cadena Tiger se pueden encontrar en diversos tamaño y encuadernaciones, ejemplares en papel de pintura entre 3 y 4 euros. Un buen precio para empezar a practicar los Art Journal, ver hasta dónde somos capaces de darles sentido, y junto a unos rotuladores, unos lápices de colores, acuarelas, empezar a practicar estos Diarios de Arte. 

Serán libros, libretas, que llevarán mucho trote, que tendrán que aguantar mucha carga de pintura, así que sin duda y tras probar si nos atrevemos, tendremos que ir a mejores calidades y a precios más altos en las libretas. Si el papel es muy fino mi consejo es que no lo aproveches por la dos caras y solo trabajen en una de ellas para no forzar en exceso el papel. 

Y si en tu libreta vas realizando collages y por ello empiezan a resultar excesivamente gruesa, puedes cortar con una cuchilla hojas alternas dejando unos milímetros de la hoja en la zona de encuadernación, para que el grosor del papel más el de los elementos pegados no resulte excesivo. Y recuerda que en el Art Journal como en la mayoría de las técnicas artísticas NO HAY REGLAS establecidas y fijas, estos para cambiarlas y modificarlas a nuestro gusto y necesidad.




Los pasos de la creación del Arte. Idea, boceto, ruta, desarrollo, construcción, corrección


Este de arriba es un boceto, un dibujo de Eduardo Chillida del año 1989, preparado para una placa que posteriormente o no, realizaría en metal o en piedra, en una escultura. Pero quiero centrarme más en las formas, en el camino que hay entre la idea y el resultado final. La ha denominada "Gravitación" y es un collage sobre papel donde ha posicionado unos elementos, unas formas. Una idea al final, que podría luego ser convertida en escultura o simplemente quedarse en eso, un dibujo, un boceto, una idea que no sale del papel.

Todo en el Arte recorre los mismos caminos. Primero una idea se va conformando, se configura y se cambia en la imaginación del artista. Luego esa idea sea del tipo que sea, va bocetada a un papel, a lo sumo a un barro. Puede ser música, literatura, teatro, pintura, escultura. Se va configurando pasando de la imaginación, del campo de las ideas al campo de lo que ya podemos ver y tocar. Y seguimos dándole vueltas a la idea, modificando, creando nuevos bocetos, distintos dibujos, diferentes puntos de vista. 

Y a partir de este momento trazamos un Plan de Trabajo. Un plano o una ruta de hasta dónde queremos llegar, qué es lo que realmente queremos mostrar, hasta donde nos implicamos en su construcción. elegimos los materiales, las formas, jugamos con el espacio, con los tiempo, con los personajes. 

Y empezamos a darle forma a toda esa primitiva idea y a veces se nos apodera, otras se tuerce, algunas crece y cobra vida diferente, otras se nos hunde entre las manos.

Es un juego maravilloso que se comprende muy bien entre los artistas. Vamos dando forma a la obra y se disfruta como nunca en ese trabajo creativo. Sea un libro, escultura o una obra de teatro. Vamos añadiendo detalles, formas, espacios, situaciones, pequeños toques.

Si al final el resultado nos atrapa, que por cierto lo hace mucho antes del final, terminamos la obra, la firmamos y a por otra. Así de sencillo. 

¿Qué sucede con la literatura? Pues que tras firmar queda el tedioso trabajo de corregir. Tremendo y que destroza a muchos artistas de la escritura. ¿Y no se podría entregar sin corregir? Pues… no se debería, incluso diría más, hay que corregir al menos dos veces. 

En mármol, el 888 parece de más valor, para darle importancia



No sé si es mágico, pero sí es curioso. El 888 es un gran número, y muy plástico. En este caso muy en mármol en una gran avenida de New York. Darle la importancia al 888 a través del mármol es significarse de que estamos ante un número bien elegido. ¿Quién vivirá dentro del 888?

¿Cuántos 8 se romperían en la máquina de hacer ochos?


Con un 50 se puede salir a la calle. Con un 500… ya no es igual de fácil


Los números son letras raras. Son signos cortos para leer en corto. No hay párrafos de números, no hay frases largas de números. Y si las hay las recortamos pues muchos decimales nos asustan y muchos ceros entre medio nos preocupan. Un 50 suena a bonito, a redondo aunque no lo sea, a billete, a tener aunque sea poco. Con un 50 se puede salir a la calle. Con un 500… creo que ya no es igual de fácil.

Ibiza y sus miradas 01 - Ventana negra

Mirarse sin ver, mirar sin que te vean
Sospechar que es posible asomarse sin que sepan que estás
Sentirse encerrado en el interior mientras los aires te aprisionan contra la pared
Por eso es necesario tener ventanas en el corazón

Números, chapas, papelitos, apuntes en una hoja de papel. ¿Qué es el dinero?

¿Qué es el dinero? Son números, chapas, papelitos, apuntes en una hoja de papel. Con dinero se puede comprar, aunque no todo se puede comprar con dinero. Antes tiene que tener precio. El dinero solo puedes cambiarlo por precios. Lo que no tiene precio no se puede comprar. ¿Cuántas cosas conozco yo que no tienen precio? Lo curioso es que son casi todas ellas las más importantes de la vida. 

El resto, sí, el resto de cosas se pueden lograr cambiando los números, los papelitos, las chapas, los sellos.

Expresarnos con el Arte supone casi siempre gritar en silencio

 

Se puede hablar con sonidos, expresarnos con letras de muy diversos alfabetos, con metales, maderas, pigmentos, con movimientos y miradas. Lo podemos hacer con las manos, con los pies, con los ojos, con el cambio de posición de nuestra mirada. Expresarnos es uno de los elementos básicos que todos los animales necesitamos tener siempre con nosotros.

La dureza del día jodido se pude mostrar con unos metales, con unos colores fríos y potentes, con unas formas ásperas y nada amables, con el silencio, con las texturas rotas, con gritos sin gritar. Cada persona, incluso cada animal, encuentra la forma de expresar su dolor, su sordina callada por fuera, inmensa por dentro.



Me dan miedo las violencias abiertas de los que no tienen miedo


Me dan miedo todas las violencias.  Sobre todo si son con la razón y están abiertas para poder entrar.

Me dan miedo las sinrazones de la razón, pues se apalancan en lo tenue para imponer sus razones.

Me dan miedo los miedos pues me quitan la libertad de ser libre para ser yo.

Incluso me da miedo decir que tengo miedo, para no demostrar mis debilidades al tonto que nunca tiene miedo.


La fotografía como Arte moderno. Creativa y descriptica de un mensaje o una belleza

La fotografía es una manera de entender el Arte, posiblemente la herramienta más utilizada para la creación artística de estos siglos XX y XXI. No sabemos hasta donde nos llevará, pero sus posibilidades de expresión son casi infinitas. Al menos tantas como cualquier otra actividad artística y creativa.

Pero la fotografía sin luz no es nada. Y sin motivo tampoco.

La fotografía tiene que tener vida o muerte, sentido y tal vez incluso mensaje. Interacción con el que ve y con el que se deja ver. 

Una imagen no vale ni diez palabras o puede valer un millón. Depende de las palabras y de la imagen. 

Lo que no tiene duda es del poder que las herramientas actuales tienen pues son inmensas para conseguir lo que se pretende. 

Lo que a veces nos falla es saber qué pretendemos. Hablar con la fotografía, pues el menaje es lo único que cuenta, lo que ofrece sabor.

La fotografía como Arte moderno, debe ser creativa y descriptica de un mensaje o una belleza.

Manchas del Teruel más de colores escondidos


Hasta que me las llevé en el bolsillo, eran las paredes de un ascensor metálico afectadas de los óxidos del agua de la lluvia en Teruel. 

Pero habían cobrado una vida especial, unos movimientos nuevos, unas sensaciones decorativas que antes no tenían. 

Las manchas tenían un sentido anónimo y el ascensor seguía funcionando sin saberlo. 

Me encantaros los inicios de los violetas chocando con los óxidos limpios.

Estaban agarradas por los nudos que aprietan las rayas


Eran líneas de colores formando una cortina rasgada desde el ordenador que cerraba lo que se podía ver dentro. 
Luego decidí atarlas todas con una cuerda imaginaria, como cogiendo en un nudo las partes centrales para que la luz negra pudiera penetrar hasta nosotros. 
Nunca pensé —hasta el final— que las luces negras no iluminan y que incluso la mayoría de las veces oscurecen. Al menos esta vez logré que la luz desde fuera tuviera la misma intensidad sin verse afectada por los fondos. Y mantuve el resultado pensando que el efecto relieve y extraño se había conseguido. Pero tengo mis dudas. Como siempre.

Unas piedras tenían que ganar donde otras perdían


Estas piedras de río casi siempre estaban llenas de agua, se sentían no solo secas sino también ásperas, abruptamente insociables y broncas con sus vecinas de orilla. 
Eran insociables pues dependían del agua para seguir viajando y solo algunas lo conseguirían a costa de tener buena posición redondeada de partida. 
Si quedaban planas no lograrían moverse, si redondeaban sus laterales podrían correr con el agua, en busca de los destinos nuevos. 
Rodaban solo si lograban la suerte de estar en buena posición. Para ganar, otras tienen que perder. Y eso que son piedras, simples piedras.

Elsbeth Kasser. Una enfermera de la Cruz Roja suiza, que ayudó a españoles


El confinamiento de los hombres y las mujeres que lo sufrieron por sus ideas, su religión o su raza en los años 40, era mortal en muchos casos. Pero el ARTE seguía vivo entre ellos. Esta es una de las varias obras de arte que se han logrado conservar del Centro de detención e internamiento de Gurs en el sur de Francia, junto a los Pirineos, donde tantos españoles y franceses sufrieron y murieron por culpa de otros seres humanos. 

Siempre es igual, seres humanos contra seres humanos.

Esta acuarela pintada por el interno Julius C. Turner en el año 1942 la tituló "Hombres frente alambre de espino en Gurs 1942", una pequeña obra como es lógico en esas condiciones con las que lograban sobrevivir ante la depresión de saber que la muerte merodeaba siempre.

¿Cómo se han logrado conservar? 

No era en secreto, tampoco es que se les diera permiso a los detenidos para que pudieran conservar sus obras. Una enfermera de la Cruz Roja en Gurs logró conservar casi 200 acuarelas y dibujos en una caja que a finales de los años 80 sacó a la luz. 

Elsbeth Kasser, enfermera suiza que apoyó su conservación y alentó a que se hicieran estas obras de arte a través de actividades educativas en el centro de Gurs para que los presos estuvieran entretenidos. Sus casi tres años en el centro de internamiento marcarón una forma humana de ayudar desde la Cruz Roja suiza a la vida humana de los presos españoles, gitanos y judíos alemanes que a veces simplemente esperaban a ser deportados a campos de exterminio.

Una buena parte de estas obras conservadas de aquel horro se han mostrado en el año 2021 en el Museo IAACC Pablo Serrano de Zaragoza.

Aprender. Expresión. Dedicación, Amor, Profesión. Serenidad. Repartir. Humanismo

Aprender. Poesía. Expresión. Sentido. Dedicación. Amor. Profesión. Observación. Serenidad. Espíritu. Vocaciones. Repartir. Humanismo.


Dice Pablo Serrano en unas pocas líneas todo esto, y pone en ellas todas las palabras que deben motivar el Arte y la propia vida singular de cada uno de nosotros. Caminar y hacer el bien, simplemente. Es imposible quedarse con una de esas palabras. Todas son necesarias. Todas son energías de vida, para crear más vida, para empujar la que ya existe. 

Pablo Serrano. Antonio Machado. Miguel de Unamuno. Benito Pérez Galdós. Gregorio Marañón. 

No hay que ir muy lejos para encontrar a los sabios. Estos ya no están, pero sus enseñanzas sí, aunque sean diversas.



La importancia de las líneas en la composición de Arte



Las líneas sirven para que las sigamos con la mirada. No hay línea de menos, ni línea falsa. Las sombras son líneas, las no líneas son también líneas, los espacios vacíos pueden ser líneas. Las líneas como el elemento geométrico más simple es el que más efecto tiene sobre la mirada, sobre la composición de una obra, incluso sobre el contrapeso del todo, pues ayuda a ese todo.

No hay línea inútil, y eso supone que puede haber líneas de más, líneas mal colocadas, excesivas, escasas, incapaces de llevarse bien con el resto de líneas o de la composición. 

La línea es una forma, es un elemento aunque nos parezca muy simple, tiene color, forma y peso, y puede entrar a pelear con otras formas de la obra que parezcan más contundentes. Y en esos casos, la línea suele ganar. 

La suma de muchas líneas forman un equipo de líneas, y en esa situación todas ellas hablan por sí mismas. Y se pelean o se complementan. En esos casos el fondo tiene también su importancia, y el tipo de iluminación es su sentido, el que ayuda a colocar a cada línea en su sitio, con su propia importancia.

Desde mi punto de vista, a esta imagen le sobran las líneas de las junturas de la tarima. Se podrían retocar, pero la imagen es de baja resolución y creo que con la explicación ya es suficiente.

Nota.: Esta imagen en su principio, es de Luis Iribarren. Pero está ayudada un poco para que hable por sí misma.

¿Quedarnos mirando a la pared es un camino?


Cuando uno quiere huir, no siempre sabe bien el camino. ¿El oscuro? ¿El de muchos colores y posibilidades? ¿El que no lleva a ningún sitio? ¿O tal vez nos quedamos quietos a esperar que sea el camino el que venga a por nosotros? ¿Quedarnos mirando a la pared es un camino?

Manchas de Zaragoza, que se quieren colgar en la pared


A veces las paredes traspasan las paredes para entrar en otras paredes. A los humanos también nos sucede. Unos queremos ser otros, y algunos sin querer ser nadie quieren apoderarse de los otros. Al final nunca sabemos si lo importante es la base, el marco o la obra. Que cada una mirada de cada uno… decida con qué se queda.

Flor empujando por nacer, para intentar ser melocotones


Simplemente es querer nacer, es empujar, cumplir con la obligación de la vida y seguir el camino marcado en tus propios genes. Es saber el camino que se debe emprender de nuevo. En este caso y posiblemente sin que ellas lo sospechen, son dos proyectos de melocotones. Nunca se sabe, depende de las abejas.

Al artista italiano Blu lo pintaron de blanco para borrarlo


El Street Art es efímero por su técnica, pero sobre todo por los que no saben valorar su sentido, su valor urbano, los mensajes que a veces transmite. El Arte Urbano es necesario sobre todo en grandes fachadas, por mucho que los vecinos se crean propietarios de esos grandes lienzos que anodinamente inundan algunas ciudades.

El último mal ejemplo lo tenemos en Madrid, en el barrio de Usera, con la destrucción del mural del artista italiano Blu, uno de los 10 mejores artistas urbanos del mundo. Al restaurar la fachada, en vez de intentar conservar el mural que por cierto tenía un gran valor aunque no un gran precio, decidieron los vecinos pintarlo de cal, de blanco muerto. Y nadie supo poner remedio a tanta tontería. La incultura también se disfraza muchas veces de cal viva.

Cielo de mar, poco antes de morirse con el día tremendo

Cielo de mar. Bravo y desafiante, duro pero bello que asusta para desaparecer, pues muere el día. Preocupando nos deja la señal de que se está reventando con toda la batalla posible, con sus rojos amenazantes o sus amarillos de fuego. 

Todavía el azul celeste se deja ver para señalarnos lo que volverá al día siguiente, cuando vuelvan a nacer las nubes nuevas y la calma.

Empujan por nacer, obligadas por la primavera que se acerca


Nacer es empujar con fuerza pues las puertas siempre están cerradas. Es abrir, salir a la luz, dejar de estar escondidas dentro de su rama. La primavera empuja las sensaciones, los milagros, las necesidades por salir y conocer el nuevo destino. 

Estas hojas son de un arbusto floral empujando desde su rama por salir de momento al frío. 

Lo hacen muy lentamente pues todavía el sol es tímido y no calienta lo que ellas necesitan, pero ansían salir a crecer y multiplicarse. 

Seguro que por debajo hay más, también empujándose unas a otras, por salir todas

Voy a desnudar mi arte, con respeto a mostrar lo propio

Nunca me ha gustado mostrarme, sé que no merece la pena ni la ocasión. Pero yo también quiero verme, observar lo que hago y no simplemente observar lo que hacen otros. 

No soy bueno, es decir, soy como la gran mayoría. Pero eso no debe ser freno, pues si lo fuera, no merecería la ocasión seguir haciendo nada. por eso os muestro algunas fotografías mías, débiles, sencillas, pero mías. Ese es el único valor.

Agua torcida para demostrar la fragilidad


Cuando vi aquella agua torcida enseguida entendí que la fuerza depende del tamaño, y pensé enseguida que aquella agua torcida tenía un sentido mayor que el del aire potente que lograba cambiar su dirección. 

Al caer ella sola siendo delgada era incapaz de caer recta, se doblaba presa del nervio de un aire fuerte que la empujaba hacia fuera.  El aire era más potente que el agua y aquello me hizo preguntarme qué es la potencia.

La vigilante de la playa que miraba desde lo alto


Para vigilar, nada como mirar desde lo alto. Era la vigilante del parque, la que oteaba desde arriba quien entraba y salía, quien tenía buena sensación y quien venía con ganas de estropear. 

 A veces se movía desde su trono en busca de mejores vistas o para intuir lo que podría suceder si las visitas no se comportaban. 

Sus gritos delataban a los incorrectos.

Autorretrato de Joan Miró que sale a subasta


El próximo 23 de marzo se subasta esta obra de Joan Miró titulada La Piège, un lienzo que hizo en el año 1924 y que marca una etapa de Miró totalmente surrealista de la que no hay muchas obras suyas, hasta que se transformó en su clásica pintura que todos conocemos mucho más. Es un autorretrato del propio Joan Miró que hizo para el pintor y amigo André Breton que le compró la obra como un surrealista que iba buscando nuevas ideas en algunos aspectos muy similares a las obras que hizo Salvador Dalí.

Ya salen las hojas de primavera, pero el otoño volverá algún día



Ya no es el tiempo del otoño y el invierno se doblega, no es el momento de ver hojas amarillas y secas, dino de empezar a ver pequeñas hojas que quieren despuntar. 

Pero por eso os traigo esta imagen, para que no olvidemos que tras los otoños siempre vienen las primaveras, pero que también, tras todas las primaveras vendrán los otoños. Y que para todos esos cambios tenemos que estar preparados.

Hay que saber adaptarnos a lo que nos vaya viniendo y que siempre hay que intentar vencer los ciclos de la vida con esa capacidad nuestra de flexibilidad mental. 

Flexibilidad y calma, empatía con todas las situaciones, autoestima y ganas de seguir peleando por vencer en la vida. Por vencer y por seguir ayudando a quien es más débil y que no siempre puede ir a la velocidad necesaria.

Figura de mujer. Pablo Picasso, dibujo de 1967


Esta "Figura de mujer" del año 1967 es del genial Pablo Picasso hecho en tinta sobre papel, es un dibujo de los muchos que Picasso hizo en su vida llena de miles de obras de arte no siempre bien catalogadas. Se dice que pueden haber sido más de 40.000 obras de Arte realizadas por Pablo Picasso, aunque no hay constancia fiel de todas ellas. Se cuentan unos 2.024 grabados; las 861 litografías reunidas en la colección del Museo Picasso de Münster (Alemania); las 664 esculturas documentadas por Werner Spies; al menos 159 libros ilustrados con diversos dibujos; 175 cuadernos con dibujos; unas 4.000 cerámicas originales y numerosas obras pictóricas, además de esculturas.

Los caminos pedregosos que engañan la mirada

Los nuevos caminos siempre son rematadamente complicados aunque lleven a una meta maravillosa. Pero cuando estás dentro del camino es difícil imaginarte el lugar al que te acercas, al sitio a donde vas. Solo ves, a veces, lo duro que es el camino, lo complicado que resulta ir avanzando por la vida.

No mires al suelo, fija tu mirada en el frente y contempla lo que sucede. Cuida en no caerte pero piensa de donde vienes y a donde quieres llegar.

Nadie se acuerda de los caminos cuando ya se ha llegado a la meta, excepto que sean precisamente estos la meta que quieres alcanzar con tu marcha.

Todos seremos iguales al principio y al final de nuestras sombras

Dime si no es maravilloso ver tantas personas perfectamente diseñada y agrupada para agradar la vista de quien pasa por este muro. 

Son gentes que no sabemos qué hacen allí, pero su orden es perfecto, sus sombras son acompañantes necesarias, sus siluetas todas iguales representan la mejor manera de saber que en realidad todos somos idénticos al principio y al final. 

El autor no sabemos qué quiso decirnos, pero en cambio si somos capaces de inventarnos una mirada personal, decidir qué nos quiso decir. 

Somos libres para interpretar el ARTE como nos de la real gana. 

Somos como espectadores tan importantes como el propio artista creador, pues su obra en cuanto sale de sus manos está para interpretarse o para reinterpretarse cada vez que la observamos.

El arte es mas entendible si asumimos que no es un objeto

¿Y si el arte fuera simplemente una experiencia y nunca un objeto material para tener? 

¿Y si el arte solo sirviera para meterse hasta dentro y no para observarlo desde fuera? 

¿Y si el arte ni tan siquiera estuviera realmente entre nosotros, sino que fuera una manera de entendernos, de ser, de mirar y ver, de sentir o escuchar?


En Valencia hay torres, agua, luna y colores rojos

Hay atardeceres que invitan a pensar en el próximo día, que ayudan a seguir construyendo caminos.

Hay luna en Valencia, pero también cielos azules y aguas de mar que brillan en verde.

Tras la noche temprana queda muchas horas para seguir mirando. 

Y para ver.

Fotografía en bruto, fotografía modificada. Como es lógico para agradar



Los fotógrafos solemos ser un poco manipuladores de la realidad. No todos, pero si muchos. Vemos lo que muchos no ven, pero lo vemos en un ambiente personal, rodeada la imagen final de muchos elementos que sobran, que nos estorban, que distraen al que no está atento. 

Y es entonces cuando los fotógrafos enmarcamos y elegimos qué mostrar en el menor de los casos de manipulación, vamos restando elementos, eligiendo y potenciando aquello que nos interesa mostrar.

Otros terminamos de manipular la imagen en casa, hoy con programas informáticos pero antes con filtros o con manipulaciones manuales a la hora de positivar. Todo sirve para terminar de contar la historia.

Una fotografía es una historia. Pequeña o grande pero como mínimo un mensaje, una ilusión, una obra elegida, un final. Es también luz y color, pero sobre todo encuadre.

Saber cortar y elegir, separar y evitar que salgan unas cosas en vez de otras, buscar el lugar y la posición de la cámara, la cantidad y calidad de luz, el mensaje final, es el fondo de muchas fotografías. 

Motivar al lector es lo que hace un escritor. Lo mismo que intentamos los fotógrafos. Hacer pensar o sonreír. Expresar emociones.

Vitoria pinta sus calles urbanas con Street Art tal vez efímero

En el urbanismo moderno es obligación —también— la de entretener al paseante y resultar agradable, la de aprovechar los espacios vacíos, solares, plazas, paredes o parques, para dotarlos de interés urbano, de entretenimiento, de calidad de vida. 

En la ciudad de Vitoria saben mucho de esto y por ello es una "ciudad verde" con premios internacionales. Es posible encontrarse por sus calles céntricas obras de arte urbano como el de la imagen. 

Se realizan incluso recorridos guiados buscando estas obras diseminadas por la ciudad. Hay que aprender. Zaragoza también va por el buen camino.

Una flor para despistar miradas que no tienen tiempo



Cuando los fríos envuelven las tardes, en los bosques se empieza a hablar de desnudez, de vacío, de silencio.  Tal vez sea el otoño o ese final de invierno que todavía preocupa a los calurosos. 

Pero todavía hay algunas flores que nos hacen creer que no todo será un vacío apagado. O en cambio, ya empiezan a salir algunas hojitas con o sin flores que nos quieren advertir que la nueva vida podría volver en cualquier momento. Todo sigue siempre.

A veces el amor se confunde con la entrega de todo lo nuestro

A veces el amor se confunde con el comunismo mal explicado: "Lo mío es tuyo" si solo utilizamos un lema, una frase mal entendida. 

Curiosamente somos tan individualistas que cuando nos entregamos resultamos extraños para los que nos miran. 

Así que deberíamos hacer ciertas cosas un poco escondidos, sin mostrar todos nuestros sentimientos, sin vanagloriarnos de lo positivo.

¿Quién somos nosotros para regalar lo nuestro a alguien? ¿Y si no lo quiere? 

Su libertad sin lo nuestro, también es muy importante para ellos.

Andamios para ser testigos de que nada se nos mueve

Son andamios para no andar, son andamios para sujetar, para soportar el peso sin doblegarse. 

Son los testigos que nos avisan si todo aquello se mueve, luego… son los que siempre deben quedarse quieto ante cualquier iniciativa de los techos. 

Si eres un testigo está prohibido ser innovador y moverte del sitio. Si lo haces creas preocupación cuando no susto y dejas de ser testigo para convertirte en actor.

Belleza sencilla junto a la Catedral de Tarazona (Zaragoza)

A escasos metros de la entrada a la Catedral de Tarazona, inmensa e imponente en su interior, nos podemos encontrar en la calle con bellezas pequeñas, sin valor, sencillas muestras del arte natural. Leves detalles de maderas muertas que intentan brillar por ellas solas. A veces incluso lo consiguen. Son ejemplos de que la naturaleza juega a favor del Arte, no para competir con el humano sino para complementar.