Arte con Flores y Hojas Secas. Nueva forma de conservar la naturaleza

Hay pequeñas obras artesanas que deberían entrar en el mundo del Arte como otras técnicas bien reconocidas. Hoy os dejo una muestra de arte con flores secas. 

Otra manera muy antigua de crear belleza, que se utilizaba en Egipto, Roma o Grecia, en el Oriente para aprovechar las virtudes de tener cerca la naturaleza, bien como flores cortadas, cuadros florales o simples montajes de flores secas sobre una base para conservarlas más tiempo.

Con técnicas de prensado de flores y de conservación posterior se logran herbolarios que luego sirven para ir eligiendo ejemplares y ser utilizados como si fueran pinceladas de color y formas para crear composiciones naturales pegadas sobre bases de papel natural.

Paco Rallo y sus confinamientos escultóricos

Hace tantos años que conozco al artista Paco Rallo que casi me preocupo por mi edad. Pero tuve la suerte por mi trabajo de conocer a muchos artistas aragoneses de los años 70 y 80, incluso algunos de los 90, como para saber que Aragón ha sido y es tierra olvidada pero muy fructífera a la hora de lograr que el Arte se mantenga y crezca con gran calidad. No voy a dar nombres, pero Paco Rallo estaría entre ellos aunque no haya ido mucho a New York.

La pandemia le pilló con una pequeña exposición en La Azucarera del Barrio Jesús. Una muestra que aunaba dos espacios. El suyo, el del artista que nos enseña sus obras y sus ideas profundas sobre la soledad o la relación entre personas, y por otra parte el espacio físico de la propia Azucarera que tiene la suerte de ir viendo poco a poco como le acuden artistas a dejarnos sus obras para poner en valor el espacio.

El Arte debe repartirse, impregnar los aires urbanos sea en la calle o dentro de edificios públicos. El Arte hay que enfrentarlo contra/sobre/con las personas para que habla o chille, para que sepa y quiera transmitir sus discursos.

El Arte Plástico y estático no goza siempre de las mismas posibilidades que el Arte en Movimiento, pues cada tiempo prima unas formas determinadas. Pero lo curioso es que el Arte EScénico se va en minutos, desaparece enseguida, mientras que el Arte Estático dura años, meses, horas cuando menos para ser visitado, sufrido o gozado.

Las ciudades deben recuperar su espacio como Museos Urbanos vivos, más cuando ya sabemos que será complicado en un periodo rápido, volver a las grandes exposiciones de muchos visitantes en importantes Museos. Pero la calle es de todos y para todos. ¿Por qué creemos que el Street Art está triunfando incluso como reclamo turístico en algunas ciudades?

El Arte debe salir a la calle, debe encontrarse al espectador. Y Paco Rallo sabe mucho de eso, pues no ha dejado de analizar el legado de su padre, y sabe también que a través del Diseño Gráfico del que tan experto es, la función es la de mostrar las ideas en la calle, no solo en espacios cerrados.


La Cla o La Claca de Joan Miró de 1972

Esta obra de Joan Miró con casi 80 años de edad indica lo profundas que eran sus ideas sobre el arte, sobre el alfabeto que había elegido como motivo de vida para sus obras. Lo realizó en el año 1972 y lo tituló "Claca" que sería una palabra catalana que indica mas o menos "La Clá" o los aplaudidores. Ese ruido de cháchara, de aplausos que acompaña a una obra de teatro en algunas escenas o al final, pero que en realidad es un acto organizado, pagado o no, para que las obras tengan efusión.

¿Qué tiene que ver una escarpia con un desnudo o con un grupo social oprimido?

Henrik Olesen es un artista danés que expuso en el Museo Reina Sofía de Madrid en el verano del 2019. Sus obras no pueden pasar desapercibidas aunque sean en muchos casos de pequeño tamaño. Utiliza materiales baratos y corrientes para elaborar mezclas, elementos simples, collages, carteles, textos, esculturas, instalaciones que parecen arquitectónicas y que examinan la cultura contemporánea y la propaganda social, cuestionando lo cotidiano en las estructuras familiares, la construcción de las identidades, los medios de comunicación, incluso la propia historia del arte.

No pasan desapercibidas porque para muchos espectadores son obras sin ningún valor. Hay que decirlo así de simple.

Al ver sus obras la primera impresión que se recibe es la de preguntarse: ¿Y esto es Arte para estar en un Gran Museo? Y la respuesta siempre es SI pues ya ha expuesto en los mejores Museos del mundo. En teoría la respuesta no contiene una verdad absoluta, pero hay que seguir explorando el asunto un poco más.

¿Es necesario plantear elementos artísticos y que sean reconocidos como de gran valor porque tienen 30 metros de altura y materiales nobles y caros, para reflejar una idea y que esta sea valorada por ser enorme? 

¿Es posible hacer lo mismo con unas simples y muy baratas cajitas de cartón de 10 centímetros de altura? 

¿El tamaño importa en el Arte?

A partir de esta simplificación del tamaño de la obra nos podemos plantear lo que deseemos sin mayores problemas. ¿Qué son los objetos cotidianos? ¿Pueden contener otras cosas, ser de otra forma, servir para otros cometidos?

¿Qué es una escarpia? 

¿Y cien escarpias? 

No, cien escarpias pueden ser una sola escarpia multiplicada por cien o un nuevo elemento que ya no tenga nada que ver con el uso de una escarpia. Es el uso y no la forma lo que da valor al elemento. Un elemento no siempre es la décima parte de diez elementos.

¿Puede ser una escarpia la representación de un cuerpo desnudo? Y en ese caso: ¿Diez escarpias serían en ese caso diez cuerpos desnudos o una multitud de personas desnudas ante el mundo, ante la opresión, ante la injusticia?

Lo voy a plantear más sencillo. La A para los occidentales siempre nos dice A. No entendemos otra explicación a la A. pero hay muchas otras formas de decir A. Desde los íberos a los árabes, chinos, etruscos o egipcios. No siempre la simple y fácil A es entendida como A. 

No siempre una simple escarpia puede entenderse como una escarpia.

La obra que vemos arriba está titulada: "Superficies pintadas a mano", es del año 2018, y se ha expuesto en Berlín, Madrid, Colonia y New York-


Si eres católico sufrirás mucho. Está escrito en el Arte

En el Arte hay que enfatizar, hay que demostrar que la idea es sublime y contundente, que lo que se quiere decir se dice sin ninguna duda y remarcando bien el mensaje. De eso sabia mucho la religión en años viejos, cuando explicaba el sufrimiento como redención de penas, cuando el pecado trae castigo y a veces repartido para todos.

Este Cristo es de la ciudad de Braga en Portugal. Sus heridas no dejan dudas, sufrió. Y se enfatiza, se remarca casi hasta la obscenidad. Muy pocas religiones (o ninguna) marca tan rotundamente los sufrimientos de pertenecer a ella como la Católica.

Para dibujar: Rotuladores y bolígrafos. Herramientas muy sencillas de usar

Hoy el mundo de los bolígrafos o de los rotuladores como herramientas para dibujar es amplísimo. Desde herramientas sencillas que solo se publicitan para escribir a otros elementos que se compran en tiendas de Arte y sus tintas son todavía más permanentes y que podemos encontrar además en numerosos grosores de trazo e incluso en muy numeroso color de tinta.

Pero además ya hay rotuladores con terminación en pincel, rotuladores que se pueden cargar de tintas o de pinturas, incluso que según la posición de uso permiten ligeros cambios de grosor en la línea.

La gran ventaja del rotulador o del bolígrafo es que siempre están dispuestos para su uso, es una herramienta de dibuja muy rápida de usar y muy sencilla, que se conservación es perfecta y sin trabajo extra, que hoy hay ya decenas de formas distintas y que además en la mayoría de los casos es muy barato tener una pequeña colección de ellos.

Un bolígrafo o rotulador es muy rápido en el trazo, aunque su inconveniente es que el trazo es siempre del mismo grosor excepto si empleas el de terminación en pincel. Pero depende del tipo de trazo que hagas esos grosores puedes simular diferentes grosores a base de reforzar zonas o de utilizar diversos rotuladores o bolígrafos de distinto calibre.

Han venido a sustituir a la clásica plumilla con tinta, y aunque son herramientas diferentes y que otorgan distinto tipo de trazo, su versatilidad les están dando cada vez más protagonismo. Mi consejo es que la tinta siempre sea permanente.

¿El valor de una obra de Arte es su dificultad, sus técnicas, sus materiales?

Del escultor americano John Fisher vemos ahora una escultura que está en la ciudad portuguesa de Braga. Es una mujer desnuda y de costado, que en un principio parecía de mármol más estando colocada en un espacio público. Pero un desconchón accidental nos muestra que en realidad es de madera y luego lacada con polvo de mármol por encima para asemejar que toda ella es de una pieza de mármol.

¿Resta valor artístico a la obra que esté hecha en madera o en mármol? Pues si nos atenemos a la contemplación no, tendría que darnos igual si es un material noble o un trampantojo. Pero es posible (o no) que las autoridades públicas que encargaron la obra no supieran bien distinguir las diferentes técnicas de trabajo del artista. ¿Pagaron por mármol o por madera lacada?

Pero si volvemos al aspecto artístico, que sea más complejo o menos la técnica utilizada no resta valor a la obra. Un simple dibujo con plumilla puede ser una maravilla, como lo es una obra de Jackson Pollock aunque ya todos sepamos que es pintura chorreada encima de los lienzos. Ni el tiempo que se tarda en hacer una obra ni sus técnicas son elementos que deberían dar o restar valor.

Pero aquí entra el “mercado” que es quien pone precio, confundiendo precio con valor. Y ya no caben muchas más opiniones. En cualquier caso esta obra de John Fisher necesita una reparación (algo complejo por derechos de autor en todas las obras artísticas) para que siga pareciendo que está hecha en mármol.

Simplemente la nada, aunque debajo haya algo

Simplemente 00, doble cero, la nada remarcada, el vacío dejado escrito para que lo veamos bien. 

¿Y qué existe debajo del vacío, de la nada? 

Posiblemente otra nada. 

¿Es posible tener varias nada? 

Si hay varias tal vez ya no sea nada sino algo que se multiplica.


No queda claro qué es. Pero lo parece

Corte Rotura. Pedro Gato. Basura. Podría ser lo que es, pero no queda claro. De cualquier manera es Diseño e incluso Fotografía.

¿Para qué creemos que sirve el Arte? ¿Sólo para crear Arte?


"Si el objeto del Arte es el objeto del Arte, 

entonces el Arte no existe fuera del Arte"

¿Para qué creemos que sirve el Arte? ¿Sólo para crear Arte? Es poca cosa, el Arte trasciende fuera del Arte y por ello estamos seguro que su función no es simplemente crear sino mostrar, hablar, expresarse, intervenir, incluso interferir en la marcha de todos nosotros.

Otra cosa es que todos nos demos cuenta de ello. 


Lo bueno del Arte es que a veces juega con los silencios y pueden pensar (muchos) que somos unos inútiles y que no servimos para nada. 

Muchos mejor así. Es un camino que nos dejan despejado.

Nota.: La imagen es del libro "Pintar Palabras" del Instituto Cervantes

Picasso peligra en Oslo, Noruega. Sin lógica

En 1969, Picasso y su antiguo colaborador, el artista noruego Carl Nesjar, crearon cinco murales en los muros de hormigón interiores y exteriores de Y-Block y H-Block, dos edificios modernistas en el distrito Regjeringskvartalet de Oslo en Noruega diseñados por el arquitecto noruego Erling Viksjø. 

Cuando estos edificios iban a ser declarados Monumentos del Patrimonio noruego, un atentado en 2011 les produjo daños en alguna parte de la estructura por las explosiones, lo que los vació de uso y en el 2014 fueron declarados en ruina para ser derruidos.

Pero los edificios siguen en pie, y derruirlos es darle otra razón más al terrorismo que puede acabar con el Arte incluso una década después del atentado, sin que nadie se obligue a salvar al menos parte de estos murales y los traslade a otro edificio.

¿Alguien se imagina hoy que las Pinturas Negras de Goya se hubieran derruido con el edificio, en vez de salvarlas para muestra de todas las generaciones futuras y ser conservadas parcialmente en el Museo del Prado? 


A los ilustradores de las Artes Gráficas. Gracias

Desde los años 30 y hasta bien entrados los 70, todas las agencias de publicidad, editoriales, imprentas e incluso fotograbados, tenían varios dibujantes en nómina o similar, para realizar decenas y decenas de dibujos para revistas, libros, publicidades, etc. 

El mundo de la ilustración era muy distinto al de ahora, no existía la informática y todo se hacía a manos, incluidos los retoques de imágenes, los difuminados al aerógrafo y las ilustraciones pues era más sencillo una ilustración que una fotografía y además tenía más calidad final.

Había grandes artistas, todos ellos muy especializados en alguna temática o en algunas técnicas distintas de la ilustración, de la cartelería, del anuncio publicitario o del retoque. Y los tiempos de entrega también eran otros muy diferentes a los actuales.

Esta ilustración que vemos es del invierno de 1948, realizada para la revista Lecturas para ilustrar un cuento titulado Regalo de Reyes. La ilustración era de Lozano Olivares. Era impresión tipográfica a dos colores.

Anwar Jalal Shemza y su "Muro" o su "Meem Two 1967”

El artista pakistaní e inglés Anwar Jalal Shemza pintó la obra de arriba obra titulada “El Muro” en un ejemplo curioso de un cubismo que podríamos decir árabe o islámico, mezclando rasgos y trazos de la caligrafía árabe más de las zonas de Pakistán, con el cubismo de los años 50 y 60 del siglo XX.

Escritor, poeta, grabador y artista pictórico falleció joven, a los 56 años, dejándonos sin su obra más asentada de esos años maduros que todos los artistas disfrutan en sus años calmados. En sus últimos años de vida fue también profesor de Arte.
La obra que podemos ver abajo se titula “Dos M 1967 - Meem Two 1967” y está realizada en el año 1967 mostrando un trabajo geométrico de la letra M (Meem) con las que realiza un diseño islámico con figuras geométricas que pueden insinuar formas diversas sobre un fondo gris neutro.

Construye y deconstruye formas con signos, con caligrafías o formas geométricas, para mostrar figuras y formas que transmiten sensaciones y sentimientos sin salirse de lo que realmente son, simples formas que se posicionan sobre un fondo apagado que no dice nada hasta que recibe esas manchas y formas que también son colores. 

Son trabajo planos, casi de diseño abstracto pero sin dejar nunca los motivos de su cultura islámica como parte fundamental de sus herramientas expresivas. 


Crear Arte es seguir jugando como un niño

Para disfrutar del Arte, incluso creándolo, no hay que ser Goya, como para disfrutar de la cocina no hay que ser Ferran Adrià. Se puede crear y disfrutar de lo que tus manos crean sin aspirar a ser el mejor del mundo. Simplemente siendo un aficionado al Arte y a la creación, sea pintura, literatura, fotografía o música.

Este ejemplo que vemos arriba es muy válido para entender todo lo que intento explicar. Es un dibujo de Andreu Buenafuente, que luego se ha convertido en la portada de su último libro. Además de periodista y humorista, es un creador nato que siempre está jugando con las pinturas. 

Y digo bien. Jugando. ¿Hay algo más maravilloso que siendo adulto poder seguir jugando con lo mismo que cuando eras niño?

Crear Arte puede ser una actividad más que podemos (debemos) practicar en nuestra cueva y disfrutar de ello sin aspirar a nada más. Si acaso a que tus obras queden colgadas en tus paredes, a que se conserven unos años.

Black and dusk pink. Negro y rosa oscuro. Terry Frost

Esta obra del artista Terry Frost realizada en el año 1978 al óleo es un trabajo abstracto donde trabaja con muy limitado número de colores y sobre todo el blanco y el negro, para enfatizar las formas giratorias que parecen reventar los marcos del lienzo y salirse de él. Es como una explosión de formas que quieren salir de la obra para seguir girando en el espacio donde se encuentra el espectador.

El título de la obra es: Black and dusk pink, Negro y rosa oscuro.

Fondo y Figura. Composición artística básica

Todo lo que vemos se compone de un FONDO y una FIGURA, de un envoltorio que a veces vemos desenfocado aunque no lo notemos lo cual es la medida de que para nuestro cerebro está desenfocado, y una figura principal que es lo que nos atrapa, nos llama la atención. Esto sucede en la vida de casi todos los estadios, momentos, situaciones. 

Un FONDO y una FIGURA. En el cine, en literatura, cuando paseamos o cuando comemos un plato en un restaurante. El ambiente y lo sustancioso.

En ARTE esto es fundamental casi siempre. A la figura principal, a lo que queremos destacar le tenemos que poner un fondo, un envoltorio, un ambiente, un espacio.

Cuando en una película “el malo” asesina a la viejecita, todo lo que rodea la escena es el ambiente, y nada de todo eso que vemos existía antes de rodarse la escena. Si aparece un vaso o un trapo de cocina es porque el director ha querido que estuviera para crear ambiente, para complementar el fondo. Si está a la derecha o a la izquierda, grande o pequeño, sobre fondo blanco o negro, de color fuerte o apastelado, es una decisión que se toma.

En un cuadro sucede lo mismo. Son las normas de composición más básicas, y sirven para indicarle al cerebro, al espectador, en qué contexto debe observar todo lo que ve, pero sobre todo “LA FIGURA”. La misma figura (o la misma escena del asesinato) sobre otro fondo, otro ambiente, nos diría otra cosa distinta. 

Por eso el FONDO es tan importante pues enmarca la FIGURA hasta darle sentido, y sobre todo para remarcarla, o para difuminarla. El FONDO ayuda a dar importancia a la FIGURA, pero sobre todo para medir esa importancia, para que sea más o menos, con arreglo a lo que quiere el artista que crea.

La obra que vemos arriba se titula “El Campeón o El Vencedor”, es del año 1824 del artista inglés Charles Lock Eastlake.

Reflexiones sobre el papel de los Museos en el siglo XXI

Hay miles, decenas de miles de artistas distintos con obras totalmente diferentes entre ellas. Es imposible verlas todas. Pero en los museos de todo el mundo solo hay unos pocos centenares de artistas. En cada museo hay algunos centenares de ellos en el mejor de los casos, algunas decenas en la mayoría.

Si los Museos tras esa prometida Nueva Normalidad van a ser edificios que simplemente muestren las obras que tienen en sus almacenes, ya conocidas en casi todos los casos, excelentes sin duda pero ya vistas, elegidas y por ellos dejando fuera a miles de artistas… ¿merecerá la pena ir de visita a los Museos?

A su vez hay que poner en valor a los Museos como templos de Cultura pero también de educación, de pedagogía sobre la historia, el arte, la sociedad en la que vivimos. 

Y si admitimos todo esto, edificios públicos (o privados) pero imprescindibles para crecer como sociedad, tenemos que buscar alternativas a esa Nueva Normalidad que puede ser complicada para muchos elementos sociales, incluidos los Museos.

Tal vez tengan que ser pretenciosos tanto en su exterior como en algunas muestras temporales que intentaban sobre todo ser comerciales. Tal vez su papel en el futuro sea el de “mostrar” tendencias y modos distintos a lo que tienen en su almacén, complementos educativos a su cometido fijo, multiplicadores de posibilidades para nuevos artistas.

Y a su vez tienen que aprender a saber rotar casi constantemente su propio stock de obras para resultar vivo y diferente en el tiempo, donde además de los elementos propios del museo debe saber sacarles un partido pedagógico pero también lúdico, que resulten distintos. 

Cada Museo debería ser cuatro veces al año diferente para que se mantuviera vivo, y en ese trabajo tanto la dirección del Museo como los especialistas propios tienen mucho que decir y que trabajar.

La obra que vemos arriba es del artista medio griego medio italiano Giorgio de Chirico del año 1957 y muestra una Isla de Venecia.

Era Mary Wigman cuando volaba como bruja y en silencio

La bailarina alemana Karoline Sophie Marie Wiegmann conocida más como Mary Wigman nos dejó este texto explicando lo que sentía al bailar. Artista expresionista y dadaísta, supo entregar con su danza esas expresiones artísticas más dirigidas hacia la pintura. Pero el Arte no tiene puertas ni cajones estancos.

La NO música, el NO sonido mientras ella se movía sobre el espacio del escenario marcaron sus formas de trabajo, de expresión, intentando volar simplemente con el dinamismo del movimiento. 

Las aves no necesitan música para moverse por el aire. Sus caídas y recuperaciones del suelo marcaban sin música unos movimientos que llenaban los momentos y daban plasticidad a lo que deseaba, que fuera eso simplemente, el movimiento, el que generara sensaciones, sin estar acompañada de música.

La fotografía como expresión artística de un siglo

Sin ninguna duda la fotografía es el Arte que más se está moviendo en estos principios del siglo XXI tocando todo tipo de técnicas y temáticas, abriéndose a toda forma de expresión artística, lo que ha convertido a la fotografía en la herramienta más poderosa (y sencilla) de expresión e información de nuestro tiempo.

Cuando dentro de unos siglos los futuros ciudadanos quieran entender los finales del siglo XX y al menos los principios del siglo XXI tendrán a su disposición la fotografía que se haya conservador como el mejor y más sencillo elementos de análisis. También en el campo del Arte y en la evolución de sus técnicas expresivas.

Será imposible entender estas décadas sin abrazar a todo lo construido con la fotografía, tanto por profesionales como por amateur, tanto en fotografía periodística como en fotografía artística. La gran duda es: ¿Se lograrán conservar las fotografías actuales tantos años como lo ha logrado la pintura?

Del artista australiano Trent Parke mostramos una fotografía "Sin Título" surrealista del año 2007 realizada en Australia del Sur.

Once años después ya hay salidas, un orden dentro del desorden

La pequeña locura también es capaz de generar imágenes extrañas. Esta es una recreación de una serie de obras muy similares que realicé en el año 2009 hace 11 años, un periodo duro en mi vida que se saldó con una pequeña colección de obras en las que casi se puede ver el caos, la locura, el barullo mental.

Superado totalmente aquel espacio tiempo he vuelto a las andadas intentando recrear los mismos elementos, colores, formas. Pero utilizando otras herramientas para reflejar lo mismo. No sale. Aunque no se nota desde fuera la diferencia. No sale.

En esta obra actual hay caminos abiertos, hay salidas, hay incluso un orden dentro del desorden. 

No se trata de entenderlo, es un simple desahogo, pero es un ejemplo de que el Arte a veces sirve como terapia, como elemento de vaciamiento de la basura mental.

¿Qué deben ser los Museos en el siglo XXI?

Ahora que por culpa del virus han tenido que cerrar varios meses los Museos, cuando sabemos que abrirlos va a ser más complejo que cerrarlos y que algunos de ellos no podrán abrir en muchos meses o incluso nunca por sus costes inasumibles con pocos visitantes, es tal vez momento de preguntarnos por el papel que los Museos deben cumplir en e siglo XXI, sin duda distinto al que cumplieron en el XIX y en el XX, también distinto y adaptable según diversos modelos.

La primera pregunta que nos debemos hacer es. ¿Qué queremos que sea la Cultura? Y tras respondernos adaptar la respuesta a las diversas herramientas de que disponemos, donde sin duda están incluidos los Museos.

Ya no pueden ser meros almacenes ordenados de “productos” culturales maravillosamente viejos, aunque sin duda una parte de los actuales Museos pueden ser solo eso, y muchos otros no quieren ser más que simplemente eso. Para ser meros contenedores y pasillos o salas donde visitar al Arte o las Culturas anteriores ya tenemos todo el engranaje de internet y sus opciones on line. Su competencia puede ser complicada.

El papel del Museo como lugar que muestra “lo nuevo” también puede verse de alguna manera peleado con las Salas de Exposiciones, los Estadios de Artistas, las Fundaciones o las Galerías de Venta. 

Así que queda un espacio (en realidad muchos) que es el de “crear” Cultura y expandirla, servir de vehículo y herramienta para estar constantemente vivos, con temáticas y montajes que deben cambiar casi constantemente, para que el espectador vaya “al lugar” a dejarse sorprender, y no a ver lo que ya sabe de antemano que está allí conservado.

Muchos Museos entendieron este cambio desde finales del siglo XX, pero ahora será inevitable para todos. Y en todas las temáticas. Pero ello nos lleva a otro punto conflictivo. 

Este cambio supone más coste, unos presupuestos y unos técnicos diferentes y más amplios. Y entre esos costes están además los de los seguros, los del mantenimiento y cuidado de las obras, los de saber seleccionar bien lo que se intenta mostrar y cambiar algunos aspectos del trabajo pedagógico de los Museos.

Y en ese trabajo precisamente es donde tiene que venir el cambio más profundo. Más información de las obras y de los artistas, bien en el lugar o bien a través de folletos digitales. 

Más posibilidades de fotografiar las obras sin flash al menos una parte de ellas como ya sucede en algunos Museos que antes no dejaban fotografiar ninguna. Y un montaje mucho más novedoso, vivo y que mezcle disciplinas. 

No deben ser los museos meras paredes, habitaciones o vitrinas, sino una mezcla de posibilidades para que sea casi una aventura y sin duda un mar de sensaciones acudir a un Museo. 

No estoy hablando de convertirlos en Parques Temáticos, que eso es otra disciplina de ocio, sino de convertirlos en más visitables, mas útiles y de más amplio espectro formativo.

La obra que vemos arriba, un Popeye, es del artista americano conceptual pop Jeff Koons.

Vibraciones, del artista malagueño Enrique Brinkmann

Del artista andaluz Enrique Brinkmann os dejo una sección de una obra suya del año 1996 titulada "Vibraciones". Un óleo sobre lienzo que nos muestra sus construcciones y deconstrucciones su particular caos al que intenta poner orden y para ello nada como ver un detalle primero, ya que de esta forma veremos mejor su técnica y sus maneras de plasmar sus ideas.

Muy reconocido en los EEUU y en España creó en el año 1957 el Grupo Picasso con otros artistas malagueños en recuerdo de su vecino.


El Grito, El Susto, La Desesperación. Edvard Munch

Deja dicho Edvard Munch sobre esta obra que hoy conocemos como El Grito: Paseaba por un sendero con dos amigos; el sol se puso. De repente, el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio: sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad. Mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad. Sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza. Escrito el texto anterior un tiempo antes de dar por terminado su más famosa obra, refleja las sensaciones que le llevaron a construirla

La hemos llamado “El Grito” pero podría ser “El Susto” aunque el propio autor la llama “La Desesperación” en sus primeros tiempos y fue expuesta junto a otras obras reflejando todas ellas la idea del amor en sus distintas fases. Pero sin duda es una obra donde vemos a una persona con gran angustia, con desesperación ante lo que está observando que puede ser un amor que se escapa o un mundo que viene teñido de rojo y dolor. Y aquí es donde entra mucho más que un simple grito.

Pintada la obra principal en el año 1893 pues después de ella el mismo autor realizó otras tres versiones, es en todos los casos una obra anterior a los periodos de las Grandes Guerras, pero parece vaticinar el horror, el drama, los dolores que la sociedad iría viendo en las dos próximas décadas. Una obra de un Edvard Munch joven pues tenía 30 años, demuestra que sin ser un gran dibujante trabaja muy bien el simbolismo y lo conceptual, el expresionismo para contar historias.

Se realizó con témpera, pastel y lápices de cera sobre cartón y eso está creando problemas de conservación para una obra que es un icono del arte del siglo XX aunque se pintara a finales de XIX.

Me gustas porque me gustas, pero por nada mas

Me gustas por lo que eres, por dónde estás, por la forma de cortar el viento, por lo fuerte y poderoso que pareces. 

Me gusta porque me gustas y con eso ya vale. Pero por nada mas. 

Los tres elementos necesarios para dibujar. Ganas, un papel y un lápiz

Hemos hablado varias veces de lo sencillo que es empezar a dibujar, disfrutar dibujando, hablar con los dibujos propios. Es una manera de escribir con rayas, con manchas, de contar historias con muy pocos elementos. Las viñetas son simplemente esos, historias minimalistas con muy pocos elementos que nos distraigan y que nos pueden llevar a otros espacios.

Para dibujar solo es necesario ganas. Un papel y un bolígrafo. Las tres cosas, eso sí, deben ser de calidad.


No me sirve que digas que no dibujas por no saber dibujar

Dibujar es algo tan sencillo que lo saben hacer hasta los niños, así que es imposible que te digas a ti mismo que no sabes dibujar y que por eso no dibujas. Puedes buscarte otra excusa —eso sí— como que no te gusta. Pero saber no es necesario. 

Dibujas es tan sencillo y tan simple como escribir, pero en vez de con letras…, con rayas, sombras y manchas.

Nacemos sabiendo manchar con los dedos un papel vacío. Nunca se nos olvida, si acaso nos da apuro seguir manchando papeles. 

¿Que para qué sirve dibujar? Para disfrutar con ello. Para volver a ser niño. No es nada más, ni nada menos.

San Miguel pintado por el Maestro de Belmonte

Sobre el año 1460 pintó esta tabla el conocido como Maestro de Belmonte, para el altar mayor de la iglesia parroquial de San Miguel en la localidad aragonesa de Belmonte. Esta obra se encuentra en el MET de New York pintado sobre tabla en témpera y óleo.Tiene 217 centímetros de altura. Los detalles del demonio son francamente curiosos.

Material artístico ¿Cómo lo compro? ¿Qué compro?

Un error grave a la hora de dibujar y pintar es empezar con herramientas, colores y soportes de mala calidad. No voy a recomendar ni los mejores ni los medianos, pero NUNCA utilices los malos, los que podríamos llamar “escolares” y que en realidad no sirven ni para los escolares.

La base, sea papel para dibujar o lienzo para pintar es fundamental que sea de una cierta calidad, que sirve para aguantar bien el color, la luz, la humedad. 


Los colores sean acuarelas, acrílicos u óleos, deben ser de una marca como mínimo conocida por sus muchos años de trabajo para el arte. 

No voy a dar marcas y estoy seguro que ya conoces las mejores, pero cuanto más caras mejor (dentro de tu presupuesto), y cuanto más baratas entre peor y mucho peor. En las tiendas de Arte no te van a engañar aunque lo que te ofrezcan sea más caro de lo que te imaginas. Entra, pregunta y decide. Pero estás viendo un producto diferente. 

Huye de los productos de centros comerciales en el montón (a veces Lidl sí ofrece productos muy baratos y de calidad regular que pueden servir para empezar sobre todo en lienzos, papel y pinceles) y huye de lápices de marcas desconocidas. En pinceles hay muchas diferencias de calidad y dureza del pelo, y por ello también de precio.

No mires nunca acrílicos para escayola si quieres pintar de verdad en papel o lienzo. Entre las acuarelas las diferencias son enormes de calidad y de color.

Los colores baratos en general (óleo, acrílico o acuarelas) no tienen fuerza, se desvaneces con el paso de los meses, no mezclan bien, se agrisan y no son capaces de hacer mezclas vivas y con colores limpios.

Es mucho mejor tener media docena de buenos colores y aprender a mezclar que tener 24 colores malos que no sirven más que para ofrecer resultados grises y sin contraste.

Al igual es bueno tener buenas tintas, buenos lápices, incluso buenas gomas de borrar. No es una tontería tener materiales bueno aunque tu idea no sea la de hacer algo bueno. Es que si utilizas materiales pobres te vas a cansar pues verás que lo que te sale no es lo que deseas.

Si compras cuadernos de dibujo deben soportar bien los viajes, el borrar y el utilizar a veces agua o no. Tintas y lápiz, distintas herramientas.

Y estos pequeños consejos sirven para tus materiales pero también o casi más todavía para los materiales que vayas a regalar. Cualquiera que empiece a dibujar o pintar debe hacerlo con materiales que estén fabricados para eso.

No soportarías ir a casa de un amigo a tomar una copa y que esta fuera de garrafón. 

Así que no hagas eso mismo a la hora de regalar unos lápices. Otra cosa es regalar materiales o herramientas complementarias, por ejemplo una pluma de caña o unas limas, pero incluso un sacaminas no es igual si es capaz de sacar mina fina a los lápices o si los rompe por una cuchilla mal afilada. Al final lo barato siempre es muy caro.

Huesos de aguacate como material para escultura

La distancia entre artesanía y arte es muy débil. Estos huesos de aguacate sirven de lienzo, de materia prima para hacer unas pequeñas esculturas a una persona que lleva toda su vida diseñando calzado, pintando o dibujando. En los últimos años ha decidido trabajar la madera de desecho, troncos que encuentra en la naturaleza o pequeños desechos de frutas. 

La simplicidad del Arte es precisamente esa, la de que cada uno podemos utilizar numerosas herramientas para sacarnos las ideas, para repartirlas, para disfrutar mientras las trabajamos.

El mayor éxito de una obra de Arte es el que tiene al autor mientras la realiza. Hay numerosos artistas que sabemos que en un momento dado decidieron quemar su obra, tirarla o regalarla. No les importaba la meta, el mercado, sino el camino hasta lograr lo que pretendía. No dejan de valorar su trabajo, simplemente valoran más su propio tiempo, pues en realidad el Arte es la mezcla de Tiempo y Trabajo. Formación mas Ideas.

Un incendio del artista René Magritte

Surrealismo inicial de René Magritte. Una obra del año 1934 titulada "El Incendio" donde el color es el que indica el desastre, la realidad. La obra se encuentra en el Museo de Bruselas de René Magritte.

Última Cena, con una mujer lavando los pies

De la Escuela Castellana dejo un retablo de una Última Cena donde vemos además de a Jesucristo y a sus doce Apóstoles, a una mujer lavándole los pies a Cristo. Un detalle. Posiblemente representa a María Magdalena.

¿Qué es el Arte Abstracto? ¿Qué no es Arte Abstracto?

Si tenemos que explicar qué es el Arte Abstracto, tan amplio, tenemos que simplificarlo al máximo. El Arte Abstracto es el Arte NO Figurativo, no real, totalmente artificial e inventado. Lo abstracto no existe hasta que se crea. No se copia, se inventa.

Pero el Arte Abstracto puede ser una creación de elementos que por sí mismos no son nada: líneas, formas, manchas, contrastes. Pero también pueden ser cosas que son OTRA cosa como podría ser el Arte Surrealista. Y a partir de aquí pueden ir surgiendo opiniones para todos los gustos. El Arte Abstracto en global no solo puede ser pintura sino también música, literatura o teatro, por poner ejemplos.

No todo el Arte Abstracto es Mondrian o Kandinsky pues en su globalidad entran muchas formas no siempre admitidas por todos como Arte Abstracto. Es un lenguaje, un abecedario que no siempre utiliza letras, pero que se expresa con una apariencia que no conocemos, que no existe. Puede ser Pollock o Duchamp.

Abstraer, de donde viene el concepto de Arte Abstracto, es lo que no se puede percibir directamente a través de los sentidos, aquello que no es concreto y conocido y se aleja del aspecto exterior de una realidad admitida con anterioridad.

El Arte Abstracto no tiene que ser bello a la primera mirada, pero sí debe estar bien formulado, contrapesado, guardar unas apariencias bellas en su conjunto o al menos agradables o incluso desagradables. Parece contrasentido y lo es. Busca hablar, expresarse, y por eso debe mantener unas formas y sentidos, aunque sean provocativos.

El surrealismo es “otra” realidad, y sin duda no encajaría dentro de un Arte Abstracto que rompe con la realidad, pero curiosamente lo que hace el Arte Surrealista es otorgar en muchos casos “otra” realidad a algo común, cambiando sus sentidos. Magritte lo borda en muchas de sus obras. Los trazos no son abstractos, pero el fondo, la historia que nos cuentan sus obras si lo son.

La obra que vemos arriba es de René Magritte, del año 1928, titulada "La Aparición".

Cerámica Nazca con cuerpo decapitado

Esta cerámica es una botella con doble pico (en Aragón lo llamamos pitorro) y asa que nos muestra un dibujo de unas aves comiéndose el cuerpo de una persona decapitada. Es una cerámica de la cultura Nasca del sur de Perú con unos 2.000 años de antigüedad.

El concepto de las guerras, de los guerreros triunfadores, llevaba a plasmar en dibujos sus trofeos que no eran otros que las cabezas de los vencidos o sus cuerpos entregados a la naturaleza.

Arte convertido en escritura de sensaciones, de sentimientos. ¿Y bebían líquidos en esos trofeos cerámicas botellas? Pues sin duda debemos entender que si, aunque también podemos pensar que podrían servir para ceremonias religiosas, para fiestas de grupo, para emborracharse tras las batallas. No lo sabemos con seguridad. En cualqueir caso es una cerámica que nos indica una forma de entender la vida en comunidad, la violencia y la sociedad de entonces.

El Arte en el Diseño Gráfico, indispensable en tiempos grises

Este texto, a modo de Prólogo es una entradilla de una revista en estos tiempos de pandemia, de cansancio social incluso, de dudas y temores. pero aun así es también tiempo de transmitir y de hacerlo con belleza, con cuidado en el diseño gráfico, en una miraba artística suficiente para que sea agradable y a su vez amable y eficaz. 

El Arte tiene muchas vertientes y no debemos dejar nunca de exigir que sea reconocido como Arte esa normalidad que nos envuelve, para dulcificar simplemente las miradas de todos nosotros. El color, las formas, la distribución de espacios, la tipografía o el cuidado en la presentación también es Arte. 

Multiplicando el vino, en las Bodas de Caná

Empezamos la semana con una obra de la vieja Yugoslavia, donde podemos ver un mural con la explicación gráfica de las Bodas de Caná y la multiplicación del vino. Ponían agua en los jarrones y salía vino, dicen que incluso del bueno. Ya en aquellos años sabían mezclar el agua con el vino.

Pero también dicen las viejas historias que todo esto está basado en una historia pagana pues según se dice esto sucede el 6 de enero, fecha que según una leyenda de aquellos años anteriores, era la Epifanía de Dios, según las Leyendas de Dionisio. 

Pero de momento dejamos el cuadro y con eso nos conformamos. Que cada cual saque sus conclusiones.

Diseño Gráfico, Arte al servicio de la sociedad

El Diseño Gráfico es Arte aunque no se quiera valorar así por los compradores y vendedores de Arte. Incluso es muy habitual que muchos artistas plásticos sean a su vez Diseñadores Gráficos y al revés. Van unidas ambas disciplinas artísticas. Y ambas se dedican a lo mismo. Plantear ideas con arreglo a sus idiomas de comunicación para lograr motivar al espectador. Aunque podamos disimular su cometido, según desde quien viene el intento de explicar el Arte.

Este anuncio, que además de utilizar el Arte se ha convertido en Publicidad es un ejemplo bello de plantear con Arte un Diseño para una idea. No ya por utilizar un dibujo coloreado, un texto como titular para motivar y meternos dentro de la obra, sino por el uso de los colores complementarios  de la sensación de "comunidad" y de momento serio y responsable. Todo ello trabajado a favor del servicio que ofrece la marca anunciadora. 

¿Qué era el Arte Religioso de la Edad Media, sino publicidad encubierta?

¿Una obra sin saber el autor es menos valiosa?

De esta obra no tengo ni título ni autor y la duda me surge sobre si es conveniente ponerla aquí, publicarla en lo que intenta ser un pequeño Museo para aprender. Pero un Museo es también simplemente un lugar para ver.

Muchas obras simplemente están en lugares públicos para decorar, como es en este caso, sin ninguna indicación. Me la encontré en Zagreb y me pareció interesante.

Negarle espacio sería ir en contra del Arte. Nos debe interesar mucho menos (casi nada) el nombre del autor pues lo importante es lo que nos quiere representar.

¿Sabemos el nombre del cocinero de ese interesante plato? ¿Y del diseñador de ese anuncio de éxito? 

Surrealismo a la hora de comer. Matko Mijić artista croata

Una mesa dispuesta para servir una comida con diferentes elementos y que el autor titula: “Mientras estábamos esperando” realizada en una instalación del artista croata Matko Mijić. En total era una gran mesa de banquetes con un total de 68 elementos surrealistas que nos demuestran las numerosas maneras de entender la normalidad de elementos muy comunes.

Emanuel Vidović y un bodegón de peces croatas

La obra que vemos arriba es un óleo pintado por el artista croata Emanuel Vidović en el año 1942 cuando ya contaba 72 años de edad. Un clásico bodegón con peces de mercado.

¿Qué es el Estilo en el Arte? Simplemente su firma de trabajo

¿Qué es el Estilo en el Arte? En realidad es la firma del autor, es lo que de entrada define al que construye una obra. Pero dentro de eso, que es obvio, está el método o modelo de representación que al artista elige para mostrar lo que quiere enseñarnos. 

Es su “mejor” modo de saber explicarse, su seña de identidad, su firma, su necesidad o su abecedario real para explicarse.

Cada artista, sea en literatura, música o dibujo, utiliza un estilo personal, que podría ser similar al de otros artistas, pero que sin duda es el que él mismo, sabe dominar mejor y el que ha elegido para expresarse. Y lo ha elegido porque lo domina, y tras admitir que es el mejor manera de expresarse, cuanto más lo practica, más lo domina y mejor se expresa.

Otra cosa es que lo que exprese nos llegue o no a los espectadores. Hay estilos fáciles, muy comprensibles, y otros realmente torturadores, complejos o fallidos. 

Pero una vez que un estilo está admitido por el autor, sin duda va ganando importancia en su obra, emerge en todas ellas para llevar la firma y la forma del artista. Si se mantiene en el mismo estilo es que el artista está contento con su obra y sus formas, y quiere seguir explorando con el mismo abecedario de expresión.

El dibujo que dejo arriba es un ejemplo de diseño gráfico de autor que califica a su creador por la forma del dibujo, por los rasgos. Para quien no lo conocemos nos dice la mitad que para quien ya sabe qué tipo de estilo tiene el autor, pues enseguida nos resulta mucho más sencillo saber qué nos quiere decir. En esta caso es un dibujo sobre un cristal en una librería, animando a mirar el escaparate a toda la familia. El autor es un croata del que no tengo su nombre.

Antonio López mira al pasado desde el futuro. O al revés

Abusando de la amabilidad de El País y de su fotógrafo Luis Sevillano me atrevo a dejar esta fotografía del artista Antonio López en su estudio de Madrid por lo humano y maravilloso que representa un artista fabuloso mirando al futuro a través de su ventana, convencido en su interior que ya le queda muy poco por lo que asombrarse, para lo que mirar desde su soledad.

Además de artista es sin duda un gran ser humano lleno de vida y de silencios, de perezas y de genialidades, de trabajo y ahora desde febrero de soledad interior. Dice que tiene mucho trabajo por hacer, que sus hijas le ayudan y le empujan, pero que el silencio le acompaña como a todos los artistas que tienen que crear desde dentro.

Preguntado por la pandemia responde: Soy de los que creen que nada cambiará porque el hombre no sabe escuchar. No creo que salgamos mejores. Estaría bien que hubiera un enfoque más austero de la vida. No porque nos lo impongan sino porque nosotros sepamos llegar a esa certeza. Tenemos una forma de vida muy invasiva, muy alejada de la naturaleza. El único objetivo en el horizonte es el dinero a costa de lo que sea y eso no puede ser.

Para terminar aseverando: El arte siempre ha servido para cuestionarnos y buscar objetivos. Yo pienso siempre en los griegos, en el arte antiguo en general, donde el hombre se integraba de manera armónica con la naturaleza. Si le damos la espalda, no cabe hablar de esperanza.

Artista de Calle. Otra forma de ser amables con el urbanismo

No sería justo cuando hablamos de Arte y más si a veces nos referimos al Arte Urbano, de olvidarnos del Arte Urbano de personas que eligen la calle por diversos motivos para explicar sus habilidades, sus ideas, sus sensaciones y sentimientos. Personas que convierten las calles en pequeños teatros, en salas de exposiciones, en salas de conciertos, disfrazados de artistas de muy variado tipo. Artistas de Calle.

Pueden ser magos, payasos, contorsionistas, mimos, músicos, actores, pero sin duda son artistas que entregan su trabajo y su tiempo para llenar la calle de sensaciones nuevas.Una calles es un montón de cemento y asfalto hasta que llegan las personas a llenarla, cada uno en su función, los artistas y los espectadores, los paseantes y los aplaudidores. 

Con la suma de todo se logra que la calle deje de ser cemento y asfalto para ser vida y color, sensación y tiempo. Nada es gratis, todo tiene su precio. A veces se nos olvida agradecer lo que se hace, pero al menos, por favor, aplaudir. Reconocer el trabajo que nos entregan.

Arquitectura como manera de llenar lienzos de formas y colores

También la arquitectura debe tener un espacio claro en el Arte pues al final busca a veces lo mismo, provocar sensaciones, lograr ser agradable (o no) y llenar los lienzos vacíos del aire de formaciones de color y textura que nos haga más amable el paseo, la contemplación.