22.5.22

Mujer entrando en caminos nuevos


Es posible que los caminos se abran al mirarlos, pero seguro que se abren a penetrarlos con nuestros pasos. 

Que sea nuestra vista, posados sobre ellos, los que en realidad nos los abra a los ojos. 

Elegimos, no sabemos bien por qué, pero elegimos bien. 

Un camino tomado siempre es el mejor camino entre ese y el que no hemos querido tomar. 

El camino olvidado nunca sabremos hacia dónde nos podría llevar.

Pero tal vez nos durmiera en mayor sueño de injustos.

Nunca sabremos a dónde iban los caminos que no quisimos tomar.

21.5.22

Los brochazos en el Arte Contemporáneo


Dominar el brochazo en pintura es una manera de dominar la mirada, la mano y el cerebro. Es conseguir que lo que vemos lo podemos transmitir con golpes de mano. Y a partir de allí, si nos entrenamos y tenemos una mirada un tanto especial, podemos ampliar nuestra pincelada, y con ello lograr efectos que nos van a sorprender por la esquematización de lo conseguido.

Es como si pudiéramos ampliar a un X20 ó X50 unas pinceladas habituales y normales, que se muestran casi desproporcionadas, cuando el artista simplemente las imagina con la mayor naturalidad.

Tiene sus técnicas, sus efectos visuales que en algunos aspectos se asemejan al puntillismo antiguo pero jugando a deformar las manchas de color, y a jugar con los detalles en aquellas partes en las que sin ellos nada tendría sentido, como en los retratos son los ojos, la boca y la nariz.


La información es poder, aunque no exista


— ¿Qué vemos? 

—No te lo diré

Es un bello grabado numerado de un artista francés de nombre (creo) Philippe Géland. Una viñeta que nos plantea las clásicas dudas del valor de la información, aunque esta no exista. El Arte está entre otras cosas para preguntarnos y mostrar nuestras debilidades absurdas.


20.5.22

Los retratos urbanos del artista Jef Aérosol


Jef Aérosol
es el seudónimo del artista francés Jean-François Perroy, grafitero que con plantillas deja excelentes obras diseminadas por Francia sobre todo desde el año 1982, por lo que se considera uno de los primeros artistas urbanos de Europa. Aunque también ha trabajo por muchos otros países. 

Su trabajo se caracteriza en la actualidad ahora por el importante uso del blanco y negro, con la excepción de esas famosas flechas de color, marca registrada y "elemento disruptivo" en sus obras. Apasionado por la música, Jef Aérosol está muy inspirado en los iconos del rock de los años 60/70, pero también destaca a un gran número de personas anónimas, de todas las edades y orígenes.

Sus obras son visibles en muchas exposiciones en galerías y museos, festivales, ferias de arte, ventas públicas y eventos internacionales. Jef Aérosol transmite un mensaje humanista y poético que hace que su trabajo sea universal y atemporal, siempre en la convergencia de la reflexión y la emoción.

Arte Urbano en Francia con las guerras mundiales


El urbanismo de guerra, sobre todo el urbanismo posterior a una guerra también puede tener algunas concesiones al arte, al deseo de NO tapar pero mostrar con delicadeza y un toque ligero de humor la realidad de las violencias contra las personas y las cosas, a veces por tonterías de dirigentes concretos.

Esta imagen es de Francia, daría igual la ciudad, incluso daría igual si los disparos contra este edificio que era el Parlamento los hicieron los alemanes o los aliados, unos u otros para intentar conquistar posiciones.

Con los años las violencias de las guerra nos dan una importancia difuminada, ya no importa tanto quién, sino el por qué. Esos disparos han quedado porque fueron contra una pared de piedra, pero los que iban destinados contra la piel de las personas, esos ya nunca han quedado. 

Lo triste es que muchas veces las guerras duran mucho más de lo que deberían, pues los finales se adivinan mientras siguen cayendo personas muertas para nada. 

17.5.22

El escultor catalán Jaume Plensa en Burdeos


El escultor catalán Jaume Plensa tiene varias obras en diferentes ciudades francesas. Aquí vemos una de sus características cabezas en la ciudad de Burdeos, que con un tamaño de algo más de 7 metros, no pasa desapercibida pues además está en una zona muy céntrica. Un artista español que ha logrado poner obra en diversas calles europeas. 

Cartel Urbano del diseñador Eladio Rivadulla


El diseñador cubano Eladio Rivadulla ha ido creando carteles de todo tipo, incluidos carteles para la urbanidad social, para el funcionamiento de la sociedad más básica como en este caso, que era un cartel solicitando más limpieza con los animales de compañía. Pero el trabajo de quien es artista en el diseño o en el Arte en general se nota aunque sea un simple cartel para las paredes de las ciudades. El valor de la cartelería se debería rescatar a costa de encargar trabajos como antiguamente, a los artistas locales que además de conocer sus zonas y problemas, saben plasmar las ideas con un toque de Arte sin perder la contundencia en el mensaje.

París bien vale una obra gráfica efímera y muy sencilla

El Arte es una actividad interior que el propio artista necesita sacar de dentro, y aunque solo conozcamos las obras de los grandes artistas, sacadas casi excesivas veces en los medios de comunicación o en los museos, hay miles de artistas que simplemente muestras sus obras de la mejor manera, sin importarles nada que no sea transmitir, entregar, dejar sus trabajos a la contemplación de los demás. 

Es el clásico Arte Urbano, el llamado también Arte Efímero o Street Art, que casi siempre entrega gratis o por pocos dineros sus obras que saben que durarán poco tiempo.

Junto a la Torre Eiffel de París algunos artistas van dejando sus obras colgadas, sabiendo que mientras duren serán miles las personas que las puedan contemplar. Y este que vemos arriba es un ejemplo.

Pero en París llueve mucho, y si la obra es un impreso de un trabajo digital, las posibilidades de que dura unos días son pocas. Así que embolsar la obra parece una buena idea, o al menos se lo pareció a este artista del que desconozco su nombre colgando un buen mural de decenas de obras diferentes pero similares.

¿Por qué nace el impresionismo en Normandía?


Hay lugares en donde la unión entre la mirada actual, la fotografía del instante, la escena o el paisaje, nos llevan a imaginar un lugar especial para disfrutar pintándolo. El Monte Saint Michel y su localidad del interior de la fortaleza es uno de ellos. Por eso, los impresionistas pudieron crear una tendencia artística rompedora, pues sin duda quedaron "impresionados" por los lugares, sus colores en días de buena luz, por esas formas que parecen elevarse al cielo en búsqueda de más luz y colores.

Los impresionistas se dejaron impresionar, supieron sacar esa fuerza de la impresión inicial, y bocetala de forma rápida, con fuertes colores y formas atrevidas, simplificando, intentado impresionar tmabién al espectador. Todo eso es mucho más sencillo si viven en Normandía que si vives en otros espacios geográficos con menos cambios de luz, con menos contrastes entre los fríos colores y los calientes tonos de algunas horas del día.



8.5.22

Impresionismo en Zaragoza de la mano de Eliseo Meifrén y Roig


El artista pintor catalán Eliseo Meifrén y Roig pintó en el año 1908 este cuadro que tituló "Vista del Puente de Piedra y el Pilar desde el Cuartel de San Lázaro, en Zaragoza". Un claro ejemplo de cuadro impresionista de un pintor español que venía de Francia tras aprender de la escuela pictórica de aquellos años. 

Pintado desde la zona del Rabal zaragozano, muestra una estampa de la Zaragoza de aquellos años en los que toda esta zona eran tierras de labor y en donde los animales se acercaban al río Ebro para abrevar. 

7.5.22

Eladio Rivadulla y un cartel de cine para ver un parto


El cine y la cartelería, los carteles como anuncios de lo que se mostraba en las salas, siempre han ido de la mano. Este cartel cubano es del año 1948 del diseñador cubano Eladio Rivadulla. Trabajó para 65 distribuidoras fílmicas, carteles de cine diseñados e impresos en serigrafía, durante las décadas de los años 40 y 50. Y también para carteles políticos, culturales o de variada temática.

Se ha roto la paz; un cuadro de Julio del año 1983

Esta pequeña obra, oleo sobre lienzo de un formato 30 por 40, refleja en el año 1983 lo que sería la ruptura de la paz, convirtiéndose en una paloma negra, en una sobra chinesca, lo que en principio era un símbolo de la paz, la famosa paloma de Picasso con una ramita de olivo en su pico, rota y troceada.

La paloma blanca mira hacia un lado mientras que lo sombra chinesca, la paloma negra de la violencia mira y escapa hacia el otro. 

La blanca parece estar quieta, mostrando la calma, mientras que la negra intenta escapar, volando hacia la conquista de la violencia.

Han pasado 40 años pero estamos en la misma situación. Somos humanos, animales humanos.

6.5.22

La Columna del Congreso de Bélgica. Icono de victorias


Hay muchas maneras de representar la imagen del triunfo, del guerrero que logra sus objetivos en las batallas, sean estos triunfos los que sean. 

Son iconos que se repiten aunque se representen con diversas formas de liderazgo. 

Hay leones, laureles, músculos, belleza, fortaleza, antorchas, capacidad para volar, seriedad.

Esta escultura está en Bruselas y es conocida como la Columna del Congreso al representar el nacimiento de Bélgica como nación. 

A sus pies está la tumba al soldado desconocido.


Mariano Barbasán y un día de Mercado en Toledo

Este cuadro que vemos arriba es de Mariano Barbasán Lagueruela, un pintor zaragozano de mitad del siglo XIX y principios del XX. Esta obra se titula "Calle de un pueblo de Toledo" y la realizó en el año 1887 a 1888 en óleo sobre lienzo.

Refleja claramente lo que era la pintura fotográfica de entonces, ese deseo de mostrar aspectos fotográficos de paisajes, para defenderse del avance de la fotografía y demostrar que la pintura era muy superior.

De la Escuela Valenciana pintó sobre todo paisajes y vidas del mundo rural, mostrando esa parte de la vida que era menos conocida en las grandes ciudades a los espectadores que no siempre podían viajar con la facilidad actual. 

Realista en una pintura pre impresionista, juega con el color y las iluminaciones de los paisajes, casi como si de un escenario se tratara.

5.5.22

Mohamed Drissi y una escultura que lama "Cuca"


Del artista africano nacido en Tetuán, Mohamed Drissi (Idrissi) vemos una escultura para la que ha utilizado como base una pala de campo, para poder crear esos personajes casi monstruosos con los que a veces nos sorprende, como parte de la universalidad de la creación.

Mohamed Drissi ha logrado crear instalaciones de gran belleza y exorcizar sus miedos y ansiedades. Todos estos cuerpos horribles, deformados y horrorosos, estos ojos globulares o saltones, estas cabezas desarticuladas que llenan sus obras, son solo las visiones actuales de una infancia desafortunada y frágil.

Esta obra titulada "Cuca" es del año 1986, cuando ya se dedicaba más a la pintura que a la escultura.

Festival Asalto de Zaragoza en el Rabal y por el jazz


Desde el trabajo excelente del Festival Asalto de Zaragoza, que año tras año va dejando trabajos urbanos de gran calidad dejo dos ejemplos de este año 2022 en el barrio del Rabal zaragozano dedicados a su Festival de Jazz que llevan un buen montón de años celebrando puntualmente. Colorear calles con historias y miradas personales es un lujo urbano.



3.5.22

Pascual Blanco y su boceto para Virgen de la Paz para El Pilar


Lo que vemos arriba es un boceto que hizo el artista aragonés Pascual Blanco Piquero para una cúpula de la Basílica del Pilar de Zaragoza, que nunca se llegó a realizar, y que se preparó en el año 1995. Representaba a la "Virgen de la Paz".

Pascual Blanco Piquero, pintor, profesor y grabador participó en la formación de los grupos artísticos aragoneses Tierra y Azuda 40. Premio Aragón-Goya 1998 en la disciplina de grabado, su trabajo gira entre la abstracción y la figuración poética y comprometida con las realidades sociales mas débiles.

El aragonés Martín Bernat y su pintura religiosa


Esta imagen superior mostrando a "San Antonio Abad camino del cielo" y perseguido por cinco monstruos alados que le intentan atrapar para su infierno es del pinto Martín Bernat, realizada a finales del siglo XV para la parroquia de San Miguel Arcángel de Alfajarín (Zaragoza).

Este artista zaragozano trabajó durante años con Bartolomé Bermejo, y luego con Miguel Ximénez. Para obras menores trabajaba solo, para grandes obras de retablos en iglesias aragonesas en donde trabajó mucho, era normal que se asociaran algunos artistas y talleres para realizar las obras en menos tiempo.

No son muchas las obras conservadas de Martín Bernat, y abajo dejo una Crucifixión de los mismos años finales del siglo XV y que se encuentra en el Museo de Arte de San Diego. En los dos casos son óleo sobre tablas.



2.5.22

Natalio Bayo y un Piedad del año 2010


Una obra en sanguina sobre papel del artista aragonés, pintor, dibujante y grabador Natalio Bayo. Una "Piedad" del año 2010 perfectamente tratada y representada con una mirada muy actual.

Oigo a los niños cuando cuentan cosas misteriosas

En una oreja de niño, que me sirve para oír cosas que los adultos nunca se paran a sentir, oigo a los árboles que dicen, a los pájaros que cantan, a los ríos y nubes que pasan.

Oigo también a los niños cuando cuentan cosas, que a una oreja madura parecerían misteriosas.

Gianni Rodari


1.5.22

Khalil El Ghrib y el Arte Efímero que se muere


El artista marroquí Khalil El Ghrib nacido en la ciudad de Asilah nos deja esta obra "Sin título" hecha con cartón, cal e hilo de seda. Khalil El Ghrib se dedicó al dibujo desde su infancia e hizo libremente la elección de crear obras efímeras y pequeñas.

Reconocido en el panorama internacional, no firma ni vende sus obras sino que las dona cada vez que participa en exposiciones individuales o colectivas.
Ha expuesto en Marruecos, Suiza, España, Londres y París, así como en la Bienal de Pontevedra y en el Museo Nacional de Castel Sant'Angelo de Roma en 2008 o en el Museo Reina Sofía de Madrid en el año 2021.

Su estilo de vida al estilo Darwish (ascético) hasta su amor por la poesía árabe clásica y su devoción por el escritor Khalil Gibran han marcado sus trabajos artísticos; comenzando a hacer arte a la edad de siete años con el estímulo de su familia y la ética de su arte y hacer artístico. Su preocupación y defensa de la muerte de las cosas, principalmente de los objetos, es fascinante.

"Si los humanos morimos, ¿no deberían morir también los objetos?"

Khalil El Ghrib se niega, por principio, a vender su obra de arte. Recientemente se jubiló de toda una vida enseñando historia y geografía en una escuela local. Habla de cómo ha vivido, una vida humilde con su familia, cómo desvinculó conscientemente su amor por el arte de los límites de la materialidad.

Trabaja principalmente con materiales empobrecidos que recolecta o 'adopta' en su viaje diario por las costas de su ciudad natal. Aplica intervenciones menores a los objetos efímeros recopilados. 

El resultado son pequeñas esculturas realizadas con pan, cordel, papel rotulado y otros materiales que se exponen al paso del tiempo, la humedad y la oxidación. Obras efímeras que mueren como si fueran flores de Arte.




29.4.22

André Elbaz nos presenta en 184 urnas funerarias, parte de su obra


El artista marroquí André Elbaz nos presenta aquí una obra suya titulada "Las urnas" con 184 urnas funerarias que están llenas de trozos rasgados de pinturas y dibujos del artista, que ha destruido por diversos motivos. Es una demostración de la muerte de todo, también del Arte, de la creatividad, de la sociedad, de la paz, de sus ideas e ideales.

Estas obras las realizó como reacción a los atentados del 11 de septiembre de 2001 en los EEUU, el ataque corrdinado y terrorista entre otros a los emblemas de los EEUU.

¿Qué queda tras la destrucción de lo que considerabas importante, fijo, casi eterno?

26.4.22

¿Qué se esconde debajo de la realidad de lo bonito?


Las técnicas para transmitir ideas son tan variadas que nunca dejamos de sorprendemos. En este caso y dentro del trabajo del marroquí Mustapha Akrim podemos ver un trabajo hecho con un andamio a modo de pared estucada al que han abierto un hueco y le han encolado una fotografía entre el estuco y la pared del fondo. Forma parte de un trabajo que llama "Historias Pluscuamperfectas" hecho entre los años 2018 y 2021.

Son imágenes de guerras, de conflictos contra la personas que enmarcadas dentro de esas roturas y destrozos cobran un dramatismo más remarcado, más duro. La fotografía detrás de un enlucido de pared, pero rota, deja ver que siempre detrás de lo limpio y organizado se esconde el dolor y los dramas que siempre quedan tapados en los conflictos.

Lo más curioso de este trabajo en el que el artista invita a los espectadores a rascar la pared, el estuco de la misma, pues en toda ella hay debajo fotografías que están esperando ser descubiertas. Vemos la verdad que queremos ver los que nos decidimos a rascar lo hermoso, pero que tapa la realidad.

5.000 años de Arte en Jabugo, Huelva


Hace unos 5.000 años al menos, era ya habitual que en las cuevas en donde se vivía se utilizaran ídolos simbólicos como si fueran Dioses a los que adorar. El Arte prehistórico ya existía como existía la religión y ambos muchas veces han ido de la mano. Simbolismo necesario para convencer a la sociedad, y Arte para dar forma a ese simbolismo.

Este ídolo es de una cueva de la localidad de Jabugo en Huelva, hecho en pizarra. Ya se observan técnicas de raspado, de construcción en relieve de los detalles, de una creación simétrica algo tosca y un uso de las imagen de los ojos como elemento casi perturbador. Puede ser un animal, una especie de búho, pero también una personas con máscara o/y con unas vestimentas de rituales, que infundieran poder y diferencia con el resto de las personas que allí vivían.

Estos ídolos no nacen para ser adorados sin intervención de otras personas. Siempre hay alguien entre los habitantes de la cueva y ese supuesto Dios, que ejerce de intermediario, de brujo, de sacerdote, que jugaban con el teatro de los miedos y las creencias.

25.4.22

Ana Mendieta y un dibujo significativo


La cubana y norteamericana Ana Mendieta que desgraciadamente estuvo muy pocos años creando obras de arte, estudió avanzada la mitad del siglo XX Arte en la Universidad de Iowa en donde abraza nuevos lenguajes de expresión en escultura, dibujo, pintura y vídeo abriendo camino a las performance para hablar de problemas sociales, sobre todo de la mujer y la discriminación racial de aquellos años en los EEUU. 

Entre finales de los años 70 y principios de los 80, hasta su fallecimiento en muy extrañas circunstancias, trabaja el Arte Feminista con fotografías, dibujos, arte con tierra o vídeos. Desgraciadamente al fallecer con 37 años es imposible adivinar hacia dónde hubiera seguido su obra y sus caminos abiertos. 

Aurèlia Muñoz y sus obras textiles que llenas espacios


Esta es una obra de las artista catalana Aurèlia Muñoz que de forma escultórica y utilizando cuerdas o telas, juega con las texturas, los espacios, las formas que dominan esos espacios a veces creando tensión para llenar los vacíos. Toda su obra, bien iluminada, crea ambientes de reflexión que son claramente artísticos.

No fue una simple decoradora de espacios como a veces se dijo, sino una artista que creaba obras que llenaban espacios sobre todo en el  siglo XX. 

Una constructora de tapices en tres dimensiones, que con sus volúmenes se escapaban de la pared para llenar incluso habitaciones enteras. 

El Arte Textil, muchas veces poco valorado, es una expresión a la altura de otros materiales, aunque se haya utilizado poco y se considera un material efímero. 

17.4.22

En el techo de los soportales de Bilbao, hay sorpresas


En los soportales que hay enfrente del Mercado de Abastos de Bilbao, del Mercado Central, si miras a los techos de esta zona con soportales te puedes encontrar obras artísticas maravillosas que no siempre observamos, pues hay que levantar la cabeza. El urbanismo nos cobija con Arte Urbano en el Bilbao más turístico de antes, no del de ahora.

Bilbao es una ciudad para perderse, y sobre todo para ir encontrando pequeños lugares escondidos.

Paisaje de Madrid de Salvador Dalí


No es fácil adivinar que esta obra es de Salvador Dalí, es un cuadro de Dalí de joven, de entre 18 y 19 años de edad. Es un cuadro que se escapa de las claras influencias surrealistas de Dalí, entra en el puntillismo y el cubismo, se aleja del figurativismo, y aunque su título nos da algunas pistas —Paisaje de Madrid— y por ello sabemos que es un paisaje, posiblemente desde alguna ventana de la Residencia de Estudiantes en donde pernoctaba, pero escapándose del dibujo que tan bien realizaba y buscando más el color, las formas, los impactos visuales.

Todos los artistas cambias sus técnicas, sus modos, sus temáticas a lo largo de su obra, todos abrazamos algunas formas que vamos olvidando para caer en otras. Aprendemos precisamente de practicar y de elegir.

16.4.22

Alcantarilla en Tokio por Pokemon


Encontrar alcantarillas originales en Japón, en Tokio, es muy sencillo, pero que estén limpias y conserven todos sus colores ya es algo más complejo, y poderlas fotografiar sin gente depende de las calles o barrios. Esta alcantarilla es de Tokio y es un "casi" anuncio de Pokemon. En realidad es mobiliario urbano en el que han utilizado un toque artesanal, casi artístico, para embellecer el suelo.

Desde Tokio, la fotografía es de @b3ndesuka

15.4.22

La importancia del Arte en los niños. Practicar y aprender practicando


Aprender a dibujar y pintar con pocos años es imprescindible para que aprendan psicomotricidad fina y gruesa, para que aprendan de colores, para abrir su imaginación y para que sepan dominar los espacios en blanco de una hoja o la colocación de las formas en ese espacio. 

Casi lo de menos es que aprendan a dibujar bien, pues eso viene de practicar, de exigirse así mismo que algo se parezca a algo, sea real o imaginativo

Un Robot Pintador, declarándonos la Guerra


En los Artes Urbanos diseminados por las ciudades puedes encontrar pequeñas obras, como ninot en dos dimensiones, que te llaman la atención enseguida. Este Robot Pintador, que asemejar ser un Rey del spray es uno de esos. ¿Será un autorretrato? 

Advierte de que viene de una cápsula espacial que es "La Guerra" pero no sucede nada, guerras hay tantas que ya no importan si vienen en amarillo o si son secretas. Como en los cristales de las gafas se reflejan las calles zaragozanas, podemos asegurar que no es un futuro (o presente) distópico e imposible, sino que este Robot Pintador está deseando actuar ahora mismo.

12.4.22

Los 76 días de Susana Blasco


La artista aragonesa Susana Blasco dice de ella misma que es diseñadora gráfica, ilustradora, collagista, afiladora de cuchillas, zaragozana, londinense, bilbaína y cualquier cosa que le apetezca. Amante de piedras, papeles y tijeras. Colecciona fuegos lentos. Le gusta el juego y el vino y tiene alma de marinero.

Sus trabajos fotográficos, claramente surrealistas muy reales, es de admirar y de seguir de cerca, pues en la línea del fotógrafo Chema Madoz, ejerce un punto de vista muy actual y osado.

La obra que vemos se titula "76 días".

11.4.22

Censurar portadas de disco es de idiotas sociales


Esta portada del disco O Zaguer Chilo Vol. 5 ha levantado polémica en Aragón por la retirada de su web por parte del Ayuntamiento de Zaragoza, a instancias de VOX que la considera ofensiva. Vemos a una joven mujer en cuclillas, con el traje aragonés y orinando en la calle. No voy a entrar en el buen o mal gusto de esta obra que he servido para publicitar un nuevo disco con música en aragonés de 20 grupos de Aragón.

En realidad esta portada bebe de otra portada similar del año 2001 que el grupo aragonés Ixo Rai! hizo para su disco "Con el agua al cuello" en donde también se veía a un hombre joven aragonés, orinando agachado. 

Censurar portadas de discos puede ser el inicio de una tontería peligrosa. Si a los posibles compradores o simpatizantes de esta música les desagrada la imagen, el diseño, lo habitual es que como ya son adultos, no quieran comprar el disco. Así que cualquier ocasión de censurar un diseño me parece de idiotas, pues es tratar a la sociedad como a críos de parvulario. 

Puede gustarnos mucho, poco o nada, pero ya somos adultos para decidir qué compramos, qué vemos, y qué nos deben mostrar en el Arte y en los diseños. Estar bajo el yugo de los que mandan, para decirnos qué debemos ver y qué debe estar prohibido, es muy peligroso.

Por cierto, mear, lo que se dice orinar, lo hacemos todos. Incluido el censor.



Pepe Viyuela y su Tartufo, un lujo de Arte Teatral


Volver al teatro como espectador tras unos meses apagado, es volver a la vida, es reencontrarte otra vez con el Arte más vivo, más presencial, una de las formas más antiguas de crear Arte y de vivirlo y compartirlo. Estuve viendo Tartufo de Moliere, interpretado entre otros por Pepe Viyuela, una readaptación del clásico que conserva perfectamente la historia, que se mueve en una modernidad muy bien estructurada, nada aburrida, y aunque mantiene el verso en sus textos clásicos, sabe jugar con los espectadores y llevarnos a su punto de vista actualizado.

El trabajo de Pepe Viyuela es muy bueno, alejado de histrionismos, el de María Rivera es —dentro de su papel menor— un trabajo muy bueno, dentro de una decoración muy bien elegida con algunos pequeños defectos en el sonido, sin ninguna importancia.

Quiero destacar una pregunta con su respuesta de la obra de ayer por su contenido básico en la obra y en lo que representamos todos en esta vida. La respuesta no es del todo correcta por su tamaño, pero posiblemente lo es por su clave.

—¿Pero quién es Tartufo realmente?

—Tartufo somos todos.




10.4.22

Alejandro Monge y sus dineros de verdad


Hace ya una década que descubrí a Alejandro Monge en una exposición de pintura, de un cuadro retrato en concreto, que me señalo su gran arte y capacidad para encontrar miradas y transmitirlas al espectador. Poco a poco he ido describiendo su faceta de escultor y pintor, por separado o mezcladas ambas técnicas de creación, y este aragonés ya internacional sabe jugar con sus miradas y con las muestras, para provocar. Y que cada uno se provoque con lo que quiera.

Este buen montón de dinero real, no sirve para comprar nada que no sean sensaciones. Es dinero real pero no es de papel. Pero nadie dijo que el dinero tenía que ser de papel, de hecho ahora ya nos pagan y pagamos a golpe de "clic" y a todos nos parece maravilloso. 

Es dinero real porque nos lo creemos, sabemos que estamos viendo dinero, pintado pero dinero, pues nadie ha visto nunca tanto junto, excepto en este caso de dinero de verdad. Todo es de verdad en la vida, incluso todo a veces puede parecernos de mentira. Eso depende del momento, de la situación, de las ganas que tengamos en dejarnos engañar. 

Y sí, el Arte está para engañarnos, pero para engañarnos y provocarnos positivamente. 

Un barco de hotel, decorando la vida


Hay una gran extensión del Arte sencillo, del que no aspira a pasar a la fama sino a ser agradable, sencillo, arte casi decorativo que es también una manera de alegrar las vidas urbanas o de estancias en donde hay que estar mucho tiempo.

Son detalles con miradas originales como este cuadro acuarela de una marina puesto en una habitación de hotel. Este espacio puede ser una gran sala de tranquilidad, y es seguro que esta obra es mirada por más segundos de los que le dedicamos a cualquier obra famoso en una visita a un Museo de nombre conocido.

Es un ejemplo de la relatividad de los objetos y de las decisiones que tomamos sobre ellos. 

8.4.22

Hay que aprovechar las tardes de café y las noches locas


Desde el año 1996 el grupo musical La Fuga de Reinosa (Cantabria) van desgranando música y textos para en sus más de 500 conciertos a sus espaldas en una decena de giras y con nueve discos publicados regalan rock and roll y sensación de tener que seguir vivos a costa de lo que sea. 

Este texto lo pillé en un bar zaragozano, y nos habla utilizando una letra de La Fuga, de eso, de aprovechar las tardes de café y las noches locas. Eso es vivir y vivir mejor de lo que abunda por el mundo actual, duro y casi distópico.

Flores del maíz, de la artista Despa Hondros


Esta obra realizada por la artista australiana Despa Hondros se titula "Acianos" o "Flores del maíz" y realizado en 2021 es un dibujo hecho con grafito y lápices de colores en un tamaño algo menor al A3.

La obra de Despa Hondros refleja los bloques de construcción de los fenómenos naturales, utilizando formas elementales. Sus dibujos invitan al espectador a reflexionar sobre la variación ilimitada que existe en estructuras naturales y originales aparentemente idénticas tanto a nivel micro como macro.

Su deseo obsesivo de representar esta sutil variación, produce obras que atraen al espectador a examinar más de cerca el dibujo y ser recompensado con la complejidad y el intenso detalle de la imagen.

Hondros ha mostrado sus obras en una serie de exposiciones en Australia, incluyendo Brightspace Gallery, Victoria, Long Gallery, Hobart, Tasmania, Adelaide Perry Gallery, NSW, Mornington Regional Gallery, Victoria, 45 Downstairs Gallery, Melbourne y Flinders Lane Gallery, Melbourne, entre otras. 

También fue finalista de una serie de premios de arte, incluido el Premio de Arte de Ciencias Naturales Waterhouse 2014, Australia Meridional y el Premio Hutchins 2015, Hobart, Tasmania.

7.4.22

Pablo Picasso y un dibujo de un preso de Auschwitz


Pablo Picasso
asistió al Congreso de Intelectuales en Defensa de la Paz en el año 1948 en Bratislava para conocer de primera mano los desastres, las barbaridades de los campos de exterminio de Alemania en la II Guerra Mundial. Aquellos días visito el campo de exterminio de Auschwitz y siete años después creo un dibujo de un preso para un cartel que iba destinado a conmemorar el décimo aniversario de la liberación del campo.

Esta es una litografía del año 1955 que se conserva en el Museo del campo de exterminio de Auschwitz Birkenau.

Abraham Walkowitz e Isadora Duncan en una misma obra


Este expresivo dibujo lo realizó el siberiano ruso americano Abraham Walkowitz en el año 1906, y representa a la bailarina Isadora Duncan. Una bailarina que revolucionó las formas de moverse en el escenario, mezcla de baile y gimnasia que por aquellos años no se conocía ni practicaba. Era danzar con la vida, moverse a ritmo muy rápido, que posteriormente se ha ido copiando, pero de los que Isadora fue precursora.

Abraham Walkowitz fue pintor y dibujante, modernista y abstracto, y tuvo que emigrar muy joven a los EEUU desde Rusia por motivos religiosos de su familia, en donde estudió en New York

Abraham Walkowitz dijo de Isadora Duncan: "Ella no tenía leyes. No bailaba de acuerdo con las reglas. Ella creó. Su cuerpo era música"

Se conocen unos 5.000 dibujos de la bailarina Isadora Duncan, realizados por Walkowitz, a quien conoció en el estudio de Auguste Rodin en París en 1906.

En 1909 comenzó a hacer aguafuertes y durante la siguiente década produjo numerosos monotipos, a menudo eligiendo como tema los edificios de la ciudad de Nueva York y las vistas al río. También exploró el tema de la ciudad de Nueva York en dibujos al carboncillo.


6.4.22

¿A veces hay que dosificar la libertad individual?


Pocas veces ponemos detalles literarios, pequeñas luces y frases de algunas obras poco conocidas. Esta es del autor Oliverio Constante, de su relato corto "Un alto en el vacío" publicado por la Comisión de Mujeres del Picarral de Zaragoza en el año 2002.

¿A veces hay que dosificar la libertad individual? Bueno, nos lo podemos preguntar, y en otro momento todos nosotros respondernos.

Luis Gordillo y la distancia y el color


Entrevistaba en El País al artista Luis Gordillo y comenzaban con estas dos preguntas.:

P. ¿A cuántos metros hay que mirar sus cuadros?

R. A distancia, seis metros. Yo me alejo de ellos para pintarlos.

P. ¿Así que se pinta con el ojo, no con la mano?

R. Efectivamente. Sirve para acertar con el color. Yo soy muy anticuado en eso. Puedo tardar mucho tiempo en fabricar un tono. Yo en los setenta partía de dibujos, hoy eso no tiene nada que ver con lo que hago ahora. Antes de empezar un cuadro tengo montones de imágenes en mi cabeza. O alrededor: fotografías, recortes de prensa. Todo ese material se convierte en un collage y de ahí proyecto algo.

Ambos temas me parecen interesantes, diferentes, pero que llegan al núcleo del Arte. La "distancia" y el "color". ¿Cómo crear un color en la distancia, para ver en la distancia, rodeado de otros colores que le influyen? Ningún color es como se crea, sino como lo vemos, influido por el resto, por la luz, por los contrastes, por sus formas. Es poco diferencia, pero se agranda cuando nos alejamos, cuando tomamos conciencia del espacio entre nosotros y esa mancha de color.

Arriba podemos ver un grabado de Luis Gordillo titulado "Alucinado".

Los pájaros muertos, de Pablo Picasso


Esta obra de Pablo Picasso se titula "Los pájaros muertos" y fue pintada en el año 1912 en óleo sobre lienzo. Un clásico bodegón cubista de Picasso de color apagado en donde muestra diversos objetos desde una perspectiva frontal y única, sin relieves en un espacio casi plano lleno de formas geométricas. Se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid.



5.4.22

Un árbol con 24 años encima de mis huesos


A lo largo de la vida de cualquier personas que nos podemos dedicar al Arte desde diferente perspectivas, hay cambios de tendencias, de modos, de técnicas. En mi caso desde una pintura más figurativa, bodegones o no, me escapé hacia un surrealismo de doble mirada, casi poético, para luego irme hacia este expresionismo que casi es con el que acabé mi periodo de pintura, con algunos intentos de crear texturas con formas, antes de volver a caer prendido de la fotografía con la que comencé hace más de 50 años. Una barbaridad. Simples aficiones.

No está claro qué nos mueve a los pintores, a los creadores, a cerrar etapas y abrir otras. Posiblemente cada uno de nosotros tendremos unas motivaciones. La fecha de cada cambio es posiblemente un indicativo interesante para descubrir motivos. Pero creo que en el fondo, sea fotografía o pintura surrealista, se sigue hablando de las mismas cosas, o al menos el autor cree hablar de las mismas cosas, creemos estar expresándonos igual, con el consiguiente peso de los años.

Ilustración infantil del zaragozano Edu Flores


La ilustración de cuentos infantiles es un Arte de diseño y de creación, no del todo valorado. Hay que ser sinceros en esto. Como tampoco lo es todavía ni el clásico tebeo o las historias ilustradas para adultos. Ni quiere ser reconocido como literatura con mayúsculas, ni como arte pictórico o visual. Aunque cada vez más, se valora la calidad de muchos de los trabajos que se van presentando al mercado en todos los modos posibles.

Esta ilustración es del cuento infantil "Diaño de Alagón" una publicación animada desde el propio Ayuntamiento de Alagón y desde el Centro de Estudios e Investigaciones de Alagón, que con dibujos de Edu Flores y textos de Daniel Sancet Cueto han logrado un producto muy interesante, para niños y amigos de los niños.

El zaragozano Edu Flores es un ilustrador curtido en muchos trabajos de dibujo para libros infantiles con algunos premios en China, los EEUU e Italia. 

¿Activos y libres? ¿Y además dejarnos llevar?


No tenemos nada claro qué nos puede suceder si nos pudiéramos meter fisicamente dentro de un libro, si nos sintiéramos envueltos por las páginas, por los párrafos, si a nuestro alrededor tuviéramos todo el texto del mundo, casi imposible de leer. ¿Por dónde empezamos?

El Arte y las instituciones que creen en él como vehículo de transmisión, deben plantear a la sociedad cualquier escenario. Y que luego esa sociedad en forma de espectadores, elijan, decidan, seleccionen. 

Las personas debemos ser activas para dejarnos llevar. Algo que parece una dicotomía. ¿Activos y libres? ¿Y además dejarnos llevar?

Y para que eso suceda nuestra libertad debe estar constituida por la libertad de elección. 

Y para ello debemos tener diversas opciones de elección. 

Se puede ser libre, dejándonos llevar…, si antes hemos podido elegir libremente de quién nos quedemos dejar acompañar. 

Y eso puede, debe, ser el Arte. 

Múltiples opciones, que se impliquen y nos impliquen para que decidamos si quieres elegir una, que te ofrezcan diversas posibilidades de elección y de cambio según tú vayan cambiando. O que incluso te den la opción de no elegir ninguna.