30.11.22

Ilustradores de Artes Gráficas. Otros olvidados


Las Artes Gráficas son las grandes olvidadas dentro de las Artes, y eso que no llevan por casualidad en su nombre el de Artes, pues además de ser varias Artes, sin ninguna duda contienen una gran parte de creatividad, aunque a veces queramos confundirlas con las Artesanías o con los Oficios Artísticos, como para orillarlas y minusvalorarlas.

Dentro de los profesionales de las Artes Gráficas hay un gran número de Artistas de todas las especialidades, o lo que sería muy similar, muchos de los Artistas de todo tipo son conocedores de las Artes Gráficas o incluso han trabajado dentro de las Artes Gráficas.

El olvido de las Artes Gráficas se detecta claramente en el número de museos que tiene esta actividad mezcla de industrial y artística, o por ejemplo en el número de ejemplares de sus trabajos que figuran colgados en museos contemporáneos. 

Y eso que en los últimos años el Reina Sofía ha trabajado bastante las impresiones, sobre todo desde el Este de Europa.

Y a eso hay que añadir que muchas de las muestras de Arte Gráfico, por su particular manera de quedar reflejadas, se están perdiendo poco a poco. De algunas de ellas se conservan los originales de los Artistas que realizaron las ilustraciones, pero en muchos otros casos no, pues se iban perdiendo con el tiempo.

Durante muchos años las ilustraciones originales, una vez que cumplían su misión de servir para la reproducción, se abandonaban como arte menor, y se perdían. 

Hoy nos quedan sus impresos, pero poco a poco se están perdiendo al ser impresos sobre papel de mala calidad, sobre todo en las décadas peores del siglo XX.

Este impreso que vemos es de 1930, de una portada de un libro titulado "Las visitas de Isabel" de la Biblioteca Sopena. Creo que el autor fue un tal C. Murtra, pero sin total seguridad. 

Que esa es otra. Hay muy poco conocimiento del trabajo de diseñadores o ilustradores que durante décadas sirvieron como creadores de contenido publicitario o editorial, y que no eran valorados como se merecían. 


29.11.22

Grabado de Agustina de Aragón del año 1895


Este grabado tipográfico es de 1895, uno de los varios que contienen el libro "Los guerrilleros de 1808" de Enrique Rodriguez Solís del que se hicieron diversas ediciones en un solo tomo o en tapa blanda dividido en tres tomos. 

Estas láminas están en muy malas condiciones pues las tintas no eran de buena calidad, el papel lo era peor, y lo que está sucediendo es que la tinta va saltando poco a poco del papel, a trozos que van perdiendo la impresión. 

En esta vemos a Agustina de Aragón con el cañón en el Portillo zaragozano, en una mirada clásica de esta escena. En el suelo ya caído, está su novio teniente, que según las historias, dejó paso a que fuera Agustina quien se hiciera cargo del cañón.

Del autor de los dibujos del libro solo conocemos el nombre de Marco.


Lalo Cruces y el surrealismo de su Tubafante


Con la suavidad dura del artista aragonés Lalo Cruces os dejo un "Tubafante", un acrílico sobre lienzo que realizó en el año 2017. Un surrealismo curioso en donde mezcla la corpulencia de un elefante, la rotundidad de una tuba y el contrapunto de un pequeño cuervo que observa en dirección contraria a los otros dos elementos.



28.11.22

Yoko Ono y parte de Hichiko Happo


Esta es parte de una obra de Yoko Ono, la que fue esposa de John Lennon, hecha en el año 2014 y titulada Hichiko Happo. 

Yoko Ono es una artista clave del Arte Conceptual y esta obra se componía de nueva lienzos con tinta sumi sobre los que escribió "Hichiko Happo" que se traduciría en "Siete alegrías y ocho tesoros" para finalizar con "Paz" en un ejercicio de tinta simulando en sus trazos a un haiky japonés dentro de la pintura de acción y de gesto.

En la imagen vemos el segundo, tercero y cuarto de sus nueve lienzos, que pudimos contemplar todos ellos en Bilbao hace unos pocos años.



27.11.22

Art Brut del Taller "Andar de Nones" de Zaragoza


Esta es una obra de una artista que se llama María Pilar Rey. Es Art Brut, que no es ni Arte Naif, ni Arte Infantil, ni Arte Bruto. Aunque puede ser todas esas cosas. E incluso ninguna.

La obra se titula "Autorretrato" y está realizada por una persona adulta, sin formación artística extensiva, pero con una imaginación tremenda para crear o para sacar desde dentro sus ideas, sus formas de ver el mundo.

El llamado Art Brut viene más bien de Arte en Bruto. Arte sin Pulir, como si sus obras fueran gritos mezclados con las necesidades humanas de expresarse, sin tener una escuela suficiente detrás de tus herramientas de expresión.

En este caso esta que vemos arriba es una muestra del trabajo del taller "Andar de Nones" de Zaragoza, con personas que tienen alguna diversidad psíquica y unas ganas tremendas de sacar sus ideas y sus talentos artísticos, para mostrarlos a quien desee verlos.

La soberana del Campo de Oro, de Manuel Picolo


Si antes os he presentado una ilustración de 1948, ahora voy un poco más atrás, hasta el año 1905 para mostrar la portada del libro La Soberana del Campo de Oro (italiano: La Sovrana del Campo d'Oro) de Emilio Salgari

La ilustración y portada del libro es obra del artista murciano Manuel Picolo y López. Los techos del salón de baile del Casino de Murcia son obra de este artista.

Ilustración de Pedro Clapera para la revista Lecturas


Esta ilustración del catalán Pedro Clapera del año 1948 para la revista Lecturas, es un clásico ejemplo del tipo de dibujos artísticos e ilustrativos que se hacían en aquellos años. Dibujos que tenían la dificultad del tipo de impresión al que luego tenían que ser sometidos, en este caso en la empresa HYMSA de Barcelona, ilustraciones que acompañaban relatos de libros, de revistas que entonces como en el caso de Lecturas, eran publicaciones dedicadas al mundo del Arte y la Literatura.

Obra derivada u obra plagiada


De alguna manera todos los que hacemos algo de Arte estamos pendientes de una resolución judicial que saldrá a primero del año 2023 sobre las obras derivadas, equiparándolas a obras copiadas y que no se pueden hacer. 

Todo surge de una demanda con muchos años encima sobre una obra derivada de Andy Warhol, un posible plagio o no de una obra de Warhol mostrando al cantante Price de una fotografía original de Lynn Goldsmith, pero totalmente reinterpretada.

De prosperar la demanda, de considerar ilegal esa obra de Andy Warhol que se basa en una fotografía de Lynn Goldsmith podríamos llegar a entender que esta otra obra que vemos arriba, una pintura callejera simulando los Fusilamientos del 3 de mayo de Francisco de Goya, también sería una obra plagiada.

Las ideas no pueden ser propiedad intelectual de nadie, excepto que sean claramente copiadas. Todos copiamos para evolucionar, y es posible que llevemos miles de años haciendo eso para que la civilización vaya prosperando. Creamos a través de la modificación de algo creado con anterioridad. Sea Arte o sea lo que sea. 

Una motocicleta es la evolución de una bicicleta, un coche la evolución a motor de un carro, etc. Pero definitivamente serán los juzgados y los abogados los que sepan dictaminar si en Europa los límites de la copia y el plagio, son unos u otros.

21.11.22

Las tentaciones de San Antonio. Torturas y miedos


A principios del siglo XVI no era sencillo imaginarse el Infierno, los Pecados, las Tentaciones que como humanos podíamos tener y que nos llevarían a un lugar que no se sabía explicar bien para meter el mayor de los miedos.

Aí que el pintor alemán Matthias Grünewald (Mathias Gothardt Neithartdt) imaginó en su obra The Temptation of Saint Anthony realizado entre 1512 y 1515 una serie de tormentos, sufrimientos, rarezas, lugares imposibles, para convencer a los ciudadanos que ser "malos" y pecar, tendría consecuencias tremendas en el futuro.

La obra, de la que vemos un detalle, es sin duda un dechado de imaginación tremenda. Las tentaciones de San Antonio es la escena representada en un panel lateral del Retablo de Isemheim cuando está totalmente abierto. 

Diablos, monstruos, enfermos, figuras aladas imposibles, torturas, escenas de dolor y miedo que intentan atacar a San Antonio, tumbado en el suelo, asustado y arrastrado por los pelos.

Una obra de casi tres metros de altura de inicios del siglo XVI para convencer de que pecar es una mala idea. ¡¡Uff!! La obra está pintada sobre madera de tilo al óleo y al temple. Se encuentra en el Museo Unterlinden de la ciudad de Colmar en Francia.

Los Zapatistas del artista Alfredo Ramos Martínez


Desde México, de la mano del artista de Monterrey ya fallecido, Alfredo Ramos Martínez dejo una obra titulada Zapatistas del año 1932, propiedad de la Collection SFMOMA. Un óleo sobre lienzo de algo más de un metro de altura.

Arte americano e histórico, que nos muestra que no solo en Europa se crearon técnicas narrativas en pintura a principios del siglo XX.

20.11.22

Botellas verdes de CocaCola de Andy Warhol


El Arte Pop o el Art Pop lo hemos ido abrazando en Europa como casi un modelo de técnicas artísticas novedosas, que durante unos años marcó las trayectorias artísticas y modernas, cuando en realidad era la suma de técnicas comerciales y políticas para hacer crecer la cultura americana en Europa y demostrar que ellos también eran capaces de "inventar" tendencias artísticas además de Europa.

Somos de alguna manera unos "ombliguistas" y nos olvidamos siempre de la importancia del Arte Africano, Asiático o Iberoamericano a la hora de valorar tendencias y escuelas artísticas, pero esa es otra.

Esta obra de mas de dos metros de altura es un clásico anuncio aunque a su vez sea una obra de Andy Warhol que se encuentra en el Museo Whitney de Arte Americano en New York

Hecha en el año 1962 forma parte del Pop Art mas reconocido, dentro de esas obras de elementos repetitivos, en este caso una botella verde, que por procesos de serigrafía se multiplicaban en filas por encima de el logotipo para afianzar el conjunto.

Parte de esta obra se hizo a mano, posiblemente retocando los trazos negros del dibujo de las botellas, logrando con ello un efecto de trabajo manual y no mecánico. 

Posiblemente también se puede adivinar que se estamparon las manchas verdes una a una sobre el lienzo, y posteriormente y de forma manual, uno a uno los dibujos negros de las botellas logrando que no siempre ajusten bien los colores, y retocando después el resultado obtenido.



El mundo en donde aprendí a flotar sobre el aire


En cuando decidí que ya quería ponerme a volar por mí mismo, lo primero que tuve que hacer es aprender a flotar. No es posible navegar por el aire si antes no dominas muy bien tu propio cuerpo sobre el aire. O mejor dicho, sobre los aires, pues los hay de muy diversa fuerza, dirección y mala traición. Los vientos que vienen por detrás son los que menos dominas, los que me te zarandean sin poderlos controlar bien, excepto que ya seas un gran profesional de volar por tu cuenta.

Quien se precie de querer viajar por los aires, debe saber que nada es cómodo si no te acompañas de tu propia zona hogareña, pues al contrario de las aves tradicionales, los seres humanos cuando volamos necesitamos estar más tiempo quietos que ellas, tenemos que acompañarnos de una zona de propiedad que ahora han decidido llamar Zona de Confort, para darle importancia. Antiguamente lo llamábamos cueva.

Me llevé lo imprescindible, quería intentar el vuelo sin mucha carga vieja, sin añadidos que me recordaran en exceso mi temporada de suelo quieto, de lugar fijo, de sedentarismo viejuno. Así que recogí mis árboles preferidos, mis animales de compañía a los que antes ya había ido enseñando a volar aunque no todos tuvieran alas, algo de tierra de labor para plantar acelgas y tomates, y un buen número de ventanas.

No se puede viajar por el mundo si no te rodeas de buenas ventanas abiertas para mirar y para dejar que entre lo novedoso. Ventanas con cristales, con cartones traslúcidos, ventanas que no se puedan abrir y ventanas que ya sean desde el principio huecos abiertos de par en par, para que los aires nos invadan con sus olores. 

Un mundo sin ventanas es un mundo cerrado a la contemplación, y si decides volar debes entender que lo fundamental es dejarte llevar por los aires, por los tiempos y por las miradas de todo tipo que puedas ir recogiendo en tus paseos. Aprender a guardar miradas es otro ejercicio imprescindibles que debemos aprender antes de lanzarnos a volar.

NOTA.: Este podría ser el inicio de un relato mayor, tal y como explicaba en esta otra entrada.

Una obra de Inteligencia Artificial que no dice nada


La imagen de arriba está hecha de forma automática por Inteligencia Artificial. Una ilustración realizada por una máquina con arreglo a unas órdenes que yo le he dado. Es de mi propiedad pues soy yo quien ha dado las órdenes por escrito a una máquina, para que la construya. 

¿Pero de verdad es de mi Propiedad Intelectual?

Nadie puede volverla a realizar (creo) pues nadie sabe bien qué órdenes le he dado a la máquina. E incluso si yo mismo le doy esas mismas órdenes cinco minutos después, de forma aleatoria me crea una ilustración diferente. 

Creeremos que con tener el programa y la máquina, ya es suficiente para creerse artista. Es la misma idea o concepto que cuando vemos una obra de Miró y decimos tontamente que un niño de 8 años las puede hacer.

También un niño de 8 años o un adulto de 63 años pueden hablar y no son por eso capaces de articular un discurso intelectual como Einstein o como un médico cirujano sobre la importancia de la laparoscopia en la recuperación del enfermo.

La IA es una herramienta más, solo un modo de lograr algo, como antes lo podía ser una técnica aprendida y el uso de un lápiz de color. A partir de aquí hay que saber qué queremos decir con esto.

Cada día mas se tendrá que unir el Arte básico a otros modos de Arte para crear sinergias y compañías.  Ya lo hace o incluso lo ha hecho siempre. 

Es imposible entender la danza sin una música, la literatura sin fotografías visuales que tenemos que ir creando mientras leemos, o un cuadro sin una historia detrás. Es imposible entender el teatro sin una iluminación elegida y un sonido diseñado para crear efectos.

Lo que si va a suceder es que cambiará la mercantilización del Arte. perderá esos valores multimillonarios y absurdos, excepto para obras que realmente tengan algo dentro que las haga únicas. 

En la siguiente entrada os voy a poner esta misma imagen, pero sin explicación teórica sobre la IA y con el acompañamiento de un pequeño relato. Veremos qué se logra con eso.

Nota.: Imagen creada por Miguel Puente y retocada por Julio Puente

El Arte y la Inteligencia Artificial, a la hora de crear obras nuevas


Esta obra podría parecer que es del letón y norteamericano Mark Rothko pero hay varias cosas que la diferencian. La principal es que no es de él, no está firmada por él sino por mi. No es una falsificación ni una copia, no vale nada, no tiene valor ni precio. 

No está pintada al óleo sino es una imagen digital. No tiene 3 metros de altura sino unos centímetros escasos. Sus colores son extraños, el verde no era de los habituales del pintor abstracto.

En realidad es una obra de Inteligencia Artificial ordenada por mi. Le he dicho a un programa de IA que me hiciera una obra que se pareciera a las que pintaba Mark Rothko pero en tonos verdes, y el programa me ha creado esto.

Una vez que la IA es capaz de obedecer a las órdenes de un ser humano y ponerse a trabajar, a crear, con arreglo a los parámetros que ya tiene asignados en sus memorias, el siguiente paso es dotarla de Inteligencia Artificial pero con capacidad de tomar iniciativa, y la siguiente sería dotarla también de Inteligencia Emocional.

La IA en el Arte —pero a su vez en todo lo que podamos imaginar— ya es capaz de tomar decisiones con arreglo a lo que observa. Si yo la programo para que cuando suceda algo, responda de una manera determinada, la IA lo hace sin dudar.

Es lo que por ejemplo ha hecho con este ejercicio. Cuando recibe la orden de hacer algo como Mark Rothko pero en tonos verdes, no se lo piensa, obedece. 

Si le digo que cuando detecte que 200 personas entre un millón de consumos o de transacciones entre 500.000 consumidores, me tiene que avisar para subir los precios, la IA lo hace sin problemas. Pero si solo detecta 198 no hace nada.

A partir de lo que vayamos imaginando, la IA es capaz de obedecer, simplemente si la sabemos programar para ello. Sería capaz de pintarme esta obrita en un lienzo de tres metros de altura, en óleo o en acrílicos, imitando los trazos y brochazos del artista original, e incluso darle una patina de betún de Judea diluido para simular unos años de antigüedad.

Incluso podría mientras la crea, ir elaborando una lista de posibles compradores e incluso el precio al que se podría vender el cuadro, con arreglo al poder económico de los posibles compradores. Y firmar la obra con el nombre del comprador, de Mark Rothko o de un marchante falso de Indonesia, según le plazca al que la está fabricando con ordenes de IA.




19.11.22

Las 20 Artes posibles, para disfrutar con ellas


No es sencillo enumerar todas las Artes actuales, y mucho más ponerlas en orden de no se sabe bien qué criterio. En los últimos tiempos han ido creciendo nuevas Artes con nuevas tecnologías o con Bellas Artes transformadas y ampliadas. 

Incluso algunas de las Artes que a continuación señalo, se mezclan y se difuminan entre ellas. ¿Qué es el Circo sino Teatro, pero a su vez puede ser también Literatura o Música. El Cómic es Dibujo y a su vez Literatura y Diseño.

Arquitectura y Urbanismo

Escultura

Pintura y Arte Conceptual

Arte Urbano o Art Street

Dibujo y Grabado

Música con o sin Literatura

Danza, Teatro y Artes Escénicas

Poesía y Poesía Visual

Literatura y Libros de Artista

Cine y Televisión

Fotografía

Publicidad y Diseño Gráfico e Industrial

Cómic

Gastronomía

Videojuegos y Arte Digital

Tatuaje

Origami

Moda 

Vidrio y Joyería

Ebanistería y Cerámica

Las opciones que todos tenemos para vivir con y dentro del Arte son inmensas, y es cierto, algunas están manipuladas por procesos de mercado, de interés diverso, etc. pero todas ellas sirven para disfrutar ejerciéndolas, cada una para cada uno, y todas son maravillosas para la contemplación y el disfrute.

Algunas de ellas podemos dudar de si es Artesanía o Arte, cuando estos dos conceptos hoy están totalmente fundidos y es casi imposible separarlos, excepto en cada caso concreto. 

Si consideramos que la Artesanía es cuando el Arte se construye en serie y no como un ejemplar único, la serigrafía o el grabado dejarían de ser Arte, pero también la moda, la joyería, la fotografía y la gastronomía. Incluso ciertos campos de la música o del tatuaje, de la pintura o del Arte Digital.





Proyecto Musicoesía en Zaragoza


Musicoesía

La poesía es palabra

La música son sonidos

Unir ambas especialidades artísticas es formar un equipo muy variados de opciones

La palabra de Raquel Salas Aguilera y Laura Puente Ajovín

La música compuesta expresamente para acompañar los textos de Pau Cansado

El sótano de la libreria La Pantera Rosa de Zaragoza envolvió el Proyecto Musicoesía


18.11.22

Momiji en Aragón 2022 - Arces y crisantemos


Excelente exposición la que tuve ocasión de disfrutar en el Museo de Zaragoza al final de octubre, combinando la misma sabiamente los fondos de la Fundación Torralba de ukiyo-e, pintura flotante o grabado japonés para entendernos que tanto influyó en la cartelería art-déco europea y española, con una exhibición de bonsáis en cambio de hoja en el caso de los caducifolios, tambor japonés y un puntito de flor escultórica en ikebana, introducida y creada por las manos delicadas de la incomparable japo-aragonesa Sonoko Inoue.

La exposición pictórica porta el acertadísimo título “Arces y crisantemos”, la segunda la flor imperial japonesa y aborda un viaje a través de grabados de tres siglos que tienen como eje la caída de la hoja, momiji en japonés, y su delicada contemplación, símbolo del final de la vida y su renovación con la floración.

En algunas ocasiones he recordado que contra la pasión occidental por vivir cada momento como si fuera último, la tradición y filosofía orientales navegan la existencia desde la contemplación e iluminación. De forma sosegada y, eso sí, cribando la mirada hacia lo natural como algo a enaltecer como verdaderamente único pero no por estático, sino precisamente por cambiante e irregular, por insólito y amenazante con gotas de felicidad.

La asociación de bonsái zaragozana ha interiorizado esta calidad, refinada hasta sus últimas consecuencias por la condición insular de Japón –como Gran Bretaña lo ha venido haciendo con determinados diseños cerámicos o industriales con la europea-, y presentó una galería de árboles especiales, plantados en maceta significa la etimología del vocablo japonés pero las mismas y podas obedecen a escuelas o sectas para bien distintas.

No es una colección de bonsáis un bestiario de árboles que se manipulan o retuercen a costa de su bienestar vegetal, sino una galería de pequeños dioses frágiles que condensan en breve espacio una visión completa del bosque o país al que trasladan. Porque, al revés que afirmamos en occidente, quien puede porque sabe mirar lo general, lo más, es posible que sepa traducirlo poéticamente en lo menos.

Muchos conocidos me preguntaron acerca de por qué no se mantuvo más que por espacio de una semana la exposición referida. Es fácil de contestar, precisamente por la condición de milagro representativo del resultado, no se pueden sacar a los árboles sin que se resientan de su hábitat por periodos prolongados.

Ejemplares de especies japonesas como arces, que tan complicada tienen la adaptación a Aragón por falta de humedad, convivieron con otras opciones en forma de garnachas, oliveras o higueras autóctonas, bellísimas, llevadas a su límite radicular que tiende a horadar para buscar agua a mucha profundidad. De manera que ni siquiera este aciago ejercicio de lluvias ha impedido aceptables producciones de garnacha.

También se disfrutó de ejemplares de hayas, tejos o abetos aragoneses adaptados, de los raros y escasos bosques de alta montaña atlánticos o alpinos que se han vuelto destino otoñal masivo.

Aragón cuenta con especies botánicas únicas en Europa pero no sé yo si lo celebra bien, no digamos como en Japón. Asociaciones montañeras sí pasean por el Bosque de la Pardina del Señor de Sarvisé, van a ver el mosaico multicolor de subida a Respomuso, emociona el aspecto japonés del Balneario de Panticosa, boletaires hay que se solazan en Oza o en Gamueta… Qué decir de la constante afluencia a Ordesa o Bujaruelo…

Pero estos lugares ya no escondidos no son sino una puta de iceberg.

El parque de Huesca, el botánico de Zaragoza, el congosto de Purroy y hondonada de Sabiñán en el Jalón, los bosques de ribera de Alcañiz y de los ríos de Teruel, las choperas del Cinca de Monzón o Fraga, la caída de hojas de los cerezos, las garnachas en Borja o Campo de Cariñena… presentan innumerables escenarios en que parar vuestro año y celebrar, por qué no, el día corto pero dulce.

Podéis acercaros hasta Fabara a disfrutar del mauseleo romano entre apergaminadas hojas de amarillo cadmio de melocotonero, ir al Alto Alfambra o cuenca de Pancrudo a solazaros con los chopos cabeceros o, si media accidente que os impida andar como en mi caso, visitar las higueras o rieles de castaños de indias cercanos en la Margen Izquierda de Zaragoza. Los ginkos de la calle Capitán Portolés, de un dorado imperial. El plátano o acacia al que de vuestro balcón como en pandemia.

No estoy de acuerdo con un de los tíos que mejor me caen, a mí no me sobra ni todo el mundo ni mucho menos todo el mundo vegetal.

Qué añadir sobre Japón que no haya compartido en otras ocasiones. Que en los años 90 fue protagonista de todas las burbujas que asolaron con posterioridad a Europa y a su California sin desarrollo en IT, que es España. Que su economía pasó de la cerámica y artesanía, del crisantemo, a los procesadores, tarjetas de sonido y juegos de Atari, en viaje monotsukuri al microchip pero sin perder el concepto de diseño “kawaii”, que lo eficiente sea mono, emocionante pero canónico como la música de Sakamoto.

Lo veremos aquí, no cuentan ya con manos artesanas y han tenido que incorporar jubilados que sepan lo que es montar pieza por pieza un motor Honda o Yamaha de barca por exceso de ingenieros de programación.

País con bicefalia, que no reproduce la guerra solapada Madrid-Barcelona, Tokyo gravita sobre mantener su posición de capital tecnológica mundial pero Kyoto preservó la ceremonia del té, la arquitectura tradicional japonesa, las maiko y la cocina kaiseki donde los platos se acompañan de un crisantemo o un brote o un fruto que exprese la temporada del año. Los restaurantes se traspasan con un fondo de comercio del que forma parte la pureza del agua de sus pozos como base del hervido siempre sin cloro del arroz para sushi.

Es Kyoto no afectada por los bombardeos ordenados por McArthur masivos la que ha mantenido y hoy sigue todas las técnicas y artes que subyugan y epatan a Occidente. Los jardines de piedra que con canales rastrillados y piedras reproducen la visión del mar de Seto en textos literarios o poemas; los vegetales delicados con casas de té y principal de paneles en que se combinan agua, cedros y faldas de cerezos, bellos en primavera y otoño.

Ciudad que alimenta a los productores de máscaras o pinceles, patrimonios vivientes de Japón a los que se les financia para que cierto artesanado nunca muera; los maestros y maestras principales de las técnicas del bunraku, noh, bonsái, ikebana, kendo, caligrafía y tantas disciplinas con código común de concentración para un perfecto acabado (kata: forma), a las que nos hemos felizmente familiarizado.

Son los bosques que la rodean, repletos de monasterios, los que se visitan en otoño no por deporte, sino como manifestaciones de una divinidad cotidiana. No es ese el concepto que se tiene en Ibdes delante de una vid o en Torralba de Ribota de un cerezo, sino como árboles dadores de frutos y sabor, limitados a un solo de nuestros cinco sentidos.

Paladeamos el mosto de garnacha, sin escuchar cómo suena su amplia hoja chocando con las otras en día de cierzo, sin observar la belleza de su color óxido en noviembre, sin tocar sus nervios de zarpa, sin oler sus sarmientos sino cuando aromatizan costillas o pimientos asados en ellos.

Veamos el paisaje aragonés desde los cinco sentidos, que son seis si añadimos que los árboles plantados en numerosos casos lo fueron por manos sarmentosas que ya no viven. O que sí y nos dejaron un saber hacer botánico heredado no peor que el de Asia.

07.11 Luis Iribarren

Arte Religioso andaluz del siglo XVI


El Arte Religioso durante siglos fue el arte que imperaba en Europa, en la España de iglesias y poder del catolicismo. Este retablo de la virgen del Rosario de Arcos de la Frontera es de Andrés Benitez del año 1784, aunque la imagen de la virgen es de Cristobal Voisin del año 1554.

Cerámica andaluza sobre las farmacias árabes


La cultura árabe tras ocho siglos entre nosotros en España, nos dejó unas formas de comportamientos que siguen en parte entre nosotros. Como es lógico, pues tantos años de españoles árabes en todo nuestro territorio lograron incluso que se crearan formas y costumbres claramente mezcla de todos nosotros. 

Y el Arte de aquella época es una de las disciplinas que creció de la mezcla entre los nativos españoles y los nuevos españoles nacidos de tantos siglos de mezcla cultural y religiosa. 

Para nuestra desgracia con la Reconquista se destruyó gran parte del patrimonio español de los siglos anteriores, hecho por españoles árabes y que se utilizó para crear iglesias católicas sobre sus cimientos. Se desnaturalizó gran parte de aquella cultura hecha por españoles no católicos.

Estos azulejos que vemos arriba son una muestra del comportamiento que ante la farmacia y la salud tenían los españoles de aquella época árabe. Quien haya viajado por el Norte de África sabrá bien la diferencia entre las farmacias de esa zona y las de Europa. 

El farmacéutico, además de vendedor es galeno, es explicador de soluciones y "atendedor y escuchador" ante los conflictos de la salud. Y siempre que se puede, utilizando remedios vegetales y no químicos y minerales, que también.


16.11.22

Cerámica vidriada para reproducir vírgenes en los exteriores


El Arte de la cerámica vidriada, coloreada y pintada con motivos, es antiquísimo. Podemos estar hablando de unos 2.300 años si nos referimos a sus inicios documentados en China, pero a su vez posiblemente a unos 5.000 años si nos fijamos en procesos artísticos egipcios. Barro cocido y vidriado para mantener el color, sus dibujos y su estructura ante la inclemencia del tiempo.

En el Sur de España es muy habitual ver azulejos montados en las fachadas de calles e iglesias, mostrando imágenes religiosas en el exterior para cuando las iglesias estaban cerradas. Pero los árabes hicieron también un uso inmenso de estas técnicas, el mudejar lo continuó, etc.

En los últimos tiempos y por ser un procedimiento de reproducción artística costoso y complicado, se está entrando en algunos casos en procesos de impresión digital, que no es lo mismo pero a veces hace dudar sobre todo si no eres un espectador experto. 

La calidad en el detalle, en el relieve de los azulejos, y sobre todo ya en poder aguantar bien la luz indirecta del sol con tintas pigmentadas que soportan mucho tiempo al exterior, consiguen que por poco dinero se puedan disponer en los interiores o en la calle de reproducciones de imágenes religiosas antiguas. 

No es lo mismo, en absoluto, pero cuando no hay presupuesto se hace en casas especializadas en estas impresiones digitales. Se comenzó con procedimientos en vajillas y ahora ya se hacen también para grandes murales. Son tiempos de cambios modernos.

La imagen que vemos arriba es la Virgen del Socorro. 

12.11.22

Piedad de Goya o de Bayeu.


Esta obra de una Piedad se subasta en Madrid por un precio que rondará de entrada los tres millones de euros, pero con las dudas de su autoría sobre la mesa. ¿Es de Goya o de Bayeu?

"Cuando vi esta Piedad los ojos me hacían chiribitas. Lo vi claro desde el principio. Me había pasado anteriormente con algunas piezas anónimas de Bayeu, pero no con esta clarividencia y rotundidad, y llevo más de 30 años estudiando la pintura española y aragonesa del siglo XVIII". El profesor e historiador del arte de la Universidad de Zaragoza, Arturo Ansón Navarro, considera que esta obra hasta ahora asignada a Francisco Bayeu, salió de los pinceles de un joven Francisco de Goya de 28 años poco antes de marchar a Madrid.

La obra de 83,5 centímetros de altura, mantiene la tela de cáñamo y el bastidor originales sobre la que fue pintada en el año 1774. La profesionalidad sobre la obra de Goya del profesor Arturo Ansón no ofrece dudas, pero siempre es complejo asegurar el cambio de autoría de una obra, si no se dispone de diversos estudios.

9.11.22

Palomas de Picasso por la Paz


Pablo Picasso dibujó y pintó numerosas veces a palomas representando a la Paz, aunque hay una que es la que más veces se ha utilizado para todo tipo de marcados gráficos que nos podamos imaginar. Una paloma litografiada de la que en teoría se hicieron 1.000 ejemplares. Se hizo en el año 1961 pero todo comenzó en el I Congreso Mundial por la Paz de París del año 1949 cuando se le encargó a Picasso una Paloma de la Paz como emblema y que nada tiene que ver con la que vemos arriba.

La Paloma de la Paz de abajo (propiedad del Tate Modern de Londres), fue la elegida entre diversos bocetos para el emblema del I Congreso Mundial por la Paz de París en enero de 1949. Se trata de una litografía de una paloma blanca sobre un fondo negro, en la que destacan los tonos suaves con los que el pintor malagueño logra recrear el plumaje del ave. Fernand Mourlot, dueño de uno de los más grandes talleres de grabado y litografía de París, dijo de la obra que era «una de las litografías más bellas jamás conseguidas».

El I Congreso Mundial por la Paz de París es promovido por el Partido Comunista internacional, y es partidario del desarme mundial. La Segunda Guerra Mundial ha terminado hace poco (1945) y el mundo necesita una nueva oportunidad y encontrar un nuevo futuro.

Pablo Picasso no sólo crea ese símbolo con una síntesis fabulosa, sino que el artista mismo es todo un símbolo del antifascismo y cuya obra cumbre, el Guernica, es una de las más famosas denuncias que existen sobre los horrores de la guerra (como si fuera poco, el artista mismo es una figura relevante del comunismo, al que se ha afiliado en 1944). Para el momento del congreso, la artista Françoise Gilot espera un hijo de Pablo Picasso. Cuando nazca la niña, la llamarán Paloma.



Arte Árabe español, parte de nuestra cultura


El Arte árabe se compuso de muchos elementos y no todos ellos han llegado hasta nuestros días con la mima potencia y cantidad. Todos reconocemos el Arte árabe en arquitectura, en interiorismo, ya no tanto en muebles pero todavía se han ido logrando conservar un buen número de ejemplos, algo de arte gráfico, sin duda arte gastronómico pues sus dulces y reposterías o sus guisos son puramente arte del sabor. También lo son sus trabajos en ropas, bordados, danzas, música, etc. No podemos olvidar que es una gran cultura histórica y que en España estuvieron muchos siglos conformando la actual España y nuestros modos y formas de entender desde leyes a tradiciones. En la imagen vemos una sección de una contrapuerta de una ventana.

4.11.22

Mariscadoras, a brochazos gruesos


Este cuadro nos muestra a dos mariscadoras en el agua, una obra en apariencia sencilla, técnicamente mas compleja y realizada a base de grandes brochazos y muy pocos todos bicolores con blancos y grises, y cremas terrosos y amarillos. 

¿Parece sencillo? La técnica que utiliza no lo es pues requiera una experiencia notable en el uso del pincel grueso, ayudado de la espátula muy posiblemente. 

No todo tienen que ser obras suaves, con detalles, pues cada día más la fotografía va ocupando esos espacios de mostrar lo que realmente vemos.

3.11.22

Un enorme atún cazado en la almadraba


Los cazadores de Arte, los que vamos buscando Arte por las esquinas, a veces tremendamente raro y personal y otras veces expresiones artísticas de otros artistas que nos atrapan por algún motivo, disfrutamos de nuestros trofeos como cazadores de pájaros que nunca herimos y que simplemente nos conformamos con mirar y disfrutar de sus imágenes.

El Arte tiene eso, que no hay que disparar nada peligroso, sino en todo caso una apertura que capta luz y nos entrega trofeos.

1.11.22

¿Qué es la tauromaquia según un ganadero taurino?


 ¿Es la tauromaquia una actividad artística?

¿Es la tauromaquia un espectáculo o una fiesta?

¿Es posible la tauromaquia sin sangre, sin muerte aplaudida y delante de todos?

¿Es más importante la tradición ancestral del animal contra el humano, en desventaja, que el bienestar animal sabiendo que sin la tauromaquia desaparecerían miles y miles de animales?

La respuesta de ayer de un conocido ganadero de reses bravas a mis preguntas, fue contundente.

Es un Arte, es una Fiesta pero no es un espectáculo, no es posible la tauromaquia sin riesgo pues es una fiesta de vida y muerte, de dolor, de miedos.

26.10.22

Berto Fojo recordando el cine de terror slasher


Los carteles saben anunciar, y cuando son carteles de cine, para el cine, más todavía. Son una fotografía dibujada para llamar la atención. Este cartel simulando el Cine Slasher está realizado por Berto Fojo anunciando el cine de terror, de "miedo" que sobre todo a finales del siglo XX tanto éxito juvenil tuvo. 

El artista gráfico, diseñador y dibujante Berto Fojo deja aquí sus detalles maravillosos tópicos de ese cine de aquellos años, de un terror fácil, suficiente para escapar de unas décadas flojas y a la vez miedosas en lo político y social.

25.10.22

Cuestión de ventanas de hollín sobre blanco


No sé en donde se esconden las ventanas que guardo en mi recuerdo. Deben ser ventanas de hollín para esconder y no reflejar, para que solo sean capaces de contener silencios. Nadie se volverá a asomar desde esta ventana, y si lo hacen alguna vez, yo ya no estaré enfrente.

Mosaico romano del Siglo III, de la ciudad de Roma


Un mosaico romano del siglo III con una escena de paseo en una cuadriga, encontrado en la ciudad de Roma y que pertenece al Museo Arqueológico de Madrid. Está hecho con diferentes piedras calizas de colores y trozos de mármol.

Ventanas sobre ventanas o al revés


Las ventanas se superponen cuando ellas quieren. 

En el cielo hay muchos huecos para todos, ventanas sobre ventanas y espacios para entrar y salir. 

Hay ventanas enfrente y arriba, hay ventanas negras y de color. 

Cosas que nos suceden a poco que queramos mirar.



En el Arte hay que esquematizar y mostrar poco


Una de las funciones del Arte es esquematizar, decir mucho con poco, mostrar e insinuar, sin dar todas las explicaciones necesarias. El espectador, del contemplador de una obra de Arte debe imaginar, inventar incluso lo que ve, lo que lee, lo que escucha. 

El espectador es protagonista y no puede recibir todo ya masticado, debe participar en el desarrollo de la obra, debe adivinar o incluso inventar y crear su propia obra a través de lo que le muestran otros artistas. 

Se tiene que acabar el papel del espectador pasivo, debemos trabajar cada vez más hacia espectadores activos que interactúen, imaginen, formen parte de la obra, o incluso por qué no, intervengan en ella, complementando lo que se muestra.

Este dibujo se titula "Mendigo" realizado por la artista alemana Andrea Büttner en el año 2016, en una xilografía impresa luego sobre papel. Nos tenemos que imaginar qué vemos, y si mezclamos lo simple que se observa con el título y la posición de las manos, ya no nos queda duda. Es una persona pidiendo ayuda.


23.10.22

Claude Monet y sus Meules o montones de paja y grano


El número de tontos no para de crecer y se equivocan utilizando el Arte como una herramienta contra el Sistema que sin duda, está dejando mucho que desear en este inicio del siglo XXI. Atacar obras históricas de Arte es un error, pero también es cierto que logran de esta manera que sus reivindicaciones se escuchan. Son gritos que esperamos todos se calmen. Ahora le ha tocado a Claude Monet en el Museo alemán de Barberini en la ciudad de Potsdam.

Claude Monet hizo hasta 25 obras sobre los campos de grano y paja cercanos a su casa de Giverny, en la Normandía francesa. Esta obra se titula "
Grainstacks"Pilas de Grano, del año 1890 de un poco menos de un metro de anchura, realizada al óleo sobre lienzo con sus característicos brochazos (casi) puntillistas, o puntillistas pero con arreglo a su manera de trabajar esos brochazos.

Las pinturas de esta serie de Claude Monet llevan el título francés genérico de "Meules", una palabra que se puede traducir como "pilas o montones" y no como muelas o como pajar, pues los objetos de las pinturas de Monet son en realidad monturas de grano

En la agricultura de la Normandía del siglo XIX, las pilas cónicas de grano sin rebanjar estaban cubiertas con paja o heno para proteger la valiosa cosecha de la humedad y la podredumbre.

Monet, que tenía una buena sensibilidad por la estructura del paisaje, debe haber estado fascinado por estos objetos que eran como esculturas de tamaño considerable que aparecían cada año en los campos que rodeaban su casa, cubriendo los prados en una especie de instalación temporal.

El motivo también tenía un carácter simbólico para la comunidad predominantemente agrícola de Giverny, y al mismo tiempo permitió a Monet, por medio de su enfoque en serie, explorar la transformación cíclica de la naturaleza en el cambio de las estaciones, y con ella el paso del tiempo.

Lo peor no es el calor, sino sus consecuencias


Lo malo de respirar, es que no te puedes olvidar de hacerlo… constantemente. 

Aunque haya mucho calor a tu alrededor.





21.10.22

Escaleras para bajar…, subiendo


Todas las escaleras sirven para subir, pero no todas suben hacia arriba. 

¿Qué es bajar? 

A veces no es lo contrario de subir, podría ser algo atrevido. 

¿Y si nos atreviéramos a subir hacia abajo? 

¿Quién nos asegura que eso sea bajar o descender?

Susan Te Kahurangi King y sus obras dibujadas


Vemos arriba un dibujo de la artista de Nueva Zelanda: Susan Te Kahurangi King, una persona que dejó de hablar con 4 años de edad por problemas de autismo y que se expresa con sus obras de Arte.

Dibujo en grafito sobre papel más pequeño que un A3 en donde nos muestra un espacio visual de su mundo silencioso, de su adolescencia pues fue creado a finales de los años 70 del siglo XX. Ella nació en 1951. Sus trabajos los realiza con bolígrafos y lápices de colores o negros.

Su trabajo artístico fue abandonado durante dos décadas y retomado en el año 2008 con mucho más color pero manteniendo sus trazos y modos de componer. Ha expuesto en numerosos países y tiene obra en algunos de los museos más importantes de EEUU. Hay un programa de becas artísticas llamado Susan Te Kahurangi King.

Corrida de toros en Eibar. De Ignacio Zuloaga y una bandera


Del año 1899 es esta obra de Ignacio Zuloaga titulada "Corrida de toros en Eibar" y que se encuentra en el Museo Carmen Thyssen de Málaga. Una estampa de un Zuloaga casi juvenil que pocos años antes había intentado ser torero y que incluso había actuado en Sevilla.

Esta obra es casi un sin sentido pues la comenzó en Eibar y la terminó en Segovia, y entre esos impasses temporales se casó y se cambió de domicilio. El caso es que para acabar la obra llenó de personajes castellanos y mujeres con los trajes madrileños lo que en principio era una estampa taurina vasca. 

Es una fotografía de un momento, con un cierto encanto y profesionalidad en la composición, pero si nos fijamos bien, con cierta dejadez también, pues los personajes de primer plano están más atentos a cualquier cosa que a observar la escena de la corrida de toros llena de sangre.

Curiosamente podemos observar a la izquierda una bandera tricolor (no es que se haya descolorido) que podría parecer una bandera republicana en unos años en donde había monarquía. Posiblemente sea otro detalle que demuestre que al final Zuloaga quiso que la escena fuera segoviana o castellana más que vasca como indica el título. 

En aquellos años algunos ayuntamientos utilizaban la bandera tricolor como señal propia, no por ser republicanos sino por querer demostrar que eran castellanos, pues decían que la franja roja de abajo junto a la amarilla de en medio venía de la Corona de Aragón y que el color castellano era el morado y debía estar representado en las banderas locales.


20.10.22

Arte y Publicidad. La mariposa de obsidiana


El Arte en los carteles son los intentos casi escondidos de creación efímera moderna, del siglo XX y XXI, que muchas veces pasan desapercibidos, excepto en los días en los que cumplen su función para lo que fueron creados. Pero la Cartelería es un componente más del Arte funcional de una sociedad que consume lo que se crea, y en Carteles y Diseño Gráfico, hay auténticas obras de Arte de gran calidad que se van perdiendo poco a poco.

Este cartel efectista, capaz de llamar la atención desde lejos y a su vez con un contenido fotográfico tratado de forma artística, es de una obra de teatro. La Mariposa de Obsidiana.

¿En rojo y no en negro, para hacer honor a su título? Pues sí, pero es que el rojo se ve mucho mejor, a más distancia y llama mucho más la atención de los transeúntes, y el gran cartel se ha creado para eso. Publicidad y Arte se dan la mano muchas veces.

Las Viejas, de Francisco de Goya


Escribió Benito Pérez Galdós en su novela de los Episodios Nacionales:Trafalgar: Doña Flora de Cisniega era una vieja que se empeñaba en permanecer joven: tenía más de cincuenta años; pero ponía en práctica todos los artificios imaginables para engañar al mundo, aparentando la mitad de aquella cifra aterradora. Decir cuánto inventaba la ciencia y el arte en armónico consorcio para conseguir tal objeto, no es empresa que corresponde a mis escasas fuerzas. Enumerar los rizos, moñas, lazos, trapos, adobos, bermellones, aguas y demás extraños cuerpos que concurrían a la grande obra de su monumental restauración, fatigaría la más diestra fantasía: quédese esto, pues, para las plumas de los novelistas, si es que la historia, buscadora de las grandes cosas, no se apropia tan hermoso asunto. Respecto a su físico, lo más presente que tengo es el conjunto de su rostro, en que parecían haber puesto su rosicler todos los pinceles de las academias presentes y pretéritas. También recuerdo que al hablar hacía con los labios un mohín, un repliegue, un mimo, cuyo objeto era o achicar con gracia la descomunal boca, o tapar el estrago de la dentadura, de cuyas filas desertaban todos los años un par de dientes; pero aquella supina estratagema de la presunción era tan poco afortunada, que antes la afeaba que la embellecía.

Posiblemente Francisco de Goya se inspiró en este personaje para crear esta obra titulada "Las Viejas" o "¿Qué tal?" que pintó entre 1810 y 1812. Es posible que esta obra formara parte de un grupo concebido por el propio Goya como un tríptico de tres obras sueltas tituladas: Maja y celestina en el balcón, y Majas en el balcón. 

Esta serie pertenecía a Goya, y todas aparecen en su inventario de 1812, de modo que parece lógico que fueran realizadas para su uso, sin ser encargo de nadie.

Para más información y muy interesante además, consultar en esta dirección que os dejo de la Fundación de Goya en Aragón.



Nada es anciano, todo depende del tiempo


Poner en valor lo antiguo es muy sencillo. Convertir en antiguo lo nuevo es cuestión de tiempo. Querer ver como antiguo lo nuevo es una idiotez. Creer que lo nuevo es mejor simplemente por ser nuevo es una tontería escasa de reflexión. Creer que lo viejo es mejor por llevar más años entre nosotros es otro error de ancianos mentales.

19.10.22

Para mí… son simples sensaciones de un día de otoño


Explicar las sensaciones es imposible. Ante lo mismo vemos diferente cada uno. Sentimos todavía con más diferencia según nuestras mochilas. 

¿Manchas? Sí, trazos, formas. ¿Y? Para mí… son simples sensaciones un punto abstractas de un día gris de otoño, lleno de nuevas posibilidades con color.