Las líneas enmarcaban las formas de Ernst Young

El color y las formas de las líneas que configuraban el espacio me atraparon allí mismo. Mucho más en la pantalla del ordenador al observarlas. 

Muchas veces cuando viajas a lugares nuevos e importantes te tienes que dejar llevar por el instinto del fotógrafo que llevas dentro, pues no es posible encuadrar bien ni es posible esperar una mejor luz. 

Es llegar y cazar disparando. 

Un deporte maravilloso donde muy pocas veces hay segundas oportunidades. 

Si sale bien, muy bien. 

Y si no sale bien, simplemente lo recuerdas.

Pensé que los focos estorbaban, pero poco a poco me he dado cuenta que eran incluso parte importante del encuadre final. 

Parecen iluminar lo iluminable.

¿Qué son los Art Journal, los Diarios de Arte Visuales?

Llamamos Art Journal a un Diario de Arte, es decir a un clásico diario personal donde además de texto hemos ido añadiendo como si fuera un Libro de Artista, pequeñas obras de dibujos, pinturas, acuarelas, collages, que nos gustan, nos divierten incluso, nos acompañan al contenido de los textos para complementar lo que deseamos expresar. 

En realidad son Book de Artista, Diarios Visuales, Diarios Creativos que a veces llegan a tener un gran valor no solo testimonial sino artístico, que se comienzan casi como un juego personal y al final se van convirtiendo en obras de arte con todas las consecuencias. 

Hay que buscar mezclas de Poesía Visual, Arte y Diseño en dibujos y pinturas y sobre todo una marca personal, creativa y divertida. 

Los Art Journal tienen que representarnos, son parte de nuestras obras y aunque utilicemos técnicas distintas o incluso maneras expresivas diferentes a las que empleamos habitualmente, son parte de nuestra obra artística más personal.

Hoy ya, por poco precio se pueden comprar cuadernos en blanco, encuadernados, con papel de acuarela, que se prestan muy bien a este tipo de ejercicio casi de desahogo. 

En la Cadena Tiger se pueden encontrar en diversos tamaño y encuadernaciones, ejemplares en papel de pintura entre 3 y 4 euros. Un buen precio para empezar a practicar los Art Journal, ver hasta dónde somos capaces de darles sentido, y junto a unos rotuladores, unos lápices de colores, acuarelas, empezar a practicar estos Diarios de Arte. 

Serán libros, libretas, que llevarán mucho trote, que tendrán que aguantar mucha carga de pintura, así que sin duda y tras probar si nos atrevemos, tendremos que ir a mejores calidades y a precios más altos en las libretas. 

Si el papel es muy fino mi consejo es que no lo aproveches por la dos caras y solo trabajen en una de ellas para no forzar en exceso el papel. 

Y si en tu libreta vas realizando collages y por ello empiezan a resultar excesivamente gruesa, puedes cortar con una cuchilla hojas alternas dejando unos milímetros de la hoja en la zona de encuadernación, para que el grosor del papel más el de los elementos pegados no resulte excesivo. 

Y recuerda que en el Art Journal como en la mayoría de las técnicas artísticas NO HAY REGLAS establecidas y fijas, estos para cambiarlas y modificarlas a nuestro gusto y necesidad.

Regular e irregular, ordenado o desordenado

 

Regular e irregular, recto y curvo, ordenado o desordenado. 

Todo es posible a la hora de elegir con qué nos queremos quedar. 

Todo son caminos posibles, miradas imposibles incluso que no nos llevan a ningún lugar. 

El mecanismo por el que se han ido creando puede ser natural o incluso puede ser ligeramente artificial. 

Todo es posible a la hora de saber por qué. 

Pero en realidad nos importa muy poco eso, si acaso si nos parecen bellos o no. 

¿Se podría crear de nuevo algo tan perfectamente redondo?

¿Se podría crear artificialmente algo tan perfectamente redondo? 

Es posible que si, pero con tantos detalles en su interior ya es mucho más complicado. 

Imaginaros una máquina que fuera capaz de hacer flores blancas redondas con detalles. 

¿Sería capaz de construirlas para que fueran cambiando lentamente de tamaño? 

¿Y para que volaras sus partes cuando hubieran alcanzado su madurez, y así esparcirse por el mundo, transportando las semillas?

Pues curiosamente este pequeño milagro no tiene precio, incluso casi no tiene valor, no hacemos otra cosa que mirarlo casi con desprecio y desdén, relegándolo a la nada.

Un New York horizontal dentro de su verticalidad

Todas las ciudades tienen muchos puntos de vista, todas son conocidas por los más fáciles, pero en todas ellas hay espacios y miradas que se salen ligeramente (o incluso profundamente) de lo habitual. 

Buscar o provocar estos puntos de vista es labor del fotógrafo que no siempre tiene que ser postalero en sus trabajos de mostrar lo que él ve. 

Un poco de composición, un punto de vista no habitual, ayudan a creer que siendo es lo mismo, es algo diferente. 

Dibujo, pintura digital y fotografía, no agitados

Todo tiene su valor, incluso aunque solo sea estético. Elegir, seleccionar, construir con piezas un nuevo elemento es una forma simple de sentirte bien mientras lo vas creando. 

No se trata de inventar un nuevo submarino, sino de sentir que con tus manos puedes convertir un blanco en un espacio diferente, nuevo, lleno.

Aquí hay mezcla de dibujo, de pintura digital y de fotografía. Un poco de cada, una disciplina que se afianza en la otra, unos nuevos tiempos en donde todas las herramientas quedan diluidas entre ellas pues todas se pueden necesitar en un momento dado, sin que ninguna destaque sobre la otra.

Al final lo único que importa es el resultado final, como en cualquier empresa, en cualquier relación. 

Los caminos intermedios se disfrutan, pero no se pueden contemplar al quedar tapados por la finalidad, por la meta final.

Sergey Piskunov y sus óleos hiperrealistas

El artista ucraniano Sergey Piskunov (Lysychansk, 1989) que vive en la actualidad en Países Bajos es un pintor de hiperrealismo fotográfico, conocido por sus grandes retratos y escenas acuáticas de fuerte carga sensual y atmosférica.

Procede del mundo de la informática, y ha desarrollado una trayectoria internacional con exposiciones en Ucrania, Alemania, Reino Unido, Estados Unidos y Suiza. Lo que vemos arriba como uno de sus ejemplos, podría parecer una fotografía pero en cambio es un óleo de 160 centímetros de altura aunque pueda parecer lo contrario. Un trabajo realmente muy detallista e hiperrealista. 

Comienza a pintar de forma autodidacta en torno al tercer curso de la carrera de Ingeniería de sistemas informáticos, tras recibir como regalo pinceles y óleos, y compagina durante unos años la pintura con trabajos como tester y programador en empresas de software. Un ejemplo perfecto para entender que el Arte es una parte de la vida de muchas personas.

A principios de la década de 2010 realiza sus primeras exposiciones personales en Kiev (Art Hall, Museum of Hetmanate, New Gallery) y finalmente abandona el sector IT para dedicarse por completo al arte.

Mantiene una fuerte presencia en redes (Instagram, Facebook, YouTube), donde comparte procesos de trabajo y vídeos didácticos sobre pintura hiperrealista, lo que refuerza su perfil de artista‑marca muy alineado con la cultura visual digital.

Su obra se puede leer como síntesis entre el hiperrealismo anglosajón (Close, Cotton) y una sensibilidad más abiertamente sensual, donde la piel, el brillo y el agua funcionan casi como metáforas de exposición y vulnerabilidad.

Una de las series más conocidas es “Golden Masks”, en la que modelos (como Dasha Astafieva) aparecen cubiertas de pan de oro o polvo brillante, en composiciones que alternan glamour, fetichismo y teatralidad barroca.

David Ostrowski y su Arte Diferente

El artista alemán David Ostrowski está siendo ahora más conocido en los medios de comunicación por el gusto de Ivanka Trump hacia sus obras, que por estos trabajos como creaciones minimalistas y diferentes. Obras rápidas, donde los elementos brillan precisamente por su ausencia. 

Cuanto menos mejor. 

Hace un trabajo al revés. 

En vez de borrar, simplemente selecciona y pinta lo mínimo, generalmente con aerosoles como si fuera Art Street, pero con muy pocas líneas, colores o elementos, y sobre lienzos.

Intenta pintar sin control, precisamente para encontrar el descontrol y la aleatoriedad relativa en sus obras. Para ello emplea la mano izquierda con el spray (es diestro) buscando que el resultado le sorprenda lo primero a él mismo. 

No busca lo que al final hace, sino crear casi aleatoriamente y sin control, buscando los errores de un trabajo ilógico que no emplea todas las posibilidades para crear un abstracto mal hecho, en un intento precisamente de olvidarse de la pintura como elemento vehicular del resultado final.

Cuanto menos y si aparece como un error, mucho mejor.

A veces nos podemos preguntar dónde se esconde lo bello. Es posible que en cualquier acto tonto, en cualquier movimiento ilógico podamos encontrar lo bello, lo curioso, lo diferente. Para ello es fundamental crear pocos elementos, para que el espectador no se distraiga con ellos. 

De esta forma deja de intentar entenderse la obra, pues no hay donde fijarse para buscar explicación. 

Un simple disparo de su mano equivocada, con un spray, y a esperar que aquella mancha nos motive. 

Así de sencillo. Un gesto espontáneo que al final crea elementos que cada uno de nosotros, como espectadores, podemos entender o abominar.

Nada es el principio del fin, sino al revés, todo es el comienzo de algo. 

Y esto es perfecto pues entenderlo ayuda a seguir creando posibilidades nuevas.

Chiamonwu Ifeyinwa y sus dibujos hiperrealistas

Cuando estás aprendiendo arte, que te hagan trabaja con lápices en blanco y negro, con carboncillos y difuminos, te cansa sobremanera. Pero estos dibujos hiperrealistas de la artista nigeriana Chiamonwu Ifeyinwa Joy que con 30 años están sorprendiendo por su calidad y sus encuadres y miradas de los personajes, que se inspiran en su cultura Igbo y en las tradiciones que forman parte de ella, están realizados con grafito y lápices de diferentes durezas.

"Para una gran obra de arte, me toma alrededor de un mes completarla. Para un lienzo mediano o pequeño, puede tomar hasta dos o tres semanas. Decido qué dibujar por cuánto me conmueve y me fascina el tema u objeto. Cuánto me habla a nivel personal, espiritual y creativo. Todas mis obras de arte cuentan una historia”.

Chiamonwu Ifeyinwa Joy no estudió arte, pero ahora dibuja profesionalmente y muestra sus obras impresionantes, que también vende ya a sus clientes en galerías importantes, además de moverse muy bien en redes sociales dando a conocer sus obras. 

Jaume Plensa: ¿Para qué sirve el Arte?

Os dejo una simple pregunta y respuesta de la revista ES+ al artista Jaume Plensa. Es aclaratoria, creo, sincera y que deberíamos leer un par de veces. La entrevista es del año 2025, pero la imagen superior titulada Caballo Negro, es del año 1986 en hierro colado.

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¿Para qué sirve el Arte?

Es una pregunta que todos los artistas nos hacemos permanentemente. No sabemos muy bien para qué sirve, pero sin arte la vida es insufrible, especialmente en momentos históricos como los que estamos viviendo El Mundo está muy polarizado y el arte hoy es más necesario que nunca.

Escena del interior de una taberna en Madrid

Esta obra del Museo del Prado que no se encuentra expuesta y que es anónima, nos muestra el interior de una taberna de Madrid, y así se titula el cuadro de 60 centímetros de anchura realizado en el siglo XVII al óleo sobre tabla.

Es una escena costumbrista que nos fotografía bastante bien lo que sería el interior de una taberna, de un bar de las clases bajas en donde se juntaban las gentes del barrio a tomarse algo, hablar e incluso discutir.

Vemos en el suelo una carta, posiblemente una pipa, mientras un niño parece acariciar a un perro pequeño. Los personajes son casi cómicos, disfrutando del momento, en lo que parece más un interior de un almacén convertido en taberna con ajos colgados alrededor de una chimenea que serviría de calefacción.

Abajo veremos un detalle de la obra para ver más de cerca los gestos de los personajes.

Philip Guston y su litografía Pile Up

Esta litografía del artista norteamericano Philip Guston realizada en el año 1980, e impresa en papel Barcham Green Crisbrook, con el sello de la propiedad del artista emitido, hizo una edición de 50 ejemplares (también había once pruebas del artista), y publicadas por Gemini G.E.L.

La litografía titulada 'Pile Up' fue una de las últimas obras de Guston antes de su muerte en ese mismo año. A menudo se sabía que Guston alternaba entre la abstracción y la figuración y este trabajo ejemplifica la fusión de estos dos movimientos.

Las influencias abstractas se sienten en la composición, pero los indicios de figuración emergen más claramente en la parte inferior izquierda, con la pieza con la herradura.

Esta litografía nos lleva al mundo de Guston dentro de un equilibrio entre la realidad tangible y el expresionismo abstracto místico por el que es famoso. Guston falleció durante la finalización de esta edición, lo que resultó en que Gemini G.E.L. tuvo que publicarla póstumamente en 1981.

La Tate Modern, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Filadelfia tienen una edición de 'Pile Up' en su colección permanente, anunciando la importancia de la obra de Guston en la historia del arte estadounidense y el movimiento expresionista abstracto.

Ernst Ludwig Kirchner y una xilografía

Esto que vemos arriba es una xilografía (grabado en madera) hecha en el año 1919 por el alemán Ernst Ludwig Kirchner. En ella representa a David Müller con su característico estilo expresionista, de líneas enérgicas y contrastes marcados. La estampa formó parte de una carpeta o portafolio de estampas, difundida bajo el sello editorial Bauhaus Drucke, que reunía obras gráficas de vanguardia en los primeros años del siglo XX.

En el año 1937, en plena ascensión del nazismo en Alemania, su obra se calificó en su país de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello, y falleció un año después, en 1938.

La obra es del Museo de Arte de Blanton de la Universidad de Texas.

Sin herramientas seríamos irracionales animales

Las herramientas son las extensiones de los brazos, las opciones que tenemos para sacar ideas y plasmarlas. Las inventamos para ser mejores, y quien avanzó en ellas, prosperó en sus culturas.

Sin herramientas seríamos monos irracionales que no habríamos avanzado casi nada. 

Lo primero que utilizan los niños son las herramientas, incluso para saciar sus dolores. 

En el Arte las herramientas son medios de expresión, lo que utilizamos para sacarnos desde dentro nuestros pensamientos, y convertirlos en objetos que podrían entender los que los observan. 

Y no siempre, hay que advertirlo, para tranquilizar.

José Orús y sus texturas con luz para mostrar otros mundos

El artista aragonés José Orús Fernández creó un mundo completo de sueños, lleno de otros mundos que iluminaban sensaciones y nos hacían imaginar que era posible escapar hacia otros lugares lejanos, sin estar seguros de que efectivamente podrían o no existir.

Esta obra que vemos arriba, de la década de los 70, se titula "Mundos paralelos" y se encuentra desde hace muchos años en el tanatorio de Zaragoza, dando el saludo a las familias y amigos que acuden a dar el último recuerdo a sus allegados.

Existe luz al final de los caminos. Y sobre todo existe espacio para estar contemplando.

Son obras que impresionan, todas ellas (casi) con un denominador común; la luz que surge a través de la oscuridad. 

La Escuela de Atenas de Rafael

En los Museo del Vaticano tenemos una obra de Arte muy conocida y valorada de Rafael que vamos aver hoy como un ejemplo de obras de Arte pedagógica que tanto ayudaron n sus tiempos a poder ampliar la formación y conocimiento, en tiempos sin las enormes facilidades actuales.

Es la obra: La Escuela de Atenas, pintada en Italia por Rafael Sanzio en los años 1509 a 1511. Habamos de una obra de casi ocho metros de anchura.

En ella vemos unas esculturas en la pared mostrando a Apolo y a Minerva. En el centro andando hacia el espectador vemos a Platón y Aristóteles. Platón (calvo) está sosteniendo el Timeo. Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Debajo de ellos están "retratados" Heráclito y Diógenes sentados sobre las escaleras. Y a la izquierda nuestra mientras observamos la obra podemos ver desde Alejandro Magno a Epicuro, Zenón de Elea, Pitágoras, Telange, Hipatia, Jenofonto, Alcibíades, Sócrates con una túnica verde oliva, o Heráclito sentado y escribiendo.

En la zona derecha según observamos se puede ver a Plotino, Homero, el propio Rafael mirándonos, Ptolomeo, ARquímedes y Estrabón. De algunos de ellos hay dudas sobre si son estos personajes u otros.
Es uno de los frescos más conocidos de la historia del arte y quizás la obra más ambiciosa de Rafael, que quiso representar nada menos que los orígenes del pensamiento occidental, filosofía, historia o geografía, matemática y astronomía, que como todos sabemos nació en la Antigua Grecia.

El artista pinta a los filósofos clásicos y lo hace poniéndoles rostros de artistas contemporáneos. En el centro vemos pues a Platón (pintado como Leonardo) y Aristóteles, las dos principales ramas de la filosofía. Después, están Heráclito (con los rasgos de Miguel Ángel), Euclides (como si fuera Bramante), Protógenes (retratado como su amigo El Sodoma), Hipatia (su novia Margherita) y Apeles (autorretrato del propio Rafael).

Jugar a soñar despierto es posible. Y no todos somos locos

Luces de conveniencia, cualidad de locura de un loco que ve al revés. Estructura ambigua de respeto, de miedo incluso. Simplemente colores y posicionamiento. Distribución del espacio entre elementos. Tontería para engañarme. De las tonterías propias no se vive, pero alimentan.

Aprender. Expresión. Dedicación, Amor, Profesión. Serenidad. Repartir. Humanismo

Aprender. Poesía. Expresión. Sentido. Dedicación. Amor. Profesión. Observación. Serenidad. Espíritu. Vocaciones. Repartir. Humanismo.

Decía Pablo Serrano en unas pocas líneas todo esto, y pone en ellas todas las palabras que deben motivar el Arte y la propia vida singular de cada uno de nosotros. Caminar y hacer el bien, simplemente. 

Es imposible quedarse con una de esas palabras. Todas son necesarias. Todas son energías de vida, para crear más vida, para empujar la que ya existe. 

Pablo Serrano. Antonio Machado. Miguel de Unamuno. Benito Pérez Galdós. Gregorio Marañón. 

No hay que ir muy lejos para encontrar a los sabios. Estos ya no están, pero sus enseñanzas sí, aunque sean diversas.

 

Marruecos tiene artistas contemporáneos que debemos conocer

Con Marruecos tenemos problemas de vecindad, de autoestima también, de relaciones mutuas separados por un poquito de mar, y tenemos también relaciones culturales que deberíamos potenciar. 

Por ejemplo en el año 2021 en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid había una exposición sobre Arte de Marruecos que yo recomendé pues creo que es uno de los mayores aciertos en arte contemporáneo de este raro 2021 en España.

Esta obra superior es del artista de la Escuela de Casablanca Mohamed Melehi fallecido hace menos de un año. Nació en el Marruecos español en 1936 y aunque recibió formación artística en España, Roma, Bruselas e incluso en los EEUU, se hizo profesor de Arte en Casablanca creando e impulsado el modernismo en Marruecos, enseñando pintura, fotografía y escultura desde el punto de vista libre de hacer lo que a cada artista le sale desde dentro.

Rompió con la obligación de que todo el arte en Marruecos fuera tradicional, sin que fuera una expresión de cada momento y se moviera como se mueven las sociedades libres.