30.10.21

Un anfiteatro para seguir practicando


Todos necesitamos altavoces para poder gritar y que se nos escuche. Anfiteatros teatrales para que se nos mire de frente y se nos preste atención.

Pero hay que estar dispuesto también a saber escuchar a los demás, a que hay que intercambiar tiempo de protagonismo con tiempo de escucha activa.

A veces somos actores y a veces somos público. A veces aplaudimos y en otros momentos tenemos que agradecer los aplausos.

¿Hay médicos para las heridas del alma que no se curan?


¿Cómo son las heridas que nunca se curan? ¿Son las que llegan al corazón y se quedan como un espejismo que no atiende a razones? ¿Hay heridas que traspasan el pensamiento para llegar al alma y logran hervir las penas que ni sabías que tenías? ¿Hay médicos para las heridas del alma, que no se curan con pastillas blancas?

Tampoco a mi me había cazado. Tuve miedo


Y se puso a mirarme de repente, y no pudimos apartarnos la mirada. Ni ella ni yo. Noté que era como si te quisiera contar una historia desde la pared que yo no entendía. Mezcla de soledad y tristeza con algunos toques de amor escondido, me quedé con su cara pero no pudo hacer mucho más. 

Al irme noté que empezó a cerrar los ojos levemente, hacia una tristeza mayor. Tampoco a mi me había cazado. No me pudo explicar nada más.

María Blanchard y un bodegón cubista de 1919


Naturaleza muerta cubista, de la artista asturiana María Blanchard pintada en el año 1919 en óleo sobre madera. Expresión cubista llena de color en una de las mujeres que más influenciaron en el cubismo español.

29.10.21

¿Qué quiso decirnos Edvard Munch con El Grito?


Sabemos que las obras de arte actuales, por mucho cuidado que pongamos, se van deteriorando con el tiempo. Por diversos motivos, uno de ellos por la mala calidad de las pinturas o de las bases, de los lienzos o materiales que se utilizan. Y los museos con las obras más importante aunque tiene mucho cuidado con ellos, saben que estamos ante un problemas complicado. Ninguna obra nos pertenece a nosotros, son de todas las generaciones que vendrán después y nosotros podemos contemplarlas con cuidado, y sobre todo cuidarlas.

Esta obra es El Grito de Edvard Munch, un pintor que no utilizaba pintura de calidad y que además en esta obra y en muchas otras pintaba sobre cartones gruesos y no sobre tela, lo que dificulta la conservación por la luz y la humedad ambiente. Sabemos que los colores de esta famosa obra ya no están hoy como estaban hace unos años, cuando la pintó Edvard Munch.

Arriba podemos ver una de las versiones de la obra (posiblemente la más conocida y llamada 4ª Versión del año 1910) tal y como se puede ver en la actualidad, la misma imagen que ha colgado el Museo Munch de Oslo

Es una obra (la versión que vemos pues se pintaron varias) de 91 centímetros de altura y el paso del tiempo le está afectando. 

Abajo podemos ver esa misma imagen con un retoque digital que intenta asemejarse a los colores que posiblemente se transmitieron en un principio, antes de que se degradaran con el paso del tiempo.

Es una obra compleja pues cuesta mucho adivinar qué nos quiso transmitir Edvard Munch, y por ser una obra muy documentada, incluso bocetada y trabajada por Edvard Munch con poemas incluidos.

Estaba caminando por el camino con dos amigos
El sol se estaba poniendo.
El cielo se volvió rojo sangre y sentí una ola de tristeza.
Me quedé cansado hasta la muerte.
arriba, la sangre azul-negra del fiordo y la ciudad y las lenguas llameantes, flotaron.
Mis amigos siguieron caminando, mientras sentía el gran Grito en la Naturaleza.



Murcia sabe contratar mobiliario urbano con color y diseño


Decorar ciudades es trabajo de los ediles de cada ayuntamiento. Pero las ciudades deben trabajar por ser agradables en su mobiliario urbano, como lo somos cada uno de nosotros en nuestros hogares. Decorar bien y con gusto una ciudad no tiene que ser más caro que acudir al aburrimiento, al gris, a lo habitual. No es fácil salirse si no se es capaz de sentar unas bases muy claras en los concursos oficiales para el mobiliario urbano, pero hay que intentarlo de entrada, y hay que exigirlo poco a poco. Este caso es la ciudad de Murcia.

Los hoteles, clientes de Arte para sus zonas comunes


Los hoteles se han ido convirtiendo en grandes consumidores de Arte que va guardando relación con sus estrellas. A mas estrellas en el hotel mas y mejor Arte sobre sus paredes de las entradas y salas comunes. Lo cuale s muy de agradecer, pues es el sencillo deseo de convertir en agradable unos espacios que para los clientes le son ajenos y siempre extraños.

En las habitaciones y en los pasillos de las plantas el tema se va convirtiendo en arte impreso, lo cual si se ha elegido bien, se agradece. Aquí nadie espera obra original excepto que se pague por la habitación, pero al menos que se haya elegido con buen gusto el arte impreso.

Esta acuarela es un buen ejemplo, encajaba muy bien con la decoración y el ambiente y ayudaba a tranquilizar ambientes, a convertirlos en más suaves. Y a partir de esta premisa tal vez habría que solicitar a algunos los hoteles que se trabajaran todavía más el incorporar Arte en sus zonas comunes, Arte que además encajara con su personalidad hotelera.

Solo fueron dos los elegidos. Es lo habitual


¿Y por qué solo esos dos? - 2021 - Murcia




En los baños también se puede poner arte gráfico


Esta obra estaba dentro de un baño de Murcia y la pillé con mi cámara por esas curiosidades personales de que aunque siendo un impreso, los dueños de la sala habían decidido colgar en un baño público una obra de arte impreso, algo que no es habitual, pues no era tampoco un gran local.

Sin el tratamiento digital no será nada, pero el trabajo de transformación y la pasteurización de la fotografía hasta convertirla en un poster gráfico lo convertía en una obra de mediano tamaño muy decorativa e impactante enfrente de los lavabos de un baño no muy grande. 

El Arte o la Artesanía tienen muchas posibilidades mitad decorativas, mitad impactantes.

28.10.21

Los recuerdos somos nosotros. Si no los tenemos, parece que no hemos vivido


Debajo de los adoquines de París, decían, estaba esperando la hierba. Debajo de algunas grietas de la vida siguen esperando los recuerdos. Sin estos recuerdos… ¿qué seríamos? 

Hay enfermedades que nos lo muestran con toda la crudeza. Ya no somos nada si no tenemos la capacidad de la memoria de lo vivido. Los recuerdos somos nosotros.

El amor encadenado al mundo, de Germán Hernández Amores


Del artista murciano Germán Hernández Amores podemos ver la obra titulada "El amor encadenado al mundo" pintada en el año 1890 al óleo y que e encuentra en el Casino de Murcia. Recibió sus primeras clases de dibujo en la Sociedad Económica de Amigos del País de Murcia, bajo la dirección de Santiago ­Baglietto, y en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, bajo la dirección de José y Federico de Madrazo

En 1851 marchó a París, becado por la Comisaría de la Cruzada y en 1853 a Roma en donde continuó sus estudios. Sus obras están en la mayoría de los casos basadas en temas literarios y en escenas de la Antigüedad

Los padres de Antonio López, por Antonio López


El muy conocido pintor español Antonio López pintó este cuadro titulado "Mis Padres" con 20 años de edad en el año 1956. Un retrato familiar y de formación en Madrid y posterior en Roma siguiendo un modelo clásico casi de retrato funerario de las antiguas civilizaciones, en donde se retrataba a los matrimonios en bajo relieves para conservar sus rostros y gestos.

Podemos comprobar con esta obra de Antonio López, que incluso cambiando totalmente su temática, es un pintor muy conservador en sus modos, trazos, formas, encuadres, colores incluso. No ha tenido una evolución importante y se ha mantenido muy fiel a sus técnicas, lo que le ha permitido explorarlas totalmente y sacarles un enorme éxito.

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The well-known Spanish painter Antonio López, painted this painting entitled "My Parents" when he was 20 years old in 1956. A family portrait and training in Madrid and later in Rome, following a classic model almost of a funerary portrait of the old civilizations, where couples were portrayed in bas-reliefs to preserve their faces and gestures.

We can see with this work by Antonio López, that even completely changing his theme, he is a very conservative painter in his ways, lines, shapes, frames, even colors. He has not had an important evolution and has remained very faithful to his techniques, which has allowed him to fully explore them and get enormous success from them.

Miguel Berrocal y sus esculturas de piezas encajadas


Vemos arriba una escultura de tamaño mediano del artista malagueño Miguel Berrocal realizada en hierro forjado en el año 1963, y titulada "StripTease móvil (Opus 57)". Miguel Berrocal inicia sus estudios de Arquitectura pero con 22 años se traslada a Paris para conocer las técnicas artísticas de la escultura que es al final el gran trabajo de su vida. Y empieza a tomar contactos con todo el mundo artístico español, francés e italiano, del que aprende y bebe.

Creador de grandes esculturas o de pequeñas obras, tiene obra en el MoMA y en diversos espacios repartidos por Europa. Fue el creador de la primera figura de los Premios Goya. Un escultor matemático, el estudioso de la mecánica de los elementos por su formación en arquitectura con unas obras compuestas de muchas capas conectadas entre sí para lograr que nunca resulten planas, se observen desde cualquier punto de vista.

Manolo Millares o Antoni Tàpies y el collage. Técnicas


Esta obra anónima para mi —no para quien la ha comprado y se la ha puesto en su despacho de hotel— es un clásico collage de diversas acciones y herramientas que buscan impresionar llenando espacios vacíos. El collage en realidad es la suma de innumerables técnicas que utiliza materiales muy diversos para crear una obra "pegando" o cosiendo trozos que recoge o crea con anterioridad. 

Manolo Millares o Antoni Tàpies son dos ejemplos de grandes artistas del collage en algunas de sus obras. 

El collage no es solo pegar "trozos" sino a veces añadir materiales diversos a la pintura para darle texturas, añadiendo por ejemplo polvo o arenas de piedra o mármol, serrín, telas, que al mezclase con las masas de pintura conforman nuevas texturas con color. 

La pintura al secarse, al cristalizarse, se convierte en un pegamento entre todas las partes, y la sujeción de las arenas o materiales es casi total.

En mi caso, conservo diferentes arenas de mar, con distintos grosores y texturas e incluso colores, que utilizo en algunas de mis obras, mezclando la pintura en la paleta con estos materiales. Si deseo que se vea más la textura, por ejemplo si son arenas gruesas con diferentes colores, una vez depositada la masa de la pintura con la arena sobre el lienzo, pongo encima una tela o un papel secante sobre el que hago presión, para que se quede en él adherido parte de la pintura de la zona superior y deje ver levemente el color o la textura de las arenas. Es una de las muchas técnicas posibles en el collage.

27.10.21

Vidriera del mercado de Atarazanas de Málaga


Vidriera del mercado de Atarazanas de Málaga, visto desde el exterior en la imagen de arriba y desde el interior del mercado en la imagen de abajo, donde se han plasmado diversos edificios y escenarios de la historia de Málaga.

La vidriera está en la parte Norte del mercado y consta de 108 paños de cristal pintado por el artista Ángel Atienza Landeta junto a su hermano en al año 1973.  Ángel Atienza Landeta fue un conocido jugador del Real Madrid que tras dejar el fútbol se dedicó al arte en vídrio. Fue restaurado en el año 2009 por Francisco Cascón, de la empresa Artevis, y Virginia Cenit.



Un surrealismo muy surrealista y original


Cuando tienes la suerte de ir contemplando Arte casi todas las semanas, en exposiciones, galerías o museos, sin duda casi en todas esas visitas hay algo que te sorprende, incluso aunque hayas visto ya miles de obras totalmente distintas, siempre hay algo que te llama la atención por algo especial que te atrapa. La semana pasada me sucedió con esta obra en Málaga. Está puesta en la esquina de la sala de visitas de un hotel céntrico de Málaga, en el suelo, tal y como podemos contemplar en la imagen.

Un auténtico surrealismo muy surrealista, pues el artista ha logrado crear un trampantojo con doble mirada. La obra está doblada, son en forma de esquina dos obras unidas, semejando que efectivamente, la modelo está en una esquina mirando contra la pared. 

El autor es para mi desconocido, firma rascando sobre la pintura del cuadro como Goutal.th y es una obra realizada en el año 2015. Muy poco información para una obra que me impresionó por cómo había ejecutado la idea.

Arte, Artesanía, Gastronomía y Vino - Art, Crafts, Gastronomy and Wine


El cartel habla de vino, de Arte y de sociedad sin nombrarla, lo mezcla todo un poco y nos deja claro —si lo queremos entender— que el Arte no son solo cuadros y esculturas, libros o fotografías, sino mucho más. Entramos de lleno en la duda de valorar qué es Arte y Artesanía, y sobre todo para qué sirve y quién lo crea.

Un vino (ya que lo nombra el cartel) es la mezcla creada por profesionales de diversas uvas y del trabajo del tiempo, de las técnicas, de la conservación, del cuidado y el repaso de su transformación con el tiempo mientras los artistas vinateros van modificando sabores y van dejando que la propia naturaleza haga un trabajo químico.

Sin la intervención de los profesionales, no es posible crear vino. Ni tampoco de modificarlo, de que salga igual o diferente a otras añadas. ¿Qué es más sencillo repetir exactamente el mismo sabor, olor y bouquet de un caldo de un año para otro, o al contrario lograr sabores nuevos que se adapten a lo que demandan los clientes, los tiempos? 

Con pocos tubos de pintura, con pocos colores, los artistas lograr crear obras totalmente distintas unas de las otras. Mezclan con herramientas, dejan secar, trabajan en húmero o no, añaden elementos o no, etc. 

Cualquier licor es un procedimiento similar. Pero también en la cocina se hacen procesos similares. Y en arquitectura. Y en la literatura mezclando historias y personajes, o en el teatro y la música. 

Crear es partir de la nada o de una cosa muy simple, y lograr con la intervención de personas, con herramientas y añadidos, un producto que no se parece en nada al inicio.

Un tubo de pintura junto a un pincel no se parece en nada a un cuadro. Una hoja de papel  un carboncillo no se parece a un dibujo. 

Pero tampoco malta de cebada y agua de manantial se parece en nada a un whisky. Ni un arroz y unas gambas se parece en casi nada a una paella o a un sushi. Entre medio está la técnica, la artesanía, el Arte. 

La artesanía dicen que es repetir muchas veces una obra de Arte. Algo que también se hace en la gastronomía. Pero hay muchas cosas que se parecen entre el Arte y la Artesanía. 

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The poster talks about wine, Art and society without naming it, it mixes everything a bit and makes it clear to us if we want to understand it, that Art is not just paintings and sculptures, books or photographs, but much more. We enter fully into the doubt of assessing what Art and Crafts is, and above all what it is for and who creates it.

A wine (as it is named on the poster) is the mixture created by professionals of various grapes and the work of time, techniques, conservation, care and review of its transformation over time while the vintner artists are modifying flavors and leave it to nature itself to do chemical work.

Without the intervention of professionals, it is not possible to create wine. Nor to modify it, that it comes out the same or different from other vintages. What is easier to repeat exactly the same flavor, smell and bouquet of a broth from one year to the next, or on the contrary to achieve new flavors that adapt to what customers demand, the times?

With few tubes of paint, with few colors, artists manage to create works that are totally different from each other. They mix with tools, let it dry, work wet or not, add elements or not, etc.

Any liquor is a similar procedure. But similar processes are also carried out in the kitchen. And in architecture. And in literature mixing stories and characters, or in theater and music.

To create is to start from scratch or from a very simple thing, and to achieve with the intervention of people, with tools and add-ons, a product that is nothing like at the beginning.

A tube of paint next to a brush is nothing like a painting. A sheet of paper a charcoal does not look like a drawing.

But neither barley malt and spring water looks anything like whiskey. Not a rice and a few prawns is almost nothing like a paella or a sushi. In between is technique, crafts, Art.

They say that craftsmanship is repeating a work of art many times. Something that is also done in gastronomy. But there are many things that are alike between Art and Crafts.

Arte Urbano, mural en Elche. Street Art en Elche


El Arte Urbano como elemento decorativo del urbanismo en las ciudades es a veces casi imprescindible. Hay que romper el gris de muchas de nuestras calles y el Arte es una de las posibilidades. En las obras públicas en España se destina una parte para dignificar las autovías con esculturas e intervenciones artísticas fijas, así que es lógico pensar en nuestras calles urbanas como otra necesidad lógica para poder utilizar paredes vacías como lienzos sin que haya dificultades legales añadidas para ello.

Esta intervención está debajo de un puente de un cruce a distintas alturas de unas carreteras en el centro urbano de la ciudad de Elche (España), una zona oscura, gris, que puede gozar de algo más de calidad urbana con este tipo de intervenciones efímeras pero válidas.

Hay ayuntamientos que apoyan estos trabajos artísticos, y en cambio otros no solo no los apoyan, sino que ponen muchas dificultades para ser realizados en paredes y muros públicos. Las ciudades que facilitan estos trabajos tienen más calidad de vida urbana.

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Urban Art, Street Art as a decorative element of urban planning in cities is sometimes almost essential. We must break the gray of many of our streets and Art is one of the possibilities. In public works in Spain, a part is destined to dignify the highways with sculptures and fixed artistic interventions, so it is logical to think of our urban streets as another logical necessity to be able to use empty walls as canvases without there being added legal difficulties for it.

This intervention is under a bridge of a crossing at different heights of some roads in the urban center of the city of Elche (Spain), a dark, gray area that can enjoy a little more urban quality with this type of ephemeral interventions but valid.

There are municipalities that support these artistic works, and on the other hand, others not only do not support them, but also put many difficulties to be carried out on public walls and walls. The cities that facilitate these jobs have a better quality of urban life. 

Un capullo que se ha puesto rojo, muy rojo


Ser un capullo no siempre está mal visto, depende del color, del tamaño del capullo y sobre todo de sus intenciones. Una flor roja puede ser amenazante o muy bella. Curiosa y extraña. También depende de tus experiencias con los flores… y con los capullos. 

Juguemos al escondite inglés pero sin hacer "Tula"


No sirve de nada jugar al escondite inglés aunque pienses lo contrario, pues enseguida te descubren. Además… esconderse es muy aburrido y no participas en el juego.

Sal del escondite, da la cara y corre a buscar a los escondidos para darles “Tula” y observar la cara que poner cuando los descubres.

Claro que… en cuanto les das “Tula”, ellos la llevan y te toca esconderte a ti. Así que lo mejor y más entretenido es jugar llevándola tú… pero no pasar el “Tula” a nadie y que se jodan estando escondidos y aburridos. El mundo será tuyo.

Nota.: Para los que no sean conocedores, esos tres o cuatro que quedáis repartidos por el mundo, "Tula" significa "Tú la llevas".

26.10.21

Cómo pintar las olas bravas del mar al romper en la orilla


Aprender técnicas en pintura a veces es tan sencillo como fijarse de qué manera lo resuelven otros colegas pintores e intentar copiar sus propias técnicas. Eso no es realmente copiar o plagiar, sino aprender fijándose. En la antigüedad los estudios de pintura de los grandes artistas estaban abiertos a decenas de alumnos que entraban en el taller a aprender y a practicar, mientras además ayudaban al maestro con sus obras grandes. Aprendías de sus técnicas y modos, algo que ahora podemos hacer de forma mucho más sencilla.

Arriba podemos ver una sección de una marina del pintor Juan Martínez Abades titulada Puerto Exterior y Abra de Bilbao y realizada en el año 1903. Un clásico óleo en el que podemos ver las pinceladas que ha plasmado el pintor para darle volumen al agua de una ola que choca y se levanta. No es sencillo pintar el agua brava, pues o queda plana ya que hay que jugar con blancos muy idénticos, o queda excesivamente contrastada y por ello increíble, falsa. 

Esta obra de la colección Carmen Thyssen-Bornemisza nos permite comprobar como utilizando blancos idénticos, pero a los que se les da unos brochazos impetuosos y gruesos, se logra transmitir ese brío y energía del agua al romper. No se puede ir pintando detalles, sino aplicar la pintura casi sin contemplaciones, creyéndote lo que haces y dando volumen a costa de eso, de dar volumen con las capas de pintura. 

Hay que dominar también las capas, y practicar con pinturas más diluidas para las capas del fondo del agua, y pintura mucho más espesa para los detalles finales que marcan el agua saltando. 

Abajo podemos ver la totalidad de la obra, en donde podemos comprobar la realidad visual de esas olas en el conjunto del cuadro. 



Nazareno del pintor italiano Niccolò Frangipane del siglo XVI


El dramatismo de este "Cristo cargando la cruz" o "Nazareno" del pintor italiano Niccolò Frangipane pintado en el año 1574 cuando cuando era todavía joven, no ofrece ninguna dura. La mirada, el color de sus ojos, la tristeza de este hombre, de esta obra transmite el dolor de la tortura, de la Pasión. Que era eso precisamente lo que el artista necesitaba transmitir para que los fieles observarán el sufrimiento por todos.

Niccolò Frangipane fue alumno de Tiziano, esta obra es una interpretación de otra similar creada por su maestro Tiziano. Y aunque se le conoce sobre todo por sus obras de temática religiosa, también realizó obras más lúdicas, festivas, mitológicas, or lo que a veces se ha llegado a penar que con el mismo nombre había dos artistas distintos. En realidad era necesario y normal que algunos pintores tuvieran que trabajar una parte de su obra para poder comer, y otra parte de su obra para gusto y disfrute de sus propias artes.


Arte Callejero en un callejón de Cartagena


El Arte Callejero nos sorprende en rincones, en callejones diversos, en este caso en Cartagena, a veces aprovechando elementos urbanos feos para crear a su alrededor otras miradas, que decoran la calle, logran entregarnos algo de luz artística a las calles aunque no a todos los vecinos les guste este tipo de actuaciones artísticas. No es Arte Brut aunque lo parezca, podría ser una manifestación del nuevo Arte Contemporáneo, aunque sea efímero.

La soledad no es estar solo


Miramos al horizonte y creemos ver lo que allí nos espera, pero en verdad lo único que existe para nosotros es lo que tenemos alrededor.

Siempre estamos solos, incluso cuando estamos acompañados de otros. Nacemos y morimos solos, como algo habitual, normal pero que no queremos llegar a entender.

Estar acompañado no evita que sigamos estando solos.

El poder siempre es feo y desabrido


El poder siempre utiliza los mismos añadidos para demostrarlo y demostrarse. El garrote, la mala cara, las manos recias y el porte desabrido. El poder necesita del miedo.

El primero que debe creer en la capacidad del poder para lograr los objetivos, es el que lo posee. Debe tenerse miedo a sí mismo para tener la autoestima alta y lograr regalar el miedo sin muchas dudas.

El poder siempre es feo.

25.10.21

Autorretrato de Francisco de Goya del año 1815


Uno de los últimos cuadros al óleo que pintó Francisco de Goya fue un autorretrato realizado en el año 1815 con ya 69 años de edad, en un tamaño algo mayor a un A3 y que es propiedad del Museo del Prado. La mirada de Goya, su aparente desaliño, su ropa y el aspecto casi abocetado de la obra confieren un valor mayor a una obra que en aquellos años ya juega con el modernismo imperante dentro de un romanticismo ya caduca hacia un casi expresionismo inicial, incluso con sensaciones de un impresionismo por la manera de trabajar las pinceladas. 

Simplemente Goya nos quiere mostrar su imagen, su mirada e incluso algo de su ya cansancio y posiblemente nada más que eso, que ya es mucho.

Matthew Ritchie y sus obras filosóficas y teóricas de azar sobre foam



Desde New York el artista inglés Matthew Ritchie nos presenta esta obra que titula "El marinero que perdió la gracia del mar" realizada en el año 2004 con un esmalte sobre sintra o foam que termina en la pared con acrílico y rotulador. Ritchie escanea sus dibujos en scanner y lo visualiza en su ordenador para poder manipularlos volteándolos, deconstruyéndolos y/o transformándolos en piezas tridimensionales. Digitalmente hace que sus imágenes sean cada vez más pequeñas para desarrollar aún más sus ideas más allá del papel.

Y Matthew Ritchie nos explica su proceso.: Comienzo con una colección de ideas... y dibujo todos estos motivos diferentes, y luego los pongo uno encima del otro. Así que tengo montones de dibujos semitransparentes, todos en capas uno encima del otro en mi estudio y forman una especie de túnel de información. De eso, puedes sacar esta forma que se convierte en la escultura o la pintura. Es literalmente como sacar la narrativa de superponer todas las estructuras. Así es como termino con esta estructura. Se deriva de una serie de dibujos que escaneo en la computadora y refino a través de varios procesos... y envío a la tienda de chapa metálica en el futuro, donde se corta de metal y se ensambla en estructuras más grandes que son demasiado grandes para mi estudio.

Todo un proceso complejo en donde 
Matthew Ritchie trasmite sus filosofías, sus miradas, desde donde se basa como artista en narrativas filosóficas, religiosas y científicas para crear un universo complejo donde estas teorías puedan circular entre sí. En las obras de estos artistas, se forman redes de datos en composiciones artísticas que hacen referencia a las preguntas en las que la sociedad sigue basando su significado de existencia. El trabajo de Ritchie personifica estas preguntas en su arte tan personal.

24.10.21

Pablo Picasso y su obra "Hombre y niño". Subastada en Sotheby's


Esta obra de Pablo Picasso titulada "Hombre y niño" y pintado en el verano de 1969 ha sido subastada esta semana por la casa de subastas Sotheby's por un precio que ha superado los veinte millones de euros. Es un cuadro de casi dos metros de altura que había estado en un despacho durante muchos años y que finalmente se ha vendido para cambiar de manos y hacer "caja". 

Esta obra ejemplifica el poder y la complejidad que define la obra tardía de Pablo Picasso pintada con pinceladas rápidas y revueltas, y es un ejemplo enormemente impresionante de los logros del artista durante esta etapa final, y muy importante, de su carrera. Tal es la vitalidad y casi urgencia del artista por capturar su visión interior, que en esta pintura se aplica en pintura aún húmeda creando una notable sensación de inmediatez.

Es una de sus obras en donde Picasso nos demuestra en sus últimos años de trabajo el motivo por el que se consideró como un gran artista moderno y por qué fue tan profundamente influyente para muchos artistas del siglo XX.

Traviesa, revoltoso, pero muy agradable


Naughty but nice. 
Traviesa y revoltosa, pero agradable y bonita.

La artista suiza Sylvie Fleury nos ilumina el camino con esta frases en neón rosa realizada en el año 2003. Quiere jugar con el texto, con la sensación y nos obliga por un momento a pensar si es posible lo que nos dice, o incluso si no es lógico, positivo e inevitable que vayan unidos los conceptos de travesura y hermosura.



Ni tú sabes cómo soy yo, ni yo sé cómo eres tú


Hay muchas maneras de vernos, de contemplarnos, de intentar observarnos como tal vez nos miran y ven los demás. No sabemos bien cómo somos, como tampoco saben como somos los que nos observan y creen adivinarnos. Ni tú sabes cómo soy yo, ni yo sé cómo eres tú. Dos ventajas en una.

Peter Halley, artista abstracto y geométrico


Pintado en el año 1993 vemos una obra abstracta y geométrica del artista neoyorkino Peter Halley titulada "Contención", realizada en acrílico pintura Day Glo y Roll a Tex sobre lienzo. Profesor de Arte y escritor desde 2001 es el director de los estudios de pintura y de impresión de la Escuela de Arte de Yale. Sus potentes colores y sus formas geométricas son una de sus firmas artísticas. 

Mark Whalen y su montaje "I Am Just Here"


Del artista australiano Mark Whalen podemos ver un ejemplo de su montaje "I Am Just Here" realizado para el CAC de Málaga, un "Solo estoy aquí" que muestra en más de 20 figuras andróginas de colores saturados que se apilan, fusionan e integran con objetos cotidianos para contarnos historias o al menos para imaginárnoslas. El artista con sus obras resalta la relación entre lo absurdo y lo mundano invitando al espectador a participar en la narrativa de sus obras.

23.10.21

Arte de Daniele Barresi. Efímero y en frutas de temporada


El italiano Daniele Barresi es un artista de frutas naturales de las que saca bellas esculturas efímeras y pequeñas tallando como si fueran joyas. En este caso podemos ver dos ejemplos realizados en aguacates. Un gran trabajo efímero que dura horas o a lo sumo pocos días, hasta que el tiempo destruye las obras.


La importancia de las imágenes en nuestra vida

La importancia de las imágenes como testigos mudos que nos cuentan la vida y la historia es indudable. Hoy ya no podríamos vivir sin imágenes. Pero no siempre ha sido así, durante siglos las imágenes no influían pues no existían excepto en el instante en que se producían y para los que las podían observar por estar allí mismo. Conservar las imágenes es poder conservar las miradas y las realidades, para poderlas comprobar en cualquier momento.

22.10.21

Bestias y Bellezas en las calles de New York


Esta es la portada de la revista New Yorker de la ciudad de New York para todo el mundo. Y en sus portadas siempre se refleja además de una mirada muy especial del momento, un tratamiento artístico de lo que nos quiere representar. En este caso es un dibujo de Edward Steed en donde nos muestra su amor por las muchas personas a veces excéntricas que pueblan las calles de la gran ciudad de New York.

Y nos hace una pregunta.: Nunca se sabe a quién o qué verás en las calles de Nueva York. ¿Te gusta caminar y observar la escena?

La ciudad de Nueva York sigue siendo un referente para inconformistas de todo tipo. Sus calles están llenas de vida y ofrecen muchas oportunidades excelentes para observar a las personas o pequeños monstruos llenos de vida, como se muestra en la portada de esta semana por el artista Edward Steed.

Ante la duda, no dudes tanto y actúa


Ante la duda… piensa un momento, sopesa levemente las opciones y…¡actúa! 

- 2021 - 

Málaga





Geografía de la memoria femenina. Eutiquio Estirado en Elche


Esta escultura urbana en el centro de la ciudad de Elche se titula "Geografía de la memoria" y ha sido creado por el artista ilicitano Eutiquio Estirado, que trabaja tanto la escultura como la pintura. Citas de 19 escritoras, pintoras, investigadoras o artistas, mujeres que han dejado su sello personal a lo largo de la historia, recorren la escultura Geografía de la Memoria instalada en la Plaza del Palau, frente al Palacio de Altamira, en Elche.

El agua que brota de la propia escultura recorre citas, palabras y frases de mujeres que han dejado huella en la historia de la humanidad. Son 19 escritoras, pintoras, investigadoras ó artistas que han ido dejando sus frases en esta escultura circular. 

Una poesía en árabe de la poetisa cordobesa Wallada Bint Al-Mustakfi, junto con otra de Safo, enlaza con palabras en catalán de María Mercé Marçal, el misticismo de Teresa de Jesús, la imaginación de Virginia Wolf, Simone de Beauvoir, ó de Concepción Arenal, la pasión de Ninon de Lenclos, el evolucionismo de Lynn Margulis, el texto de la sindicalista, escritora y cristiana rechazada por los teóricos de la Iglesia, de Simona Weill, el sarcasmo literario de Dorothy Parker, la poetisa Alaíde Foppa, la de Rose Auslander, la pintora Frida Kahlo, la escritora Natalia Ginzburg, la poetisa y dramaturga Alfonsina Storni, la poesía surrealista de Alejandra Pizarnik, la novelista y ensayista Mercedes Cabello, finalizando con una frase en japonés de Akiko Yosano, feminista, pacifista y reformista social.

Como destacó Eutiquio Estirado: «La obra refleja una mujer que se está construyendo sobre las ideas y los conceptos de otras mujeres anteriores, que pelearon y crearon desde su condición femenina. La figura no está terminada, es como una mujer que se encuentra en un estudio, en el taller de un artista en el que se está construyendo sobre las ideas, los conceptos de mujeres que ya han fallecido, pero que han dejado su obra y sus ideas».

Richard Avedon y una fotografía de moda con elefantes


Hay fotógrafos que su obra les ha señalado, les ha perseguido durante toda su vida por sus formas, sus detalles, sus ambientes. El neoyorquino Richard Avedon estudió filosofía en Columbia (New York) antes de convertirse en fotógrafo autodidacta sobre todo de retratos de personas a las que les intentaba sacar mucho más que sus apariencias, sino unas posas provocadas para mostrar su personalidad, sus formas y fondos. Esta imagen del año 1955 muestra a una "Divina con elefantes" para mostrar un modelo de la casa Dior.

Richard Avedon como fotógrafo de moda quiso trascender de las ropas y sus diseños, de los complementos usuales en este tipo de trabajos, para mostrar la vida de lo que envolvía a sus personajes en sus obras, sacando a los modelos a las calles, a los cafés, para ponerlos en el movimiento de la propia vida habitual. La elegancia no estaba en las modas y ropas, sino en los encuadres, en los gestos, en la luz. Eran escenas fotográficas que ayudaba a vender ropa y moda a través de puestas teatrales en escena.

Pero las obras de Richard Avedon trascienden al mundo de la moda y sus colecciones y trabajos tocaron muy diversos motivos para reflejar el mundo americano de sus tiempos, con obras muy conocidas y reconocidas.

Esta imagen es de la Colección Gruber

¿De verdad las arrugas pueden ser bellas?


Nos vamos arrugando como pieles viejas de paredes sin cuidado. No hay que mirarse, pero quien nos ve observa nuestro cambio. Todas las pieles fueron en algún momento tersas y lisas, brillantes y agradables. ¿Quién dijo que una arruga puede ser bella? ¿Domínguez? Tal vez este sea un mal ejemplo de su idea en el diseño?

Rostros auténticos o falsos. Depende


A veces en las calles se multiplican los rostros, salen unos para entrar otros, unos crecen y dejan diminutos al resto. En la calle todos los rostros son auténticos o falsos, depende de las ganas que tengas de verlos bien o mal. Rostros auténticos o falsos en las calles de Madrid. Depende. Las personas no miran a los personajes.

Juanli Carrión y uno de sus "Memelismos"


Juanli Carrión y uno de sus "Memelismos", escultoras con color potente y forma amorfas que a través de miras abstractas y con clores limpios y fuertes intentan transformar los recuerdos antiguos de personas en nuevos elementos de aprendizaje colectivo.

Si alguien comparte una experiencia, una parte de sus vidas, la cuenta y la explica a alguien que escucha y que decide tras ello crear unos elementos que representen desde du particular punto de vista, lo que ha escuchado, lo que ha recibido. Es crear objetos que intentan representar la memoria de otras personas desde el punto de vista de otros personajes distintos, que escuchan e intentan crear las historias orales en objetos. 

13.10.21

¿Qué existiría debajo del 39 y del 50? ¿Otro 39 y 50?

Los números se esconden y esconden, los números indican o confunden. ¿Qué habrá debajo del 39 y del 50? No lo sabemos, nos los mangaron y pusieron encima los que ahora vemos, tapando los viejos. Es como matar números y no enterrarlos. 



La silla eléctrica, de Andy Warhol


Esta es una serie de seis ejemplares diferentes (de 10 opciones que hizo con esta temática) de la clásica obra de Andy Warhol "Silla Eléctrica" o "Electric Chair" que empezó a producir casi en serie en el año 1963 aunque estos ejemplares son de 1971. Eran variantes de una obra que se basaba en una fotografía de prensa de la prisión de Sing Sing y que fue utilizada para ejecutar diversos presos en los EEUU. 

Andy Warhol estaba totalmente en contra de la pena de muerte y quiso utilizar el símbolo multiplicado de forma artística por medios gráficos para abaratar los precios y que llegara a más gente su obra, dando forma a lo que se consideró obra Pop, de popular.

En varias de sus obras simplemente cambiaba, jugaba o modificaba las pantallas de serigrafía para obtener resultados diferentes pero sin utilizar bases técnicas distintas, sino utilizando las mismas herramientas y pantallas, pero añadiendo o cambiando colores, o el orden de estos a la hora de ser impresos. 

Era un Arte Comercial que utilizaba a las Artes Gráficas para acercarlas al Arte puto a través del Arte Pop.


12.10.21

Jeff Larason y sus fotografías callejeras de Boston


Jeff Larason
es un clásico fotógrafo callejero que vive y trabaja en Boston y que lleva 40 años con su fotografía callejera que busca reflejar los lugares y las formas en que las personas interactúan con su entorno. Captura encuentros casuales y luz en los espacios de Boston. Larason ha sido un fotógrafo "tirador de cadera" desde el principio, rara vez mira a través de la cámara para hacer una imagen. Es miembro fundador del Boston Streets Collective, un grupo de fotógrafos callejeros. Su reciente proyecto de libro, “Sonder”, se ha realizado, en parte, con un iPhone, una cámara que le permite la proximidad sin afectar al sujeto.     

Relieve de un faraón con su hija de carne


Este relieve de la Dinastía XI de Egipto, de más de 4.000 años de antigüedad nos muestra al faraón delante con su hija detrás llevando varios símbolos de la realeza. Una maza, una cola de toro, una barba postiza y su corona blanca del Alto Egipto. Los textos nos advierten de que es: "El Dios Perfecto, el Señor de las Dos Tierras".

Su hija "de carne" lleva un traje sencillo con peluca corta y vestido ajustado con algunas joyas, collar y pulseras. Los detalles en los relieves eran a veces muy bien realizados como en ewte caso que podemos ver la musculatura de las rodillas o la pupila de los ojos.

František Kupka y su cubismo órfico, complejo y difícil de entender


Esta obra, pintada al óleo por el artista checo František Kupka en el año 1933 y titulado "Tartas" podemos ver una obra del cubismo órfico que es una tendencia abstracta que busca impactar con el color y el cubismo abstracto deseando trasmitir sensaciones casi poéticas desde una pintar que parecía abandonar su planteamiento gráfico, para adentrase en ejercicios artísticos que mezclaran sensaciones musicales, poéticas y gráficas. Complejo de comprender, de conseguir, pero eran tiempos de exploración sin muchos elementos técnicos para lograr mezclar campos artísticos.

Dejo una flor rosa que no es una rosa, pero es rosa


Hoy en Zaragoza es Día de Ofrenda de Flores, día mal montado por unos incapaces, pero no quiero entrar en eso. Hoy es día de flores y dejo la mía, para todos, para los míos y para vosotrxs, para reconocer que las flores alegran y nos empequeñecen, son parte de esos milagros naturales complicados de explicar.