Diez Reyes nazaríes en España

Los palacios árabes nazaríes en España son de una belleza maravillosa. No solo son enormes estancias bellamente decoradas con repujados geométricos hechos en relieve con escayola, sino también en algunos casos se conservan techos pintados que muestran una forma de vida extraordinaria para los que tenían las posibilidades de moverse por esos palacios.

Este techo es de una estancia real de Granada. No es sencillo añadir nada de comentario. Es la Sala de los Reyes nazaríes muy cerca de Patio de los Leones. 

Es arte español, hecho por españoles. Representa la bóveda a los diez primeros reyes de la dinastía nazarí, salvo los usurpadores Ismail I y Mohamed VI, el Bermejo, de finales del siglo XIV.

Tríptico de los improperios de El Bosco. Personajes

El llamado Tríptico de los improperios de El Bosco o al menos de su taller, que podemos ver en el Museo de Bellas Artes de Valencia es una obra flamenca pintada al óleo sobre madera en donde vemos la detención de Jesucristo, rodeada de una serie de figuras que insultan al detenido mientras lo torturan.

Pintada sobre el año 1520 a 1530, sería una obra que no pudo pintar El Bosco si son ciertas estas fechas, pues había fallecido en 1516, aunque en el cuadro sí aparece la firma de El Bosco. Tal vez fue una obra iniciada por El Bosco.

Es una de las primeras obras pintada al óleo, no al temple, con más detalle sobre todo para mostrar gestos de esas figuras que rodean a Cristo.

Y es aquí en donde me quiero detener. En mostrar no el cuadro u obra en su conjunto, sino en mostrar algunos detalles de sus figuras vestidas con ropas de aquellos siglos XV ó XVI. El Arte nos lleva a esos periodos mostrando la forma de vida de aquellos años en este caso la ciudad de Flandes, donde se pintó la obra.

 

Ángel acompañando a un alma al infierno. De un seguidor de El Bosco

Esta pintura al óleo es de un seguidor de El Bosco pintada a finales del siglo XV, y titulada "Ángel acompañando a un alma al infierno". Como podemos ver, en aquellos años el Infierno era aterrador, pero sobre todo era aterrador el camino, pues los que te metían en el fuego eterno antes te castigaban terriblemente.

Esas torturas eran realizadas por enviados de Dios, por soldados de su Divina Orden, así que sin duda: ¡¡Jodo!! con las bondades de los que decían hacer Justicia. Era una manera en aquellos siglos de hacer propaganda para que las gentes fueran buenas y obedientes.

Hay que tener en cuenta, eso también, que no eran cuerpos humanos, sino almas, así que es posible que no se sufriera tanto para entrar en los infiernos de aquellos siglos. ¿Cómo sufre un alma?

Ahora ya, pues eso, sabemos que el infierno no existe. ¿O sigue existiendo? ¡¡Uff!! Y qué manía tenían con arrastrar a las mujeres de los pelos.

Philippe de Champaigne y La presentación en el templo

Esta obra del pintor belga Philippe de Champaigne titulada: La presentación en el templo, de 257 centímetros de altura y pintada en el año 1648, nos muestra como un anciano llamado Simeón recoge al niño Jesús de las manos de sus padres, llevando un trapo bendecido entre sus manos para no tocar al Niño Jesús, según la tradición y la Ley de Moises para presentar a los niños al Templo.

En aquella ceremonia, el que hacia de sacerdote pronunciaba las palabras del rito elevando al niño. 

"Ahora, Señor, puedes ya dejar ir a tu siervo en paz, según tu palabra; porque han visto mis ojos tu salud, la que has preparado ante la faz de todos los pueblos; luz para iluminación de las gentes, y gloria de tu pueblo, Israel".

Y los padres tenían que llevar dos pichones (los lleva San José en una cesta) que tenían que ser sacrificados en el final de la ceremonia. 

La austeridad es una guerra de clases

La austeridad es también una lucha de clases, pues solo la sufren los que ya tienen poco antes de convertirnos por obligación y orden en austeros. Hay muchos que no quieren escuchar austeridad, pues van sobrados de posibilidades.

Marcel Dzama y sus respuestas sobre Arte

El artista Marcel Dzama, canadiense pero trabajando en New York, es uno de los artistas internacionales más reputados, al que La Casa Encendida en Madrid, le dedicó en 2017 la muestra más amplia de su obra hasta esa fecha, montada en España, titulada: «Dibujando una revolución»

Marcel Dzama comparte con Duchamp, al que admira, su nombre, pero también su espíritu burlón pese a ser una persona muy tímida. Bebe artísticamente del Surrealismo, del Dadaísmo, de El Bosco y de Goya… y eso se nota en su obra, en sus reconocidos dibujos, o en sus actuales dioramas, y en sus esculturas y películas. 

La Casa Encendida plantea su revolución, su trayectoria de los últimos cinco año,s en los que los contenidos cobran un importante ímpetu político. Veamos algunas respuestas a una entrevista suya, que podemos leer completa aquí.

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–Confiesa que detesta la violencia. ¿Se puede hacer una revolución sin violencia?

–Siempre va a haber incidentes. Prefiero las revoluciones pacíficas. Normalmente, cuando se vuelven violentas, las cosas se vuelven grises. La intención de la revolución puede hundirse por eso.

–¿A qué responde su necesidad de mezclar fantasía y realidad en sus obras?

–Trump, en sí mismo, es una especie de retrato entre la realidad y la ficción. Es como un dibujo animado andante. Algo obvio de lo que reírse. No creo que sea un ser humano sustancial. Es como si nos siguiese y dijese: «Ahora les gusto», una distracción. Casi puro narcisismo, lo que hace que sea un personaje de dibujos animados perfecto. Pero volviendo a la pregunta: Me influyó mucho el Surrealismo, el Dadaísmo. La idea de disfraz, que normalmente representa algo en el dibujo.

–Le voy a preguntar ahora sobre la relación entre texto e imagen en las obras. En español se dice que una imagen vale más que mil palabras. ¿Por qué las suyas precisan de pie de foto integrado?

–En primer lugar, es para dar una orientación sobre el contenido de los dibujos, para no abrirlos a una interpretación general. Escribo algo sobre el marco como «Los tiempos difíciles eran…». Escribo mala poesía y, a veces, la escondo como parte del dibujo, casi como una mirada estética. La mayoría de las veces es algo que versa sobre el dibujo. No estoy muy seguro sobre ese texto que quiero mostrar y lo tapo con un dibujo.

–¿Hay entonces un Marcel Dzama escritor que funciona de manera diferente cuando no hay dibujos de por medio?

–Hago mala poesía. Nunca seré un poeta, pero me gusta escribir poesía. También escribo canciones. Hace unos años formé parte de una banda de música. Terminé volcando mi poesía en sus canciones.

–Goya, El Bosco, Duchamp… ¿Cómo se mira con ojos del siglo XXI a los maestros del pasado?

–Siempre hay lecciones que aprender del pasado, por eso nos repetimos. Vuelvo a Goya. Sus obras son normalmente sobre desvalidos o sobre personas olvidadas, el lado oscuro de las historias. En esas estamos hoy también.

Berganza y Cañizares o La Cocina de las Brujas, de Goya

De esta obra de Francisco de Goya que es conocida por dos nombres bien distintos, no tengo una copia a color que poder mostrar. Se cree que es de un particular que vive en México (hay dudas) y no hay copias en color de esta importante obra de Goya. Esta obra perteneció a la Colección del empresario Alberto Pani.

Se la conoce a este pequeño cuadro hecho por encargo de los Duques de Osuna con el nombre de: "La cocina de las Brujas" y por el nombre de "Berganza y Cañizares". El nombre popular es el primero, pero en realidad estamos viendo un episodio de una de las Novelas ejemplares de Cervantes.

Berganza y Cañizares, representan a dos personajes de dos de las Novelas Ejemplares de Miguel de Cervantes. El casamiento engañoso y El coloquio de los perros. Este cuadro de Goya se basa en uno de los episodios de brujería más famosos de la literatura española, escrito por Cervantes y personalizado por Goya.

Vemos al perro Berganza y la bruja Cañizares, que le intenta explicar al perro cómo invocar demonios y preparar pócimas mágicas que otorgan el poder de volar. En el centro de la composición se ve a la bruja, con una pierna arrodillada en el suelo y la otra, que se asemeja más a la de una cabra, en ángulo recto. 

El perro Berganza, de pie y con la pierna izquierda y el brazo derecho de un ser humano, observa cómo un macho cabrío se aleja volando en una escoba por la chimenea de la cocina, el lugar donde se solían realizar los ritos mágicos. 

El mensaje que tanto Cervantes en su escrito como Goya en esta obre pequeña y a color, desearon transmitir con esta escena, es que la imaginación de una persona es capaz de alterar su percepción de la realidad.

Niños pintados por Goya en el cuadro El Aquelarre

Hablaba en otra entrada de los brochazos de Goya para pintar la Luna. Seguimos en la obra Aquelarre de Francisco de Goya pintado en el año 1798, y ahora vamos a ver de qué manera pintó unos niños ahorcados en un palo. 

La fuerza del brochazo simple y directo, otra vez en una obra muy dura de demonios, de brujas y brujos, de magia y superstición, de un Goya que en ese tiempos estaba trabajando en Los Caprichos.

Hay que entender que lo que vemos en la imagen lo observamos a un tamaño superior al real en el cuadro, pues cada niño pintado aquí no medirá ni dos centímetros de altura.

Goya y sus brochazos para pintar la luna

De la obra de Goya: El Aquelarre, pintada en el año 1798, es una de las pinturas de la casa de los Duques de Osuna que tenían en la Alameda de Osuna y de tamaño pequeño pues no superaba un A3, vamos a ver un detalle de la luna que en realidad mide unos tres centímetros de diámetro. 

Mucho más pequeño del tamaño que vemos aquí si podemos ver el detalle en una pantalla de ordenador. Simplemente busco mostrar los brochazos, cómo con muy poco trazo crea esa sensación de luna en cuarto creciente.

En el otro detalle de la misma obra vemos algunos de los murciélagos que Goya pintó en el cielo de esta obra que representa al demonio.

Esta obra está actualmente en el Museo Lázaro Galdeano de Madrid.

Diferentes maneras de ver el Arte Religioso

Ecce Homo de Borja, antes y después de la "restauración"

El arte religioso ha sido una constante en nuestra historia cristiana de los últimos 15 siglos. No solo en España, pero con diversas maneras y constantes en todos los países latinos, las que venimos del latín.

Según el Evangelio, “Ecce Homo” —“He aquí el Hombre” o “Este es el Hombre”— son las palabras que Poncio Pilatos dirigió a la multitud que estaba en la calle esperando su sentencia y presentando a Jesús de Nazaret, con la corona de espinas y ya muy deteriorado físicamente, tras haber sufrido varias torturas y malos tratos, poco antes de ser juzgado y condenado a la crucifixión. 

De esa frase y coloquialmente, ir o estar hecho un “Ecce homo” es sinónimo de estar mal físicamente, herido o magullado.

En agosto de 2012 saltó una sorpresa a nivel mundial que es mucho, y Borja en Zaragoza nos dio la sorpresa al sacar a la luz pública un desgraciado incidente. 

Una obra menor de Elías García Martínez que representaba en un lateral de la iglesia del Santuario de la Misericordia de Borja un “Ecce Homo”, en un bello complejo arquitectónico situado en un paraje espectacular en la muela de Borja, era destrozado por una señora octogenaria sin conocimiento reglado suficiente de arte, ni mucho menos de restauración.

Curiosamente la propiedad permitió y avaló el trabajo atentado al patrimonio histórico-artístico, y nadie le ha pedido responsabilidades por el atropello al patrimonio y la conculcación de la normativa que impone a la propiedad el deber de protección de estos bienes.

Lejos de avergonzarnos como sociedad por la incultura e impericia permitida, el grotesco resultado en que ha quedado la pintura es motivo de orgullo en Borja y se promociona como atractivo de una bella ciudad que atesora un rico patrimonio conventual, religioso, urbanístico y palaciego por su rico pasado más que bimilenario en un entorno natural privilegiado en un punto de encuentro de las estribaciones de las sierras ibéricas y el Valle del Ebro.

Puede ser Arte Contemporáneo, y tal vez figurar incluso en el Museo Reina Sofía, pero dentro de un Monasterio como una obra religiosa… no encaja.

Cascarullas o cascarillas aragonesas que no llegan a tapar

Cascarullas me dijeron de niño que se llamaban. Luego entendí que existían las cascarillas, pero tampoco eso era exactamente eso. Las cascarillas no son lo mismo que las cascarullas, o no se utilizan siempre para lo mismo.

Las cascarullas pareces ser lo mismo, pero en aragonés de la Ribera, son porciones de “algo” o láminas de metales con los que se recubre alguna cosa. No son solo las pieles de los frutos secos.

Efectivamente con aquella cascarulla gris azulada era imposible cubrir el boquete, pero me gustó la cercanía de lo viejo y podrido y su posible solución. 

Volverse podrido siempre es una hostia. Lo podrido se cae al suelo.

Arte Urbano en Zaragoza Luce

El llamado Festival Zaragoza Luce, el primer festival que aúna arte urbano con luz y movimientos luminosos y sonoros en la ciudad de Zaragoza, ha sido un gran éxito de público y de calidad en la gran mayoría de sus ocho representaciones o intervenciones.

Un éxito del Ayuntamiento pero a su vez de los artistas y de los ciudadanos que han acudido a las calles a contemplar estas obras, algunas realmente a la altura de lo mejor del mundo en Arte Contemporáneo Visual.

Personalmente las obras de los alrededores de la Plaza del Pilar y el Puente de Piedra y la de la plaza del Justicia han sido trabajos muy bien realizados. Javier Riera, Vendel & de Wolf, Louxor Spectacle y Quiet Ensamble son trabajos excelentes que sobrepasan lo que en Zaragoza hemos visto en otras ocasiones. Hablo de Arte Urbano de alto nivel.

No desmerecen los trabajos de Toni Arola o de Néstor Lizalde, y me ha costado más entender el de Gustavo Omedes. 

Es el Primer Festival Zaragoza Luce, y sin duda solo cabe desear que sigan con un segundo y un veinteavo. 

No era cínico, es que estaba muerto

Un ave de pico largo y contundente nos recibe al entrar en la calle. No hay peligro, lleva sombrero de copa y eso garantiza su buena educación. Y su ligera sonrisa cínica, que también nos enseña que es inteligente. Solo los muy listos saben ser cínicos con una sonrisa en la boca.

¿Os habéis dado cuenta de que tiene el cuello cortado de un solo tajo? ¡¡Dios mío!!, se lo han cargado.

Arriba. Siempre mirando arriba

Sí, es verdad, hay que mirar arriba, siempre arriba está por lo debemos ver. Abajo está el suelo, los suelos, y es verdad que hay que ir cuidando de mirar ligeramente al suelo, sobre todo para no tropezar y darte una buena hostia, pero lo sustancioso, la chicha de la vida está arriba. O casi siempre está arriba, que esa es otra forma de ver las cosas.

René Magritte y su deseo de que se empezara a pensar en las violencias que venían a Europa

De alguna manera el Arte siempre detecta movimientos sociales antes de que estos se produzcan, puede parecer lógico si atendemos a que los artistas son personas muy formadas en la mayoría de los casos, y están muy atentos a lo que sucede a su alrededor.

En los años 30 tendríamos el ejemplo más lógico y real de aquellos presentimientos de guerra y violencias. En enero de 1938 la Galería Beaux-Arts presenta una retrospectiva del Arte Surrealista en París con los más reconocidos artistas de aquellos años anteriores.

Son 314 obras de 63 artistas distintos, todos surrealistas, de 16 países y con 170 documentos sobre las mesas de exposición explicando qué era el movimiento Surrealista y por qué surgía.

Toda aquella exposición era una puesta en escena teatral, con puertas giratorias que obligaban a moverse con linternas si los espectadores querían leer los documentos, y con 1.200 sacos de carbón por los techos que acompañaban a maniquíes y a gritos desesperados que se ponían en el ambiente de las salas.

Era una demostración de los peligros del momento. Un grito de los artistas del momentos, que advertían de lo que ellos estaban intuyendo. España ya estaba en guerra, había entrada claramente una fuerza nueva, un Eje de fascistas alemanes, italianos y españoles dentro de una Europa que parecía querer mirar a la nada.

De aquella exposición es esta obra que os dejo arriba de René Magritte. Estaba hecha unos años antes, en 1927 y la tituló "La sombra terrestre" o "L'ombre terrestre". Simplemente buscaba Magritte que las personas de aquellos años se hicieran más sensibles a la realidad que ya se anunciaba, y que empezaran a pensar que se tenía que cambiar si se quería evitar los desastres. 

Julio González y su escultura Pequeña máscara barroca

Es una pequeña máscara barroca (así la llamó) del escultor catalán Julio González Pellicer, realizada entre los años 1927 y 1927 en hierro cortado y soldado. Escultura cubista de algo menos de 13 centímetros de altura con claras influencias artísticas de su amigo Picasso.

San Sebastián y el Arte Urbano en Donostia

No hay duda, una escultura en una fachada a media altura en cualquier ciudad, impresiona, es un Arte Urbano que busca mucho más que decorar una calzada o un parque.

Esta obra de Arte está en San Sebastián, entre las calles más visitadas de la ciudad de Donostia y no precisamente por ir de iglesias. O sí. 

Es un ejemplo de excelente uso del Arte Urbano como motivo de lo que cada uno quiera entender, sin molestar ni a peatones ni al tráfico, pero interviniendo en el urbanismo para darle personalidad.

Un ratón con una maleta de dineros

Una de las constantes del grafiti son las críticas políticas y sociales. Utilizar el Arte Urbano para decir aquello que no se dice con la misma claridad o creyendo que no siempre llega a todo el mundo.

Da igual si es en periodos de dictadura o de falta de libertades, o en países y sociedades en donde hay libertad. En los primeros países hay muchas ganas de expresarse, pero como están más reprimidas esas opciones, no siempre hay valor y oportunidades sin riesgo de hacerlo.

En los países con libertad no hay tanta necesidad pero hay más opciones de hacerlo sin peligro.

La huella de la persona que ya no existe, nos mira

Jugando con las basuras de los edificios muertos, con una escalera que ya no existe pero quedan sus huellas, alguien ha optado por darle vida gráfica, en un toque de imaginación y de naturalidad. 

Es como si solo quedaran ya las huellas, incluidas las de las personas que subían y bajaban. Es Murcia pero podría ser cualquier otro lugar. Incluido el detalla de que la sombra o la marca de la persona que ya no existe, nos mira.

Yayoi Kusama y su particular mundo

De alguien que es capaz de imaginarse un mundo así, podemos esperar en el Arte cualquier intervención. Es el caso de la artista japonesa Yayoi Kusama, a la que hemos visto crear obras planas, esculturas, instalaciones o performance con suma facilidad.

Sus obras, dentro de un particular expresionismo abstracto y Arte Pop muy actual se mueve entre esos mundo oníricos del surrealismo abstracto que impregnas toda su carrera buscando un Arte Visual que sea además de personal, único y con mucha personalidad.

Con serios problemas de salud vive internada en un hospital desde donde ya muy mayor se dedica a escribir poesía y novela surrealista. 

El punto medio, es el punto miedo

Dice esta pintada vista en Madrid que: El punto medio, es el punto miedo. Es una buena marca textual casi filosófica, de actitud ante la vida. ¿Debemos quedarnos en el punto medio?

Pelear por ser mejores está bien, pero si somos capaces de marcarnos un punto que está más allá del punto medio, está mejor. Hay que pelear por todo, tener la meta del máximo, y luego ya iremos viendo.

Curiosamente en las calles puedes encontrarte con frases que te recuerdan casi a palabras de auto ayuda. El Arte Urbano o el grafiti también sirve para hablar con los viandantes.

Libro de Horas de Isabelle Marguerite de Willerval

Los llamados Libros de Horas eran libros religiosos que se hacían por encargo y de forma artesanal, escritos y dibujados a mano, para las grandes familias poderosas de la Edad Media. En España y en la Europa católica fue algo muy habitual, sobre todo entre las mujeres de la Corte o de familias con poder territorial y económico, y los utilizaban para rezar como si fuera una Biblia personalizada.

Este dibujo, esta ilustración es del Libro de Horas pintada por el maestro escritor de y para Isabelle Marguerite de Willerval, nacida en el año 1380.

Este Libro de Horas ricamente iluminado con 13 miniaturas grandes, nos muestra una mirada de la devoción femenina en la Francia del siglo XV, combinando el esplendor de las Cortes europeas con la contemplación tranquila. 

Creada por el prolífico Maestro de Marguerite de Willerval, esta copia ricamente iluminada ejemplifica el estilo característico de la producción de manuscritos bretones del siglo XV. 

El Maestro anónimo tenía su sede en Rennes, en el ducado de Bretaña, y a veces se repetía escenas religiosas con diferentes variables, lo que permite saber desde qué talleres se hacían los Libros de Horas.

Puerta en bronce de la Catedral de la Almudena en Madrid

El 15 de junio de 2018, antes de comenzar la Misa de Acción de Gracias por el 25 aniversario de la dedicación de la catedral, el cardenal Carlos Osoro, arzobispo de Madrid, abrió la puerta central de la catedral de la Almudena de Madrid situada frente a la fachada de Palacio Real. No es esta que vemos arriba, que es un lateral.

Son tres puertas monumentales de bronce realizadas por Luis Sanguino en el año 2000 en conmemoración de un Año Jubilar que también fue muy significativo para la catedral de Santa María la Real de la Almudena.

Recuerda esta puerta que vemos arriba el día de la inauguración de la Catedral por el Papa Juan Pablo II, el 15 de junio de 1993, con imágenes de los Reyes de entonces, de doña María de la Mercedes, madre del Rey Juan Carlos I, y el entonces arzobispo de Madrid, Ángel Suquía.

Es Arte, no hay duda, es Arte Urbano, tampoco hay duda pues están en la calle, son tremendamente majestuosas e impactantes pues sus relieves son muy profundos y además intentan contarnos algo de la historia de la propia catedral y de España.

La Nevada. El Invierno de Goya

La obra La Nevada o también llamada El Invierno, de Francisco de Goya nos relata una escena típica invernal, con fuerte viendo, que aunque vestidos con ropas castellanas, pues iban a ser colgados en el comedor de los Príncipes de Asturias de aquellos años, el que luego fue Carlos IV, parece un paisaje del norte de Aragón.

Era un total de trece tapices pues este era un cartón para luego realizar el tapiz, y la temática iba a ser las Cuatro Estaciones. Pintado al óleo sobre lienzo en 1796, nunca llegaron a colgarse como tapices por la muerte del Rey Carlos III que era quien los encargó. Su tamaño era muy grande, casi tres metros de anchura.

Vemos tres animales acompañando a cinco hombres tapados por el frío y el viento. Un enorme cerdo, el burro y el perro parado y observando la escena.

Algunos estudios sugieren que en la obra hay un autorretrato de Goya, que sería el rostro de la izquierda de los tres hombres que se tapan con mantas blancas.

Violencia con frases de Arte Street

El Arte Urbano, el Art Street es una forma de quejarse a veces dura e incluso sin sentido. No siempre es ejemplar. Y este es uno de los ejemplos.

"Queremos disturbios… no trabajo"

La frase es dura, violenta, negativa y no ofrece alternativas válidas, ni soluciones a ninguna de las problemáticas que quien las ha escrito seguramente percibirá.

Sin trabajo no puede funcionar nada, otra cosa es la calidad del trabajo, la realidad laboral de cada tiempo. Y querer disturbios en vez de trabajo es negar la soluciones. ¿Qué se espera lograr con los disturbios? ¿Más disturbios? ¿Mejor trabajo? ¿Nada?

¿Qué es el Arte? ¿Qué separa el Arte de la Vida?

El catalán Antoni Muntadas llegó al Museo Reina Sofía a finales del año 2011 con una exposición que recorre su dilatada carrera, titulada 'Entre/Between', uno de los pioneros del arte conceptual y de medios. 

Una muestra que no pretendía ser una retrospectiva al uso ya que "el proceso es más importante en su obra que el resultado".

Fueron mostradas cuatro décadas de trayectoria en las que Antoni Muntadas había utilizado la performance, el video, la fotografía, las instalaciones multimedia, publicaciones, internet o el arte público para tratar asuntos clave de nuestro tiempo.

Según explicó Daina Augaitis, comisaria de la exposición, destacó los cuatros aspectos fundamentales en la obra de Muntadas: las estructuras visibles e invisibles de poder, el espectáculo de los medios de comunicación, la naturaleza del hiper consumo y el impacto de las nuevas tecnologías.

Desde 1971 Muntadas vive en New York complementando su labor creativa con las clases como profesor, hasta su jubilación. En esta fotografía vemos un guiño a esas propuestas clásicas de profesor de Arte. ¿Qué es el Arte? ¿Qué separa el Arte de la Vida?

Solo una palabra sirve para quejarse

No siempre es fácil entender lo que escriben otros, y no me refiero a Camilo José Cela, sino a gentes de la calle, que están en el otro extremo de la literatura.

En un contenedor han puesto esta palabra. En teoría lo que intentan decir es que se vaya fuera el contenedor de donde está, sería entendible. ¿Sólo eso?

Sería pues un grito vecinal, un deseo a veces lógico, pero es un contenedor en donde guardan las herramientas y se cambian de ropa o utilizan como wc, los trabajadores de una obra pública cercana, que es posible están arreglando desperfectos urbanos.

¿Sólo FUERA? Algo más tiene que haber.

Siguen existiendo los relojeros. Arte de Calle

Queremos escribir y saber la hora. Es un anuncio en Madrid de una relojería. Pero realizado con el gusto de llamar la atención utilizando el Arte Urbano. Es como un anuncio muy antiguo, para una relojería que en estos tiempos de relojes sin agujas, necesita recordarnos que el servicio de reparación sigue existiendo.

Goya y San Gregorio Magno

Francisco de Goya en su periodo de creación de obras religiosas hizo algunos cuadros muy interesantes desde el unto de vista artístico. Por encargo de no se sabe bien de quien, hizo una serie de cuatro Papas y el que vemos es San Gregorio Magno.

Esta pintura hecha entre 1796 y 1799 y de casi dos metros de altura al óleo sobre lienzo y pertenece al Museo del Romanticismo de Madrid.

Vemos al Papa vestido con sus ropas de gala, con tiara y capa pontificia, con un rostro claramente muy expresivo y pintado a brochazos muy libres, como hacía todas las obras que se iban a ver a cierta distancia y en lo alto en relación al espectador.

Pintado posiblemente en Sevilla tiene una cierta influencia del artista Murillo y como comentaba antes formó un grupo que lo complementaban los Papas: San Ambrosio, San Agustín y San Jerónimo. Es un tipo de obra muy similar al que podemos ver en San Antonio de la Florida.

Vemos a San Gregorio Magno escribiendo pues fue un Papa que dejó muchos tratados religiosos y de meditación.

Gritemos por la Paz, incluso los adultos

A veces una pequeña palabra marca el contexto del mensaje. Esta pegatina fue un ejercicio escolar que llegó a exponerse en una sala de exposiciones por su calidad de conjunto. Niños y niñas simplemente escribieron sus deseos y los colgaron en la pared de sus clases.

No es Arte Urbano, sí es Arte Gráfico y el inicio en pequeño de la necesidad de expresarse.

Son mensajes de calle, son gritos, son necesidades que ya desde muy niños van necesitando a base de escuchar a los adultos. Niños occidentales que viven en países en Paz. ¿Qué dirían los niños que viven en países en Guerra?

En tiempos de turbulencias y grandes dudas mundiales, cualquier grito por la Paz es bien venido.

Puerta de Servicio, con cartel que avisa

A veces el Arte Urbano se convierte en Textos Curiosos o incluso asquerosos. Hay textos gráficos por las calles que demuestran una falta de humanidad que asombra.

Esta Puerta de Servicio parece  inventada hace siglos y no precisamente en España, pero es de Madrid y de ahora mismo, del siglo XXI. ¿Quien entra por la puerta de servicio? Pues los criados.

Podríamos llamarlo como quisiéramos, pero las personas que tienen que entrar por allí ya saben que aquella es la Puerta de Servicio. No haría falta advertirlo.

Nos quedan los repartidores, que ahora son un abuso más de estos tiempos. Esos solo entrar de tiempo en tiempo, pues cambian. Pero se podría poner un número, una letra, una advertencia que no fuera tan explícita.

En fin, es normal que en las calles haya todavía esa diferencia de clases, aunque no nos guste nada de nada. Así nos va a todos, incluidos los que entran por la puerta de verdad.

Necesitamos escribir con rabia y dolor

Necesitamos escribir en donde se nos lea aquello que nos duele. Escribir es sacar los monstruos que llevamos dentro. Y por eso la sociedad no se calla.

Con la violencia contra las mujeres lo que realmente se quiere decir es que ya vale de esa violencia contra las personas que se consideran más frágiles. 

Los monstruos hieren a las mujeres por verlas más fáciles de herir y a su vez más suyas, como si fueran mercancía que se puede romper o tirar.

Somos seres humanos, pero es verdad, no todos somos igual de humanos. 

Necesitamos muchas más educación desde la niñez, educación humanista, de seres humanos a seres humanos.

Mientras tanto, seguiremos gritando por las aceras, seguiremos dejando mensajes de dolor, de rabia, de lágrimas por la incapacidad para dominar a las bestias.

La importancia de las sombras en la escultura

Esta es una cuestión muy sencilla de preguntar y muy complicada de responder. Lo sé de entrada aunque parezca obvia la respuesta.

En una escultura… ¿qué es más importante la figura o la sombra?

Todos diríamos que la figura, la propia escultura, lo que realmente hace el artista levantando una idea en relieve. Pero todas esas respuestas también acompañan a la sombra.

Las esculturas necesitan una buena iluminación, y según como sea esa, veremos una cosa u otra. Me da igual pensar en esculturas leves y sencillas como el ejemplo que os pongo que si hablo de la cabeza de Machado hecha por Pablo Serrano.

En todos los casos las esculturas viven de sus sombras. Las que se proyectan en el suelo o la base, y als que proyectan dentro de sus propios detalles escultóricos. 

Y eso me lleva a la segunda duda. También ya resuelta. Una escultura al aire libre, una escultura urbana, va cambiando de punto de vista según va cambiando la luz, el sol y sus sombras. No se ve igual un día nublado que a diferentes horas del día con sol.

Volvemos a entender que la luz es fundamental para disfrutar de la escultura. Incluso el tipo de luz, el color o la temperatura de esa luz, para poder configurar los relieves y las sombras.

Somos muy pocas las personas activas en España

Comentaba sabiamente el periodista Iñaki Gabilondo en su último libro que en España hay un millón de personas que mueven hilos, leen o van al cine, compran revistas o acuden al teatro, se apuntan a una ONG o son activamente críticos. 

Un millón de activos, nos guste o no, nos parezcan muchos o sean realmente pocos. De 49 millones que somos, solo uno deja fuera a 48 millones.

Un millón y no hay más, los que pueden leer esto, los que escriben, los que van de restaurantes o exposiciones, los que se quejan o ayudan, los que viven. 

El resto sobrevive a duras penas y conlleva la mochila encima sin más solicitud que ir pasando. Es bueno saber el número, que es el que realmente mueve a España hacia un lado o hacia otro. 

En Zaragoza nos tocan 20.000 personas.

Es simplificar esto a límites crudos, pero es lo que hay y es bueno saberlo. Somos 20.000 en mi ciudad, un millón en España, tú y yo entre ellos, que vivimos, que no nos conformamos con sobrevivir solo. 

Que siempre estamos insistiendo en que tenemos que ser más, que hay que hacer más actividades, que hay que…, pero si solo somos un millón.

La inmensa mayoría de la gente no puede engancharse ya a esta vida de ¿lujo? que tenemos tú y yo, a esta posibilidad de disfrutar de todo lo que nos rodea, de conocer las modernidades que ellos escuchan, de participar y de modificar, de interactuar y saber ver. 

Sí, es un lujo poder diferenciar un buen libro de un panfleto, de lograr un movimiento interior mientras vemos Arte o escuchamos una música, de saber disfrutar de una conferencia o de una tarde aprendiendo algo nuevo. 

A mi me parecen pocos, pero si lo pienso más de cerca, si me bajo a la calle y me pongo a contar, me salen incluso menos, yo debo moverme en círculos flojos, sí. 

De momento agradezco al que se ha puesto a contarnos en que me haya incluido, el que te haya incluido a ti. Pero somos pocos.

El asesino de su patrimonio. Posiblemente las últimas esculturas

Adrián Villar Rojas, un artista visual argentino explicaba esta obra con una contundente frase. "Yo quería imaginar en ella el trabajo realizado por los últimos seres humanos que hacen arte, antes de la extinción de la raza humana".

Este montaje de nombre “El asesino de su patrimonio” realizado en barro sobre armazón de cemento y madera, muestra un grupo de gigantes que representarían la última expresión artística en un mundo sin seres humanos. 

Sobre un espacio de unos 25 metros cuadrados y empleando la altura de las esculturas y la iluminación para darle más relieve, nos hace entrar en un mundo final, acabado, fantasmagórico, en lo que podrían ser las últimas esculturas sobre la Tierra.

La publicidad urbana, siempre por ambas caras

Hay veces, muchas, que la publicidad es mayor que las personas. En tamaño, en capacidad de saber elegir los mejores espacios, en colores y frases, para que nadie que pase cerca pueda decidir no mirar.

La publicidad es cara y por eso intenta aprovechar los espacios y mensajes, pero no lo será tanto, cuando crece.

Por si hay duda, esta publicidad urbana funciona bien si está en ambos lados del mupi, para que nadie se escape.

Arte Urbano en Londres, desde el Poder

El Arte Urbano tienen tantas opciones como quieran los que van mandando y gestionando los espacios comunitarios. Muchas veces a nivel histórico, con el deseo de prepotencia y poder, en un deseo de querer dejar constancia desde las propias fachadas de qué familia es y de cuanto poder tienen en todas sus acepciones.

Cuando hemos logrado conservar esos ejemplos, tenemos ciudades cuidadas y con sabor propio, artístico e histórico. Este ejemplo es Londres. Es una belleza disfrutar de lo mismo que contemplaban hacen siglos los antepasados londinenses.

Arte Urbano en el nombre de un local de noche

Nos dicen que aquí empezó la noche, nos lo advierten para que entremos y ya sabemos, dentro está el inicio y la noche, fuera el resto, todo lo demás.

La publicidad se compone de muchos ítem o posibilidades. Y el título de los productos o servicios es uno de ellos. Saber buscar un buen título es un primer paso hacia el éxito. Luego, claro, hay que mantener la calidad. No defraudar.

El Arte Urbano se compone de tantas opciones, que los carteles fijos son un buen termómetro para saber en dónde te encuentras.