El Arte Americano de principios del siglo XX (2)

Escribía el otro día sobre el Arte Americano en el siglo XX, o incluso mejor dicho, den la primera mitad del siglo XX para no meterme en exceso con la pintura contemporánea. Y ofrecía los nombres de seis pintores y pintoras que podrían representar bien el Arte Americano, tres para los EEUU y tres para Iberoamérica.

Enseguida nos surge la idea de intentar saber si ese Arte Americano, si estos movimientos pictóricos o de artistas muy conocidos, bebieron excesivamente del Arte Europeo, o fueron capaces de crear desde sus respectivas experiencias propias por una sociedad diferente a la europea

Explorar esa tensión entre la influencia europea y la búsqueda de una voz propia, en unas décadas en las que el florecimiento del Arte Europeo estaba en unos tiempos de profundos cambios es importante. Creo.

Sería como preguntarnos si un músico de jazz aprendió escalas clásicas pero luego crearon ellos solos completamente desde la nada y de sus experiencias, nuevos inspirados en su ciudad y su vida. 

La música como todo tipo de Arte, se construye desde las propias experiencias de los lugares y su influencia sobre los artistas. Veamos pues algunas preguntas sobre los mismos seis artistas.

Norteamérica: Entre la Inspiración Europea y la Realidad Propia

Impresionismo (Mary Cassatt): Veremos cómo se conectó con el movimiento parisino, pero ¿qué la hizo distintivamente americana en su enfoque?

Realismo Americano (Edward Hopper): Analizaremos si su mirada a la vida estadounidense fue una evolución de corrientes europeas o una ruptura para capturar una sensibilidad nueva y local.

Modernismo Americano (Georgia O'Keeffe): Exploraremos su camino hacia un lenguaje visual único, ¿fue una respuesta a las vanguardias europeas o una inmersión en el espíritu y paisaje americano?

En cada caso nos preguntaremos en el futuro: ¿cuánto de "copia" o "inspiración directa" hay y cuánto de "creación original" basada en una sociedad con experiencias distintas a la europea?

Latinoamérica: Forjando Identidad desde la Vanguardia y la Tradición

Muralismo Mexicano (Diego Rivera): Investigaremos sus estudios en Europa y cómo los fusionó (o transformó) con las raíces precolombinas y las urgencias sociales de México.

Modernismo Brasileño (Tarsila do Amaral): Profundizaremos en su famosa idea de "deglutir" la cultura europea para producir un arte con sabor auténticamente brasileño. ¿Cómo se come el arte europeo para hacerlo propio?

Constructivismo y Universalismo Constructivo (Joaquín Torres-García): Descubriremos cómo integró las ideas de las vanguardias geométricas europeas con símbolos y filosofías de las culturas originarias de América.

Aquí también, el foco sería preguntarnos de forma compleja: ¿cómo se digirieron las influencias externas desde Europa para construir una identidad artística que reflejara las complejas realidades y aspiraciones de sus sociedades americanas? Seguiré indagando.

Como ejemplo dejo arriba una imagen de un cuadro de Georgia O'Keeffe, titulado: Reflexión o Reflejo, artista conocida especialmente por sus pinturas de flores, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México, llenas de colorismo potente y primario, y reconocida como la madre del modernismo estadounidense. Una artista que nunca se formó artísticamente fuera de América.

Espacio de Trabajo de Jermaine Gallacher

Los Espacios de los Artistas son Arte en sí mismos. Esos mundos construidos por artistas y sobre los que viven, trabajan o se mueven, suelen ser obras de Arte propias, representativas de ellos mismos.

Esta zona es de Jermaine Gallacher al que le hacen un reportaje en el diario El País. Es un espcacio taller que está en Londres. Es un Artista que decora, hace interiorismo, edita una revista "Ton", y simplemente enseña arte de otros artistas, para disfrutar todos.

Vive con y dentro del Arte, vive del Arte, sueña con el Arte y con el buen gusto. Nos dice que no sabe explicar bien qué hace, pero lo que observamos es que sabe trabajar los muebles y los espacios, los colores y las luces, la posiciones de los objetos sobre todo lo que les rodea. Es decir, Jermaine Gallacher podría ser un interiorista que ha dado un paso más allá para convertir el interiorismo y la decoración en un Arte.

Habla de la energía de los objetos, yo me atrevería a añadir que debemos hablar también de la energía de los espacios, de la sumas y restas de elementos en todos esos espacios, de la energía de la luz y del color, bien encajados.

Son sumas leves, de esas que no se notan, pero que nos indican en donde está la excelencia de lo sencillo, de la que no tiene valor, pero que al agruparse, suma esos valores hasta multiplicarlos.

Los Budas de Bāmiyān o Bamiyán

La humanidad es capaz también de los fracasos más estrepitosos y uno de los ejemplos más tristes que todavía se mantienen es el de Afganistán y sus barbaridades sociales. El Arte es de lo más sencillo que existe para sufrir los desmanes de los imbéciles. Para ser destruido como nos lo atestiguan las Historias de siempre.

Los Budas de Bāmiyān o Bamiyán fueron unas esculturas creadas en la roca de unas montañas de Afganistán, a 2.500 metros de altitud, posiblemente en el siglo V esculpidos en arenisca y con unos añadidos para sacarles detalles que se hicieron con barro y paja. Estaban en sus inicios pintados, aunque de eso ya no se conservó hasta que fueron destruidas.

En esos lugares existían varios monasterios budistas, y un gran centro para la religión, la filosofía, y el arte greco-budista, y se convirtió en un gran lugar de peregrinación de los devotos budistas desde el siglo II, y hasta el tiempo de la invasión islámica en el siglo IX.

De todo aquel lugar destacaban las dos esculturas de Buda, gigantes pues medían 55 y 37 metros de altura, y estaban reconocidas por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad.

En el siglo XII los musulmanes al conquistar Afganistán vandalizaron las estatuas, destruyendo sus rasgos humanos. Pero no fueron capaces de destruirlas del todo y se salvaron las pinturas de la zona, unos frescos en mal estado de conservación. 

En marzo del año 2001 el régimen islámico talibán las bombardeó y las destruyó definitivamente pues las consideró ídolos contrarios al Corán. Hoy queda el hueco, hay intentos por reconstruirlos, se proyectan en su interior a veces las imágenes de los Buda destruidas para que las vean los turistas, pero ya nada puede salvar la realidad humana.

Hechos como este nos obliga a preguntarnos si es lógica la decisión de que las obras de Arte históricas, las que no pueden ser propiedad de nadie, las que incluso en su lugar de origen no son patrimonio solo de los actuales habitantes, deben estar en lugares mal protegidos, aunque sean los de origen. 

No es posible trasladar grandes obras como los Budas de Bamiyán, pero sí obras pequeñas que en este siglo XXI se están devolviendo a sus países originales, no siempre con la seguridad de que en la historia próxima, sean bien conservados. La ONU debería legislar con inteligencia histórica sobre esto.

Pinturas budistas en las cuevas de Ajanta

Las pinturas de las cuevas de Ajanta en la India son un ejemplo muy antiguo de pintura religiosa, budista en este caso, en donde se pueden ver las primeras representaciones de Buda de las que se tiene conocimiento.

Las 29 cuevas empezaron a excavarse en el siglo II a.C., por el auge del budismo en la India, y sus obras terminaron en el siglo VII d.C., cuando esta religión entró en decadencia. Casi 900 años de obras maravillosas que nos han llegado a la posteridad.

Su máximo esplendor tuvo lugar bajo el mecenazgo de los emperadores Gupta del norte de la actual India sobre los siglos IV-V d.C., y continuó con la dinastía Vakataka del sur, desde el siglo VI d.C.

Situada la zona a 800 metros de altura, está bien protegido de posibles asaltos, pero a la vez se encuentra en el centro de las rutas comerciales. Se descubrieron en el siglo XIX.

Cinco de estas cuevas son chaytas o templos y el resto más pequeñas son viharas o monasterios, y todas fueron excavadas en la roca por los monjes que se iban asentando en la zona, en unas difíciles condiciones.

Los templos contienen espléndidas esculturas talladas en la piedra, Budas durmientes, altas columnas recorridas por abigarrados frisos de personajes, elefantes inmensos que flanquean las fachadas, etc. Los monasterios con unos interiores más austeros en cuanto a columnas o esculturas, están decorados con unas magníficas pinturas que constituyen el mayor tesoro de Ajanta

janta se convirtió en un importante santuario, enriquecido con las donaciones de los peregrinos. Pero desde el siglo VI d.C. albergó tan sólo a una pequeña comunidad de monjes, que continuaron viviendo allí hasta el siglo VIII d.C., en que fue definitivamente abandonado.

Las pinturas en los muros representan episodios de la vida de Buda y de sus reencarnaciones, compasivos bodhisatvas que han alcanzado la iluminación, bailarinas celestiales o escenas de corte.

Todas las figuras, como sucede en otras representaciones cristianas de siglos posteriores, expresan una espiritualidad destinada a despertar la devoción de quienes las contemplaban y servían también para una explicación de las religiones en unos tiempos en los que no sabían leer la mayoría de las personas.

La fotografía de este mural es de la colección que hizo Sr. Banoy K Behl

El Arte Americano de principios del siglo XX (1)

El Arte Americano ha crecido, se ha conformado o al menos lo ha intentado, fuera de las indicaciones del Arte Europeo. Cosa complicadísima. Vamos a empezar a conocer algo de solo seis artistas americanos de hasta mitad del siglo XX, pero empezar a adentrarnos un poco en este tema. Son solo seis, elegidos por su importancia que todavía conservan en este siglo XXI. Eso supone dejar atrás a muchos otros artistas, de momento.

América del Norte, principalmente EE. UU.:

Mary Cassatt (1844-1926): Una figura estadounidense clave del Impresionismo, célebre por sus sensibles retratos de la vida de mujeres y niños. ¡Supo hacerse un hueco en un París dominado por hombres!

Edward Hopper (1882-1967): El pintor de la soledad y la quietud en la vida moderna estadounidense. Sus escenas urbanas y rurales tienen una atmósfera inconfundible y un poco melancólica.

Georgia O'Keeffe (1887-1986): Considerada la "madre del modernismo americano". Es famosa por sus innovadoras pinturas de flores a gran escala, rascacielos neoyorquinos y los paisajes desérticos de Nuevo México.

De América Latina o América del Sur:

Diego Rivera (1886-1957): Uno de los "tres grandes" muralistas mexicanos. Sus enormes frescos, cargados de contenido social e histórico, narran la vida y las luchas del pueblo mexicano y tuvieron una influencia global.

Tarsila do Amaral (1886-1973): ¡Una verdadera pionera del modernismo en Brasil! Su obra es vibrante, llena de color local y fue fundamental en el movimiento "Antropofagia", que proponía "digerir" las influencias europeas para crear un arte genuinamente brasileño. Su cuadro "Abaporu" es un ícono.

Joaquín Torres-García (1874-1949): Este artista uruguayo fue un visionario que llevó el constructivismo a América Latina. Creó el "Universalismo Constructivo", una filosofía y estilo que buscaba integrar el arte moderno con símbolos ancestrales americanos.

Estos seis artistas ofrecen una ventana increíble a la riqueza y diversidad del arte en las Américas durante esa época. Cada uno tiene una historia y un impacto que merece la pena explorar.

La imagen que vemos es de la primera artista de las nombradas, la norteamericana Mary Cassatt, un cuadro del año 1897 que tituló: Desayuno en la cama.

Una marina de María Gilardenghi

Dejamos el Arte más clásico, más histórico para adentrarnos por un instante en el Arte Moderno o Contemporáneo de la mano e la artista catalana Maria Gilardenghi.

Una marina original, con una técnica muy suya, sencilla y decorativa, que juega con los espacios y los contrapesos de las formas para llenar los espacios.

Incluso a veces juega con los blancos para reforzar los cían del cielo, dejando vacío la parte inferior para obligarnos a mirar la zona alta.

La Huida a Egipto. De Goya

Esta estampa, este grabado de Francisco de Goya es el primero que hizo, o al menos el primero del que tenemos constancia, tras venir de Italia y ver estas técnicas más en profundidad, pues ya las conocía de sus años en Zaragoza en el taller de José Luzán. 

Esta: "Huida a Egipto" es sencilla pero ya se ve una gran maestría en el uso del buril para rascar sobre el cobre con líneas de diversos grosores para jugar con luces y sombras.

Es un grabado pequeño, al aguafuerte, de un tamaño similar a una postal, de unos 10 x 13 centímetros, que hizo sobre los años 1772 y 1774. Está firmada y no hay duda de su autoría. Puso él mismo en el grabado: Goya inv.t et fecit. Goya lo hizo y lo inventó, es decir, no era copia de ninguna obra anterior.

Tenemos en España esta impresión adquirida por el Estado en el año 2024, y se conservan siete ú ocho impresiones en total. Se intuye que fue un grabado de encargo, no sabemos bien si de alguna iglesia o alguna cofradía para poder vender impresiones devocionales y sacar las parroquias algunos ingresos extra.

Curiosamente esta impresión del grabado de Goya salió en este año 2024 a subasta a un precio base de 6.000 euros, y al enterarse España impidió que saliera de nuestro país y la compró el Museo del Prado.

La Aparición de la Virgen del Pilar a Santiago, de Goya

El cuadro de Francisco de Goya: "La Aparición de la Virgen del Pilar a Santiago y a sus discípulos zaragozanos" es una pintura al óleo sobre lienzo del joven Goya, pintada entre 1768 y 1769, de 80 centímetros de altura de propiedad particular de la Colección Pasqual de Quinto de Zaragoza.

Una obra para un oratorio familiar, que pasó desde la colección del amigo de Goya y banquero Juan Martín Goicoechea a los Condes de Sobradiel quien la traspasó a los actuales propietarios.

Es la única pintura de Goya que ha sido exhibida en Fuendetodos, lugar natal del pintor, el 14 de enero de 1996. A los numerosos ángeles que se ven en las escenas de la obra cabe destacar los que portan la Columna y en realidad a la Virgen del Pilar señalando la escultura que se orará a continuación, una imagen escultórica que vemos a la derecha y señalada por la propia Virgen que se encuentra a la izquierda de nosotros como espectadores.

La composición, en forma de pirámide será repetida por Goya a lo largo de su carrera, como en El bebedor y La pradera de San Isidro, de sus cartones para tapices, o en la pareja de esta misma temática y hecha posiblemente en el mismo tiempo, titulada: "Sagrada Familia con San Joaquín y Santa Ana ante el Eterno en gloria" que se puede ver pinchando en el texto anterior.

Hacía dónde avanzará el Arte en el siglo XXI?

Al reflexionar sobre el horizonte del arte hacia finales del siglo XXI, advierto un panorama donde la creación artística se verá marcada por la convergencia de tecnología, conciencia social y una pluralidad radical de lenguajes y soportes, que todavía no somos capaces de intuir. 

La tecnología, y en particular la inteligencia artificial avanzada, será una de las fuerzas motrices más influyentes. No solo como herramienta, sino como colaboradora creativa. 

Es posible que IA amplíe y desdibuje los límites de la autoría y la originalidad, complicando y mucho la frontera entre lo hecho por humanos y lo realizado por máquinas o con la ayuda de máquinas, en la producción artística. 

Este fenómeno, lejos de desplazar al artista, lo invitará a repensar su papel y a explorar territorios inéditos, generando debates sobre la autenticidad y el sentido de la obra y su propiedad intelectual en la era digital. 

La IA no es más que una herramienta más. La cámara fotográfica movió la línea del Arte Pictórico, pero la fotografía sigue siendo Arte aunque se realice con la ayuda de una máquina.

Paralelamente, el arte se volverá aún más interactivo y experiencial, gracias a la realidad virtual, la realidad aumentada y las instalaciones inmersivas que logren engañar a los humanos o a sus sensaciones corporales. 

El espectador dejará de ser un mero observador para convertirse en partícipe en la creación de lo que observa, participando activamente en la construcción del significado, moviendo él y sin querer aquello que estará observando, que le estará influyendo. 

Las plataformas digitales democratizarán el acceso y la difusión, permitiendo que voces de personas muy diversas y periféricas dialoguen en igualdad de condiciones con los grandes centros de producción cultural. 

Podríamos decir, que si queremos, se asistirá a una Democratización de la Creación Cultural y Artística. Se abrirá la Cultura a la Normalidad habitual.

La preocupación por el medio ambiente y los desafíos sociales será otro eje central. Hoy ya, en 2025, el Arte tiende a ser más consciente y comprometido, abordando temas como la sostenibilidad, la igualdad de género, la migración y los derechos humanos. 

Los materiales y procesos ecológicos ganarán protagonismo, y la obra artística se asumirá como agente de transformación social, no solo como objeto estético. 

Pero eso en realidad, tampoco supondrá un gran cambio novedoso, pues en las primeras décadas de este siglo ya se está abriendo mucho el Arte y la Cultura al mundo occidental al menos. 

Tal vez lo complejo será mantenerlo y avanzar. Que no haya fuerzas externas a la Cultura, que intentan dar marcha atrás, para volver a situaciones más controlables por los que ostentan el Poder.

Por último, la globalización y la hibridación cultural continuarán enriqueciendo el vocabulario del arte. La pluralidad de estilos, técnicas y narrativas será la norma, y el arte del futuro será, ante todo, un espacio de encuentro y de diálogo entre identidades diversas. 

El arte avanzará de nuevo hacia la innovación tecnológica, la conciencia social y la diversidad, aunque ahora no podamos imaginar qué supondrá esto. Habitualmente siempre nos parece que es imposible cambiar y avanzar, pues lo que disponemos en cada momento nos parece lo máximo alcanzable.

El arte de finales del siglo XXI no es hoy predecible, pero sabemos que será un campo abierto a esa experimentación desconocida, a la crítica social y a la reinvención constante de marcos de diálogo, fiel reflejo de un mundo en perpetua transformación.

Las esculturas también se duchan, sin dejar de hacer su trabajo

Este San Jorge se estaba duchando mientras atacaba con desahogo al dragón malvado. 

Tanto le estaba durando su ducha que se había formado verdín a su alrededor, pero eso no me importó lo más mínimo.

Lo realmente importante en todo esta escena era lo mucho que duraba el dragón en torcer la cabeza y quedar definitivamente hundido. 

Llevaba el dragón sufriendo mismo tiempo que San Jorge en intentar matarlo, y a su vez la ducha… en seguir sacando agua para limpiarles a los dos de la sangre vertida.

Hablemos del pan, pero super realista

El artista francés Jean Helion nos deja esta obra titulada "De vuelta al pan" y que realizó en el año 1952. Un óleo sobre lienzo de tamaño 116 x 89 cm. que se presentó en el año 2016 en la Feria de Arte TEFAT, en Maastricht. 

¿No es surrealismo puro, aun habiendo considerado a Jean Helion como un pintor abstracto? ¿Qué nos quiere decir con el título?

Catedral de Colonia, gótico en donde se veneran los Reyes Magos

Pocas iglesias impresiona más al verlas desde su exterior que la Catedral de Colonia en Alemania. Por su color negro, por su tamaño y esplendor, por su posición junto al río Rin, por su interior con la presunta tumba de los Reyes Magos, por ser la segunda catedral gótica más grande del mundo tras la de Sevilla. 

Una catedral que tardó más de 600 años en terminarse, lo digo para los que se quejan de la Sagrada Familia de Barcelona.

Pero si nos acercamos a las tiendas de recuerdos que hay junto a ella, veremos que se nos venden imágenes y postales de cómo quedó la Catedral de Colonia tras la II Guerra Mundial y entonces sabremos que es casi milagroso que se hay podido conservar hasta estas fechas.

Colonia es una ciudad para adentrarse en la vida alemana. No es la mejor, posiblemente, pero sin duda es una ciudad que hay que conocer y saborear con calma.

Las torres con sus 157 metros de altura, fueron hasta 1884 el edificio más alto del mundo. Está dedicada a San Pedro y Santa María y es el monumento más visitado de Alemania.

No olvide de visitar en Colonia algunas de sus famosas cervecerías, por cierto alguna muy cerca de la misma catedral y en donde podrá disfrutar de bebida, comida y ambiente típicamente alemán del de verdad.

La silla eléctrica, de Andy Warhol. Arte Pop

Esta es una serie de seis ejemplares diferentes (de 10 opciones que hizo con esta temática) de la clásica obra de Andy Warhol "Silla Eléctrica" o "Electric Chair" que empezó a producir casi en serie en el año 1963 aunque estos ejemplares son de 1971. 

Eran variantes de una obra que se basaba en una fotografía de prensa de la prisión de Sing Sing y que fue utilizada para ejecutar diversos presos en los EEUU. 

Andy Warhol estaba totalmente en contra de la pena de muerte y quiso utilizar el símbolo, multiplicado de forma artística por medios gráficos para abaratar los precios y que llegara a más gente su obra, dando forma a lo que se consideró obra Pop, de popular.

En varias de sus obras simplemente cambiaba, jugaba o modificaba las pantallas de serigrafía para obtener resultados diferentes pero sin utilizar bases técnicas distintas, sino utilizando las mismas herramientas y pantallas, pero añadiendo o cambiando colores, o el orden de estos a la hora de ser impresos. 

Era un Arte Comercial que utilizaba las Artes Gráficas y la impresión artística para acercarlas al Arte popular a través del Arte Pop.

El rey don Rodrigo arengando a los jefes de su ejército antes de dar la batalla del Guadalete

Este cuadro histórico del madrileño Bernardo Blanco y Pérez, lo pintó en el año 1871 al óleo sobre lienzo, y la tituló "El rey don Rodrigo arengando a los jefes de su ejército antes de dar la batalla del Guadalete". No es muy grande pues tiene 78 centímetros de anchura, para una gran obra con mucho detalle y un gran número de personajes. Se nota en su trazo que era un ilustrador y pintor.

Se encuentra en el Museo del Prado, y vemos al Rey Don Rodrigo sobre un carro con dos caballos blancos, arengando a sus tropas antes de la batalla.

Según los escritos de la época, el rey godo Don Rodrigo había acudido a la batalla sentado en su trono, que llevaba dos mulos, ceñido con su corona y cubierto con todas las joyas con las que se adornaban los reyes; y de esta manera intentó avanzar hacia la montaña donde estaba sentado Taric.

Esta famoso batalla tuvo lugar entre el 19 y el 26 de julio del año 711 (aunque algunas fuentes señalan el año 712) cerca del río Guadalete aunque también hay dudas del lugar exacto y cuyas consecuencias fueron decisivas para el futuro de la Península.

En esta batalla el rey visigodo Rodrigo fue derrotado e incluso se piensa que pudo perder la vida a manos de las fuerzas del Califato Omeya comandadas por Táriq ibn Ziyad. La derrota fue el comienzo de la rápida caída del Estado visigodo y la entrada en toda España de la dominación árabe. Los visigodos tenía un poder militar y una estabilidad social y política muy mermada por luchas internas por la sucesión al trono.

Elisa Soria Climente y su Forana

La artista zaragozana Elisa Soria Climente nos muestra en este dibujo que sirvió de portada para la ¿revista? digital The Zaragozian, que tituló "La Forana" un clásico cabezudo zaragozano, pero en este caso desde su particular punto de vista, en recuerdo a sus años infantiles cuando los cabezudos le parecían auténticos monstruos.

Elisa Soria está graduada en la ESDA de diseño de Aragón, y trabajo el diseño y la pintura, creando personajes e historias basados en su imaginación sobre los bosques de los Pirineos aragoneses.

En el año 2024 obtuvo el Primer Premio de Pintura en el certamen de 4Artes.

Podemos salir de un bloqueo creativo?

El bloqueo creativo puede ser una oportunidad para reflexionar, aprender y explorar nuevas direcciones en tu arte. Con paciencia y apertura, la creatividad siempre encuentra el camino de regreso. Podemos preguntarnos cómo reactivar la Creatividad Artística cuando nos quedamos bloqueados, sobre todo tras unos años creando Arte Pictórico que sin saber bien el motivo, ahora consideramos absurdo. Reactivar la creatividad artística tras un periodo de bloqueo, especialmente cuando nuestra obra anterior nos parece carente de sentido, es un proceso natural y que le sucede a muchos artistas. Hay estrategias y consejos respaldados por experiencias y expertos para volver a conectar con nuestro impulso creativo.

Aceptemos y comprendamos el bloqueo. Reconocer que el bloqueo creativo es común y forma parte del proceso artístico sería el primer paso que debemos dar. No hay que castigarnos por sentirnos estancado; incluso los artistas más experimentados pasan por estas etapas. Cambiemos de perspectiva e incluso del entorno de trabajo. El bloqueo suele ser una señal de que necesitamos un cambio. Debemos probar a pintar en un lugar diferente, en un espacio no habitual. El simple hecho de cambiar nuestro entorno puede lograr nuevas ideas y sensaciones.

Experimentemos con nuevos materiales y técnicas. Si llevamos años usando los mismos materiales, probemos con otros: cambia de acrílico a óleo o al revés, de pincel a espátula, o exploremos técnicas mixtas. A veces un nuevo medio puede abrir caminos inesperados y revitalizarnos. Hagamos ejercicios sencillos y sin presión, formas simples, patrones, manchas o lo que nos divierta, diferente a lo anterior y sin buscar resultados “serios”. El objetivo es recuperar el placer de crear sin expectativas. Busquemos inspiración fuera de la pintura. Entremos a otras formas de arte: escuchar música, leer literatura, ver cine o fotografía, asistir a exposiciones o eventos culturales. Explorar nuevas experiencias, viajar, conocer otras culturas y apuntando sensaciones.

Colaboremos y compartamos nuestras ideas con otros artistas. El intercambio de ideas pueden aportar perspectivas frescas. Participar en talleres, grupos de arte o proyectos conjuntos estimula la creatividad y rompe el aislamiento. El ejercicio físico, la meditación y el descanso ayudan a oxigenar el cerebro y a liberar tensiones. A veces, el agotamiento es la causa principal del bloqueo.

Seamos pacientes y amables con nosotros. El regreso a la creatividad puede ser gradual. No nos exijamos resultados inmediatos ni nos comparemos con nuestro “yo” pasado. Cada etapa es una oportunidad para crecer y descubrir nuevas facetas en nuestro arte.

Detalier Estudio Creativo nos ofrece un lujo

Hay trabajos artísticos que son efímeros o casi. Una obra de Goya dura siglos, al menos, pero un diseño gráfico dura lo que dura, que es más bien poco.

Esta portada es del Estudio Creativo Detalier o Detalier Estudio Creativo. Una portada de una revista zaragozana que es toda una obra de Arte. la portada y su interior. 

No debo añadir nada, ni opinar debo. Me encanta el diseño de esta imagen, el montaje para hacer esta fotografía o el diseño digital de toda ella, que ya al final resulta complicado asegurar nada.

Es un pequeño lujo observarla, es la modernidad rompiendo la antigüedad, y es de una belleza sencilla pero contundente. Un pequeño lujo.

Sí, creo que los pequeños lujos, son mucho más grandes que los Grandes Lujos.

Para qué sirve el Arte en el Siglo XXI?

El arte en el siglo XXI cumple múltiples funciones esenciales y se ha adaptado a los profundos cambios sociales, tecnológicos y culturales de nuestro tiempo. El papel del Arte va mucho más allá de la mera contemplación estética o el entretenimiento: el arte es hoy un agente activo en la transformación de la sociedad, un medio de expresión personal y colectiva, y una herramienta de reflexión, comunicación y cambio. El arte contemporáneo no solo asume funciones sociales, comunicativas y educativas, sino que también se convierte en un espacio privilegiado para la reflexión filosófica sobre la realidad, la subjetividad y la experiencia humana. 

Más allá de su función estética, el arte se ha consolidado como un territorio de crítica social y filosófica. El arte puede sensibilizar al espectador respecto a las incongruencias o fallos del mundo existente, activar el pensamiento y luchar contra la pasividad y la manipulación. La obra artística, entonces, no solo se contempla, sino que se piensa y se discute, generando preguntas más que respuestas cerradas. 

En el siglo XXI, crece la idea filosófica hacia el arte de reconocer la importancia de la subjetividad, la experiencia estética es única para cada individuo. El diálogo entre las percepciones individuales y los referentes culturales, permiten que el arte siga siendo un lenguaje universal con el que nos relacionamos. El arte es tanto un objeto como una experiencia, y su sentido de utilidad se construye en el encuentro entre la obra y el espectador. 

La reflexión filosófica contemporánea recupera la noción de lo sublime como fundamento del arte, ese punto en que lo bello y lo inquietante, lo racional y lo irracional, lo finito y lo infinito se encuentran y nos conmueven. El arte del siglo XXI no renuncia a la belleza, pero la redefine. Ya no es solo armonía, sino también dolor, extrañeza, ironía o denuncia. El arte puede ser un modo de conocimiento y autoconocimiento, una vía para explorar lo que nos une y lo que nos separa o desborda como seres humanos. 

Desde una perspectiva filosófica, el arte es un nexo de acercamiento entre personas, entre sociedades, une lo individual con lo colectivo, lo material con lo simbólico, lo racional con lo intuitivo. La metáfora, como señala la teoría contemporánea, es el puente entre filosofía y arte, y permite que el arte exprese ideales, valores y preguntas; fundamentales sobre la existencia, la identidad y el sentido. 

En una sociedad saturada de imágenes y mensajes, el arte tiene la responsabilidad de despertar el pensamiento crítico y resistir la manipulación fácil. 

El arte puede revelar los mecanismos de poder, consumo y alienación, y proponer alternativas creativas y emancipadoras. En este sentido, el arte sigue siendo un espacio de libertad y resistencia, capaz de cuestionar todo lo que tenemos a nuestro alrededor en cada momento y abrir horizontes de posibilidades nuevas, de críticas, de análisis o reflexiones sobre cada momento que vamos viviendo y avanzando. 

El siglo XXI es un tiempo de pluralidad mostrada además con suma facilidad, coexisten múltiples estilos, géneros y actitudes frente al arte. La filosofía contemporánea reconoce que ya no existe un canon único de nada, sino una constelación de referentes y criterios en diálogo permanente. El arte, así, es un campo abierto a la experimentación, la ruptura y la reconciliación de opuestos, donde cada obra puede ser tanto una afirmación como una pregunta. 

El arte sigue siendo un espejo de la realidad, reflejando los valores, conflictos, aspiraciones y desafíos de la sociedad contemporánea. A través de nuevas formas y lenguajes, los artistas abordan temas urgentes como la desigualdad de todo tipo, el cambio climático, la diversidad cultural entre sociedades o dentro de cada una de ellas, invitando a la reflexión y al debate social. 

El arte se ha consolidado como un instrumento de denuncia y transformación social. Movimientos como el feminismo, el ecologismo o la lucha por los derechos humanos encuentran en el arte un canal poderoso para visibilizar sus mensajes y movilizar conciencias. Murales, performances, arte urbano y exposiciones temáticas son ejemplos de cómo el arte fomenta el diálogo y puede impulsar cambios reales en la sociedad. 

El arte permite expresar lo que a menudo no puede decirse con palabras. Es un lenguaje universal que conecta a personas, facilitando la empatía y el entendimiento mutuo. En un mundo globalizado, el arte trasciende barreras lingüísticas y culturales, uniendo a la humanidad en torno a experiencias y emociones compartidas. 

El arte contemporáneo es un campo abierto a la inmensidad para la experimentación de todo tipo, para incluso la innovación y la búsqueda de nuevas formas de expresión. Los avances tecnológicos, como el arte digital, la realidad virtual y las redes sociales, han democratizado la creación y el acceso al arte, permitiendo que más personas participen y se expresen creativamente. 

El arte estimula la creatividad, la sensibilidad y el pensamiento crítico, siendo fundamental en la educación y el desarrollo de habilidades emocionales y sociales. Además, tanto la creación como la contemplación artística contribuyen al bienestar emocional, ayudando a reducir el estrés y a fomentar la resiliencia. 

El arte es un vehículo para conservar y transmitir el patrimonio cultural de los pueblos. De los anteriores a nosotros y de los actuales. Su utilidad como termómetro histórico no tiene duda. A través de sus obras, los artistas han mantenido siempre viva la memoria colectiva contribuyendo a la construcción de la identidad cultural. 

Y esa realidad histórica no debe pararse ni con la llegada de nuevas tecnologías que enseguida serán otra vez viejas, ni con las dudas sobre el papel que tiene el Arte en la construcción de las sociedades. 

El arte del siglo XXI es participativo y a menudo es también activista allá en donde se necesita su papel movilizador. Los artistas buscan la interacción con el público y la implicación directa en los problemas de su entorno, convirtiendo la obra artística en un proceso abierto y en constante diálogo con la sociedad. 

El arte en el siglo XXI sigue siendo un motor de cambio, un espacio de libertad, una herramienta de comunicación y un reflejo crítico de nuestro tiempo. 

Sirve para cuestionar, emocionar, unir, educar, transformar y, sobre todo, para recordarnos la riqueza y complejidad de la experiencia humana en un mundo en constante transformación. 

El papel de cada artista es seguir comunicándose con él mismo, trasladar a su disciplina artística sus dudas, sus peticiones, sus quejas, sus ideas y dejar que todas ellas fluyan y caminen solas. En el camino se irán quedando algunas, otras se irán transformando, algunas servirán para que otros artistas las vean y las hagan suyas tras modificarlas y volverlas a crear. 

El Arte es hablar entre nosotros, con nosotros, para todos nosotros. No es nada más. Una manera de expresarnos que no utilizan abecedarios conocidos y que va cambiando poco a poco como cambian también las propias sociedades sobre las que se trabaja. 

El arte en el siglo XXI es, además de un motor personal y cultural, un espacio de interrogación filosófica sobre la belleza, la verdad, la subjetividad y la experiencia humana. 

Sirve para pensar, sentir, conocer y transformar, y en su pluralidad y complejidad reside su mayor riqueza. El arte es, en palabras de la filosofía contemporánea, un nexo entre lo que somos y lo que podemos llegar a ser, una puerta abierta al sentido y a la trascendencia en un mundo en constante cambio. 

Una herramienta para realizar cambios en los tiempos, en las historias, en las sociedades.

Mariposa azul de George Ward

El artista Georges Ward, casi con realismo mágico nos dejaba este acrílico que titulaba “Encuentros en Morfeo” para disfrutar de una mariposa azul siempre que lo deseemos. 

La naturaleza no se detiene, pero la podemos detener, retener incluso, llevárnosla al recuerdo o al hogar en forma de fotografía o de cuadro, y así convertirla en inmortal.

Posiblemente nunca lograremos ver estas flores y menos tan de cerca y con una mariposa hermosa revoloteando sobre ellas. Pero el arte es lo que tiene, nos puede engañar si lo quiere.

Una ventana que solo servía para mirar

Podría ser un edificio del pueblo de Luna, en las Cinco Villas del Aragón más agrícola, pero no estoy seguro de que la ventana con flores, la que se veía en lo alto del edificio con grandes piedras románicas, fuera de este pueblo aragonés o de algún otro señorial edificio de la zona. 

Iba con buenos amigos, íbamos a ver la Virgen de Monlora, era un día de invierno primaveral con ganas de andar por ese Aragón bastante desconocido para mi. 

La ventana solo servía para mirar, pero no para ser visto. 

Estaba muy alta para observar desde la calle los rasgos de quien se pudiera asomar.

Aquella Expo Zaragoza 2008 que mostraba el futuro

Zaragoza con la Expo 2008 salió ganando futuro, aunque el precio resulto excesivo para sus resultados vistos casi 20 años después. 

Lo que no queda tan claro es si realmente ganó presente, pues el uso de todo el recinto ha quedado muy deslucido con el paso del tiempo. 

La Ciudad de la Justicia es lo más inteligente que hemos realizado allí, pero no es suficiente. 

Nos queda el Arte Urbano Arquitectónico y maravilloso que nos enseña el futuro desde fuera. Pero siguen existiendo excesivos vacíos.

Familia unida que navega toda junta

Familia unida, se mueve unida contra las corrientes que le vengan de frente. 

Esta pata tiene siete vástagos, ya están crecidos y a punto de navegar por sí mismos. 

Quedan pocas semanas para que la familia se mantenga unida, pero de momento la pata sigue mirando con atención a su alrededor en busca de los peligros. 

Es su obligación de madre pata.

La delicadeza no es debilidad en un tatuador

No hay que dejarse engañar, la vida tiende a compartimentar todo, a empaquetarlo, y eso a veces nos confunde la facilidad con la que vemos el resultado que nos ofrecen.

Un niño o una señorita suave y débil puede ser la mejor tatuadora de un marinero robusto y aguerrido.

La delicadeza de una persona a quien podemos equivocadamente considerar débil, no está reñida con la profesionalidad y menos todavía con el arte de la creación.

Yo nunca emplearía mi piel como lienzo ajeno. Creo. Pero me pongo Tatoo de usar y pegar para luego lavar y quitar.

El Arte mejora la Depresión y Ansiedad?

No hay duda de que el Arte puede mejorar los síntomas de la depresión y la ansiedad tanto a través de la observación como de la práctica artística, aunque los efectos y mecanismos pueden ser diferentes y complementarios. Y también es cierto que cualquier análisis de una Depresión Grave o Crónica, debe ser supervisada por un profesional. Pero a partir de estas pequeñas indicaciones, vamos a reflexionar sobre los beneficios del Arte.

Beneficios de observar arte

Reducción de ansiedad y mejora del estado de ánimo: Diversos estudios han demostrado que incluso la simple contemplación de obras de arte, ya sea en museos, galerías o incluso de forma digital, puede reducir la ansiedad y el malestar emocional, y mejorar el estado de ánimo.

Efecto inmediato y accesible: Ver arte online o en persona puede tener efectos positivos en pocos minutos, especialmente si se elige Arte que resulta placentero o significativo para el espectador.

Mindfulness y bienestar: La observación consciente de arte, observando con atención y sin prisas, ayuda a centrarse en el presente, reduce el estrés y fomenta la empatía y la creatividad.

Apoyo en entornos sanitarios: La presencia de arte en hospitales y centros de salud se ha asociado con menos ansiedad, mejor recuperación y reducción de síntomas depresivos en pacientes.

Beneficios de Practicar y Crear Arte

Arteterapia y expresión emocional: La creación artística guiada (la llamada arteterapia) es una intervención reconocida para tratar depresión y ansiedad, facilitando la expresión de emociones difíciles, el autoconocimiento y el desarrollo de habilidades de afrontamiento.

Mejora de autoestima y resiliencia: Crear arte fomenta la autoeficacia, la autoestima y el sentido de logro, además de ofrecer un espacio seguro para explorar y procesar emociones.

Reducción del estrés y síntomas físicos: La práctica artística regular puede disminuir el estrés, la ansiedad y los síntomas físicos asociados a trastornos emocionales. Cualquier acercamiento al Arte es positivo, con independencia de las herramientas o el tipo de Arte.

Herramienta terapéutica complementaria: La arteterapia se utiliza junto a otros tratamientos psicológicos y médicos, y es especialmente útil para quienes tienen dificultades para verbalizar sus emociones.

Recomendaciones

Observar arte puede ser una intervención sencilla, de bajo coste y accesible para mejorar el bienestar emocional, y puede recomendarse tanto a personas con síntomas leves como a quienes buscan estrategias preventivas o de autocuidado. Si se hace online se recomienda que se observa a un tamaño de pantalla grande, y no de teléfono, para disfrutar de los detalles.

Practicar arte de forma libre o en contextos de arteterapia, es especialmente recomendable cuando se busca un trabajo más profundo sobre la expresión emocional, la autoestima y la gestión activa de los síntomas. Estar levemente dirigido ayuda a los resultados.

Ambas formas son válidas y complementarias. No es necesario elegir entre una u otra; la combinación de observar y crear arte puede potenciar los beneficios sobre la salud mental y el bienestar emocional, la depresión y la ansiedad. Observar arte puede reducir el malestar y mejorar el ánimo, mientras que la práctica artística ayuda a expresar y procesar emociones, aumentar la autoestima y desarrollar resiliencia. 

Ambas estrategias pueden recomendarse, adaptándose a las necesidades y preferencias de cada persona. Pero vayamos a profundizar algo más para poner en valor este ejercicio sencillo, terapéutico y capaz de mejorar el bienestar de las personas. Si ya tienes suficiente información con lo anterior, puedes pasar al siguiente capítulo.

El poder del arte en la salud emocional: observación y práctica

Observar arte: beneficios y fundamentos científicos

La simple contemplación de obras de arte -en museos, galerías, espacios públicos o incluso a través de medios digitales- puede tener un impacto significativo en el bienestar emocional y mental. Numerosos estudios en el campo de la psicología del arte y la neuroestética han demostrado que la observación de arte activa áreas cerebrales relacionadas con el placer, la empatía y la regulación emocional.

Reducción de la ansiedad y el estrés: Mirar arte puede inducir estados de relajación, disminuir el ritmo cardíaco y reducir la tensión muscular. La contemplación estética invita a la calma y al recogimiento interior, ayudando a contrarrestar el pensamiento rumiante típico de la ansiedad y la depresión. Hablamos solo de observar, no de entender, ni de entablar un diálogo interior contigo, solo dejarte llevar por tus miradas, tus observaciones.

Estimulación de emociones positivas: El arte puede evocar recuerdos, despertar la imaginación y conectar con emociones profundas, lo que contribuye a mejorar el estado de ánimo y a generar sensaciones de gratitud, asombro y belleza. Observar una obra de arte con atención plena (mindfulness) favorece la concentración en el momento presente, interrumpiendo patrones de pensamiento negativo y fomentando la autoobservación sin juicio.

Conexión y sentido de pertenencia: Visitar museos o exposiciones puede generar un sentimiento de comunidad y pertenencia, reduciendo el aislamiento social que a menudo acompaña a la depresión. En estos espacios culturales te encontrarás a personas que son tan “raras” como nosotros. Hay muchas. Y todas son como nosotros. 

Incluso en contextos hospitalarios, la presencia de arte en las paredes y espacios comunes ha demostrado reducir la ansiedad de los pacientes, mejorar la experiencia hospitalaria y contribuir a una recuperación más rápida.

Practicar arte: arteterapia y expresión personal

La creación artística es, además, una poderosa herramienta terapéutica. La arteterapia es una disciplina reconocida que utiliza el proceso creativo para ayudar a las personas a explorar sus emociones, resolver conflictos internos, desarrollar habilidades sociales y aumentar la autoestima. 

Es tan simple como admitir que la creación artística, sea compleja o muy sencilla, ayuda por varios mecanismos bien conocidos. No es siempre necesario acudir a Escuelas de Arteterapia, funciona igual de bien, si practicas el Arte como Terapia, utilizando herramientas que son maravillosas terapias. 

El barro por ejemplo es fabuloso, pero también macharse con pintura o con difuminos, utilizar los dedos para complementar los pinceles, elegir la literatura para leer o para escribir.

Expresión y procesamiento emocional: El arte permite expresar sentimientos difíciles de verbalizar, como la tristeza, el miedo o la ira, en un entorno seguro y sin juicios. Esto facilita la catarsis emocional y el autoconocimiento. Puede ser dibujo, pintura, escritura, música, danza, teatro, etc.

Reestructuración cognitiva: Crear arte ayuda a cambiar la perspectiva sobre los problemas, favoreciendo la flexibilidad cognitiva y la búsqueda de soluciones creativas a los desafíos personales. Todo parece ser más relativo cuando alrededor nos llenamos de Arte.

Refuerzo de la autoestima y la autoeficacia: Terminar una obra, por sencilla que sea, genera una sensación de logro y competencia, combatiendo la baja autoestima y la sensación de impotencia frecuente en la depresión. Un simple dibujo abstracto, un collage, etc.

Reducción de síntomas físicos: La práctica artística puede disminuir síntomas somáticos asociados a la ansiedad y la depresión, como insomnio, dolor muscular o fatiga, gracias a su efecto relajante y distractor. Ayuda el Arte a pensar en el Arte.

Fomento de la resiliencia: El arte enseña a tolerar la frustración, aceptar el error y valorar el proceso, no solo el resultado final, cualidades fundamentales para afrontar la adversidad. No tenemos nunca claro qué es mejorar en el camino artístico, pero sí sabemos lo que es crear e ir sumando creaciones y evoluciones.

¿Observar o practicar? Una combinación poderosa

No es necesario elegir entre observar o crear arte: ambas vías se complementan y potencian mutuamente. Por ejemplo, la visita a una exposición puede inspirar la creación personal, y la práctica artística puede aumentar la sensibilidad y el disfrute al contemplar obras ajenas. Conocer a otros artistas, sin la pretensión de ser como ellos, sino con la de aprender sus técnicas. 

Además, el arte puede ser un puente para la comunicación y la conexión social, facilitando el diálogo sobre emociones y experiencias difíciles. O incluso entre personas que asisten a conferencias, debates o visitas guiadas a monumentos con Arte.

Recomendaciones prácticas

Para quienes no se animan a crear se puede empezar por la observación, permitiéndose disfrutar sin expectativas ni juicios. Es una excelente puerta de entrada al bienestar que ofrece el Arte como elemento contemplativo al que enseguida la pedirás aprender más.

Para quienes buscan un cambio activo, la práctica artística, guiada o libre, puede ser un complemento terapéutico muy valioso, especialmente si se realiza en un entorno grupal o bajo la orientación de un arteterapeuta. Practicar de forma guiada no es algo que sea imprescindible, pero si recomendable para avanzar y aprender.

En contextos clínicos, tanto la observación como la práctica del arte pueden integrarse en programas de salud mental, como complemento a la psicoterapia y el tratamiento médico. Cada vez más en los Hospitales se trabajan las opciones que nos abre el Arte como mejora del bienestar.

El arte, ya sea contemplado o creado, es una herramienta poderosa para mejorar la salud emocional. Su capacidad para evocar emociones, fomentar la reflexión, ofrecer consuelo y abrir vías de expresión, lo convierte en un recurso accesible y universal para quienes buscan aliviar los síntomas de una depresión o de la ansiedad. 

Incorporar el arte en la vida cotidiana, ya sea visitando museos, observando obras en casa, o atreviéndose a crear, puede ser un paso sencillo pero transformador hacia el bienestar.